James Fuentes Gallery 重新審視 Teruko Yokoi 的跨太平洋抽象藝術
《A Pacific Line》匯集了由 1954 年至 2005 年間的創作，記錄這位藝術家橫跨日本、美國、法國與瑞士的藝術軌跡。
摘要
Teruko Yokoi 的《A Pacific Line》是她四十多年來在 Los Angeles 的首個個人展覽。
展覽追溯了她從具象走向抽象的演變過程。
展出作品橫跨 1954 至 2005 年，巧妙融合日本美學與西方戰後現代主義。
Teruko Yokoi 長達數十年的藝術實踐隨著 James Fuentes Gallery 的全新展覽 《A Pacific Line》 再次登陸 Los Angeles，回顧這位日裔瑞士籍畫家在戰後抽象藝術中的獨特軌跡。這是她四十多年來首次在該市舉辦個人展覽，在西岸引起了特別的共鳴：Yokoi 於 1954 年，即美國結束佔領日本後不久，首次乘船抵達美國，隨後入讀 San Francisco 的 California School of Fine Arts。這項自主的決定成為了她職業生涯的起點，其後她不斷在日本、美國、法國及瑞士之間遷徙，同時拒絕被輕易歸類於任何單一學派或運動。《A Pacific Line》 匯集了 1954 年至 2005 年間創作的作品，將 Yokoi 的實踐呈現為日本傳統美學與戰後西方現代主義之間持續的對話。
Yokoi 在美國的早年歲月標誌著由具象向極具個人色彩的抽象風格之決定性轉變，這種風格將定義她的作品。1954 年的《Pose》仍保留了坐著的人像輪廓，但其身體已開始融入橙色、灰色與啡色的色塊中，預示著她對形態與色彩越來越具節奏感的處理手法。
在 1955 年移居 New York 後，她跟隨 Hans Hofmann 學習，就讀於 Art Students League，並活躍於包括 Joan Mitchell、Kenzo Okada 及 Mark Rothko 在內的圈子，期間更與畫家 Sam Francis 在 Chelsea Hotel 住過一段時間。然而，她的作品依然有別於抽象表現主義的主流語言。如 1960 年的《Shizen–Natur》等畫作，以深綠色背景、飽和的藍色形態及紅白色條紋，展現出一種既建基於日本書法、俳句與對大自然的觀察，又植根於姿態抽象的詞彙。Yokoi 曾形容自己的畫作是「用顏色寫成的詩」，這種情懷源於童年時漫步 Kiso River 風景的經歷，以及父親早年傳授的書法與詩歌課程。
展覽亦探討了 Yokoi 於 1962 年永久定居 Bern 後在物料上的演變，在那裡她保持著極為一致的工作室實踐，直至 2020 年逝世。如 1965 年的《Herbstwald》及 1969 年的《Lauschen II (Nocturne)》等作品，運用了修長的直立格式及集中的紅色、黑色與藍色區域，將風景轉化為充滿氛圍且近乎音樂性的事物，而後期的作品則越來越多地探索紙張與蛋彩畫。
到了 1970 年代中期，Yokoi 已掌握了這種要求極高的媒介，並逐漸融入了手工混合顏料、珠光礦物及會隨光線與觀看角度變化的金屬元素。例如 1993 年的雙聯畫《Ohne Titel》，將這種手法擴展至鮮明的黃色、藍色、綠色及銀色區域，同時保留了連接她早期與晚期畫作的書法線條與自然節奏。《Teruko Yokoi: A Pacific Line》 由 Emerald Room | Emerald Editions 與 Kent Fine Art 協辦，由即日起至 2026 年 11 月 7 日於 Los Angeles 5015 Melrose Avenue 的 James Fuentes Gallery 展出。
