Dans les coulisses de PALY : James Franco et Kyle Lindgren transforment le mythe hollywoodien en art à porter
Le duo créatif dévoile en exclusivité pour Hypebeast son process, l’impact de la skate culture et sa façon de traiter Hollywood comme une matière brute pour sa dernière collection, désormais disponible sur HBX.
Quand le monde s’est mis sur pause en 2020, un rituel de confinement improvisé entre amis a déclenché une collaboration créative inattendue. L’acteur et artiste James Franco, aux côtés de Kyle Lindgren—un designer qui a fait ses armes au sein du label skate culte Fucking Awesome—se sont mis à collaborer sur un coup de tête, en projetant les croquis de quarantaine de Franco sur des vestes en denim. Cette première expérimentation a rapidement donné naissance à PALY, une marque qui fonctionne moins comme un label de mode traditionnel que comme un véritable portail vers un univers cinématographique.
Profondément enracinée dans la mythologie, le glamour et le versant plus sombre de Los Angeles, PALY utilise Hollywood lui‑même comme matière première. Puisant dans l’imaginaire ésotérique de « Hollywood Babylon » de Kenneth Anger et dans l’énergie subversive du punk des années 70, le duo crée des pièces très travaillées, patinées, qui donnent l’impression d’être des artefacts arrachés à une strate secrète de l’industrie du divertissement. Franco pilote le récit global et l’univers visuel, en véritable directeur conceptuel de la marque, tandis que Lindgren traduit ces idées abstraites en textiles, à travers un processus de production obsessionnel et ultra manuel.
Pour célébrer l’arrivée de la dernière collection de PALY sur HBX, nous avons rencontré Franco et Lindgren pour revenir sur les origines organiques de la marque, la frontière de plus en plus floue entre mode de luxe et cinéma, et la manière dont ils construisent un univers à habiller, où chacun peut jouer un rôle.
Paly
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Hypebeast : Vous vous êtes rencontrés via des amis communs en plein cœur des confinements liés au COVID‑19 – une histoire très LA de trajectoires qui se croisent alors que le monde était à l’arrêt. Comment ces premières conversations, qui n’étaient au départ que des moments à traîner ensemble, se sont‑elles transformées en une véritable collaboration créative qui a donné naissance à PALY ?
James Franco : Nous nous connaissions depuis des années avant le Covid, mais c’était une amitié à l’état pur. On surfait, on jouait au tennis, on allait à Coachella, on regardait des films, c’était juste notre bande. J’étais là quand Kyle est passé par une école de mode puis a commencé à bosser chez FA. Quand le COVID a frappé, notre groupe d’amis s’est mis à regarder The Bachelor ensemble chaque semaine, et je dessinais pendant l’émission, parce que j’avais recommencé à faire de l’art pendant la pandémie. Puis Kyle a eu une épiphanie et m’a demandé de dessiner sur quelques vestes en denim, et ça a été le début de quelque chose. Ça a inspiré Kyle à imaginer des silhouettes de T‑shirts et de hoodies, et on a commencé à y apposer certains de mes dessins.
À ce moment‑là, je crois que nos discussions tournaient autour de l’ADN de la marque, des thèmes qu’on voulait au cœur de ce qu’on faisait. Paly est très axé sur le storytelling, la plupart des pièces renvoient à l’histoire et aux légendes de l’old Hollywood, mais il a fallu poser tout ça. On parlait beaucoup de l’ADN intérieur et de l’ADN extérieur : en gros, la matière du récit devait être l’old Hollywood et l’histoire de LA, tandis que le design irait puiser du côté du punk rock et des inspirations vintage.
En ce moment, on voit les grandes maisons de luxe investir l’entertainment, en gros fonctionner comme de vrais studios de production. Comme vous arrivez tous les deux par des trajectoires presque inverses – en injectant une base cinématographique dans le vêtement – comment regardez‑vous ce brouillage des frontières entre industries ? Où et comment PALY trace‑t‑il sa place dans ce crossover ?
JF : J’ai suivi plusieurs programmes de MFA, et l’une des grandes quêtes dans ces cursus, c’est de trouver sa voix et son approche singulières. Comme j’avais déjà une carrière dans le cinéma, j’ai compris que ma spécificité serait peut‑être de rassembler tous ces mondes. En art contemporain, la plupart de mes artistes préférés prenaient Hollywood et le cinéma comme matière première qu’ils injectaient dans leur pratique pour la transformer à leurs propres fins. Mais c’étaient des artistes en dehors d’Hollywood, qui regardaient vers l’intérieur. Moi, j’étais quelqu’un qui avait travaillé à Hollywood et qui se retrouvait désormais à une certaine distance, lui permettant de repenser sa place dans l’industrie du film et d’en tirer de nouvelles formes de création. En gros, j’avais un pied dedans et un pied dehors. Je pouvais l’observer sous un nouvel angle, tout en gardant l’énergie liée au fait d’en avoir fait partie.
Alors, quand Kyle et moi avons lancé Paly, c’était une opportunité de plus de faire exactement ça : regarder Hollywood, mais avec un léger décalage. Paly, c’est l’occasion de réactiver de vieilles histoires, de rendre à nouveau vivants les films et les mystères du dernier siècle. J’adore que la mode, le cinéma, l’art et la littérature se mélangent de plus en plus : c’est précisément dans cet entre‑deux que je vis.
Je suis curieux du processus créatif concret, au quotidien, entre vous deux. Quand vous décidez de fusionner un récit cinématographique avec un vêtement, par quoi ça commence ? Qui apporte quoi pour que la pièce ressemble vraiment à une histoire à part entière, et pas juste à un visuel posé sur un T‑shirt ?
JF : Au début de chaque saison, Kyle et moi parlons d’un thème directeur, quelque chose qui va traverser toute la collection. Une fois le thème posé, on brainstorme sur les personnages et les histoires qui peuvent s’y rattacher. On a un plan des types de produits qu’on doit sortir cette saison‑là, donc on discute des pièces qu’on veut ajouter à notre offre déjà installée. À partir de là, on s’y met tous les deux : on travaille des designs chacun de notre côté, on les assemble, on les aligne avec les images et les récits dont on avait parlé. On se renvoie sans cesse nos idées, donc chaque pièce est vraiment touchée par nous deux. Kyle est le maître des matières, donc c’est à lui ensuite de voir avec l’équipe comment fabriquer tout ça – et ça, c’est un tour de magie à part entière.
Vous avez tous les deux insufflé cette mentalité très narrative à PALY. Mais une fois ce récit ou cet « univers » posé, comment traduisez‑vous ces concepts cinématographiques dans la matière même des textiles ? Pouvez‑vous me détailler le processus de développement et de production de PALY – à quel point le travail de vieillissement, de délavage et de traitements spécifiques repose‑t‑il sur des essais, des erreurs, pour atteindre ce rendu patiné, ultra authentique ?
JF : Ça, c’est la spécialité de Kyle. Ils disparaissent dans leur labo de savants fous à Los Angeles et enchaînent leurs expériences façon Frankenstein.
Kyle Lindgren : Au début de la marque, c’était la pure survie. Je courais partout dans le centre de Los Angeles comme un fou, enchaînant les rendez‑vous avec des fournisseurs de tissus et des blanchisseries locales en utilisant les quelques connexions que j’avais développées chez Fucking Awesome – qui restaient limitées, puisqu’ils produisaient la majorité de leurs pièces à l’étranger. Je devais donc apprendre à naviguer dans cet univers du sourcing et de la fabrication domestiques tout en essayant de bâtir l’infrastructure nécessaire pour faire tourner une petite entreprise. Honnêtement, c’est la période où j’ai le plus travaillé de toute ma vie. Une journée de 16 heures, à l’époque, c’était une journée facile. Sur les dernières collections, maintenant que j’ai un peu de marge de manœuvre, on a enfin le temps de développer et de tester différents délavages et fabrications avant d’entrer en phase de proto. En général, j’ai un rendu visuel et un toucher très précis en tête, et je n’abandonne pas tant que je ne l’ai pas atteint. S’il faut que j’aille moi‑même derrière une usine et que j’enfile des gants, je le fais. J’aime être très présent sur le terrain. Presque à l’excès, au point que ça peut impacter d’autres parties du business parce que je suis trop obsédé par le perfectionnement d’un micro‑détail que personne ne remarquera sans doute jamais.
Des acteurs comme Jacob Elordi se sont mis à porter vos pièces de manière totalement organique. Comme la marque est profondément infusée de culture ciné et de mythologie de LA, pensez‑vous qu’une partie de l’attrait de PALY vient du fait qu’elle ressemble à une marque secrète, d’initié·e·s, pour Hollywood ? Est‑ce pour ce public‑là que vous créez, au fond ?
James Franco : J’ai l’impression que Paly s’adresse à une couche secrète d’Hollywood, une strate qui ressemble à l’inconscient de tous ceux qui vivent et travaillent à LA. Kenneth Anger est une immense source d’inspiration pour mille raisons : il tournait des films à Hollywood, mais il n’était pas d’Hollywood ; c’était un outsider qui travaillait en lisière de la ville. Et quand il a écrit « Hollywood Babylon », il a fait ce tour de magie consistant à transformer l’histoire et les ragots d’Hollywood en tout autre chose : il les a transmutés en une sorte de généalogie quasi religieuse, née des strates des dynamiques de l’old Hollywood. C’est presque comme s’il avait fait d’Hollywood une métaphore du paradis et de l’enfer, où tous les acteurs, réalisateurs et producteurs deviennent des dieux, des anges et des démons, et où leurs vies se muent en métaphores de quelque chose de plus grand. Hollywood comme tragédie grecque. Et j’aime l’idée que Paly opère à ce niveau‑là – qu’il existe tout un monde secret avec lequel on est en dialogue, sous le monde de surface.
Vous avez déjà construit un univers PALY ultra spécifique, habité, dès le départ. Quand vous pensez à la suite, comment faites‑vous évoluer ce récit ? Cherchez‑vous à explorer des « genres » ou des ères d’Hollywood totalement différents pour les futures collections, ou l’enjeu principal, c’est plutôt d’embarquer le public toujours plus en profondeur dans le monde que vous avez déjà façonné ?
James Franco : On veut continuer à évoluer, mais toujours en restant conscients de nos racines. Une des façons dont on commence à le faire, c’est via des collaborations avec des artistes qu’on aime – comme je l’ai constaté en travaillant avec toutes sortes de profils dans le cinéma, la collaboration t’emmène dans des endroits où tu ne serais jamais allé seul. La beauté de l’old Hollywood, de l’histoire du cinéma, de Los Angeles et de sa musique, c’est que c’est sans fin. Il y a tellement de recoins qu’on veut explorer, c’est infini. On peut visiter différentes périodes, mais chaque époque a son propre panthéon de figures et une corne d’abondance d’histoires, et chacune d’elles peut être explorée avec une grande précision. C’est presque comme si chaque saison était un bouquet de petits films.
KL : Je pense que James a parfaitement résumé ce qui touche à l’expansion de la dimension narrative de la marque. En tant que responsable produit, pour développer la marque, je suis peut‑être davantage focalisé sur la profondeur des catégories. On n’est qu’à la quatrième année de la marque, il y a encore plein de segments assez peu explorés. Ce qui m’excite le plus, c’est d’ajouter des pièces tailoring et des modèles plus polyvalents, moins centrés sur le graphisme et davantage sur la silhouette, le délavage et la matière. Je veux être sûr qu’on ait une offre qui dépasse les seuls T‑shirts à imprimé, hoodies et casquettes.
PALY semble profondément ancré dans la mythologie souterraine et les strates les plus énigmatiques de Los Angeles. Plutôt que de simplement pointer du doigt l’industrie du divertissement, vous l’utilisez comme matière première – un prisme créatif pour construire quelque chose de totalement nouveau. Comment transformez‑vous ces éléments abstraits, presque surréalistes, d’Hollywood en une matière que l’on peut littéralement enfiler ?
JF : Exactement. C’est un peu ce que j’essayais d’expliquer sur ce que je cherchais à faire en sortant de l’école d’art. J’avais été à Hollywood comme acteur et réalisateur, mais une fois que je me suis mis sur le côté pour regarder Hollywood à travers le prisme de l’art ou de la mode, j’ai pu l’utiliser comme matière brute pour créer non pas forcément plus de films, mais autre chose : des peintures, des vêtements, des performances et des vidéos non traditionnelles. C’est ce que Paly me permet de faire. Et comme la mode est un art que les gens portent, et que cet art parle d’Hollywood, ça fonctionne à de multiples niveaux. On peut réactiver d’anciennes idoles et légendes du cinéma sous un angle nouveau parce qu’elles apparaissent sur des vêtements que les sujets originels n’ont jamais portés – par exemple, James Dean n’a jamais porté de chemises punk Vivienne Westwood, mais il est réinventé à travers ces designs contemporains, des pièces qui sont à la fois modernes et tournées vers différentes périodes de l’histoire de la mode. Et puis, parce qu’on fabrique des vêtements, les gens portent l’art, et de cette manière tout le monde devient une sorte d’acteur – on participe tous à ce niveau souterrain des choses. C’est comme une secte, mais une secte qui ne dit rien d’autre que : « on est connectés à l’envers du décor ». Comme si on était tous dans un film de David Lynch, où tout semble en place en surface, mais où juste en dessous il se passe complètement autre chose. Et Paly est un portail vers cet autre versant.
Pour rebondir là‑dessus, James, quels parallèles faites‑vous entre la façon dont Kyle a appris à construire un univers dans le streetwear et votre propre expérience de construction de mondes sur un plateau de cinéma ?
JF : Je pense que la mode et le cinéma sont tous les deux des portails. Ils transportent les gens vers d’autres mondes, d’autres manières de voir le monde et de se présenter. J’ai écrit un livre qui s’appelle Actors Anonymous, et l’un des thèmes du livre, c’est l’idée que la vie est une performance. Et les vêtements sont notre garde‑robe pour cette performance. Dans le cinéma, j’aidais à construire des mondes et des histoires que les gens regardaient et dans lesquels ils entraient par l’observation, tandis qu’en mode, Kyle apprenait à créer des vêtements qui permettaient aux gens d’entrer dans le « film » de leur propre vie. Avec l’arrivée des réseaux sociaux, quasiment tout le monde est devenu performeur. Donc aujourd’hui, on travaille à créer un monde‑film où chacun est participant. Paly te permet d’entrer dans un univers où la vie est un film.
Kyle, avant PALY, tu as passé du temps chez Fucking Awesome aux côtés de Jason Dill. Les marques de skate et de streetwear sont des maîtres dans l’art de construire des univers cultes. En quoi cette expérience a‑t‑elle influencé la façon dont PALY aborde la construction d’univers et le storytelling ?
KL : Chez FA, tout venait de Dill ; moi, j’étais juste un soldat humble dans le studio art/design, en train d’apprendre et d’absorber le maximum d’infos possible. Je posais un million de questions et je me retrouvais souvent à tendre l’oreille à toutes les réunions à portée de voix. Je pense que c’est ça qui m’a permis de construire et de faire tourner PALY avec une équipe aussi réduite au début. Sur la direction artistique et le storytelling, le fait d’avoir bossé pour une marque très orientée art a clairement façonné ma manière d’aborder le design chez PALY. Je pense que la plupart des designers commenceraient par les matières et la silhouette, alors que moi, je pars souvent des œuvres de James et je remonte à partir de là. L’histoire et l’art arrivent en premier, et le vêtement final n’est que le résultat de ma capacité à fusionner les deux. À mes yeux, il y a quatre piliers pour faire une pièce forte : la matière et les process de lavage, la silhouette et les détails de design, les techniques d’impression et d’ornementation, et enfin l’art, le graphisme et le récit que porte la pièce. Si tu arrives à exécuter ces quatre aspects à un niveau élevé, le résultat sera toujours un produit indiscutable.
PALY SS26 est désormais disponible chez HBX.
