Hayley Smith (InScope) : ce que les galeries d'art n'ont toujours pas compris

Pendant des décennies, être représenté par une galerie était considéré comme l’un des signes les plus évidents de la réussite d’un artiste. Les galeries offraient un accès aux collectionneurs, aux institutions et aux commissaires d’exposition, tandis que les artistes comptaient largement sur elles pour gagner en visibilité, s’imposer sur le marché et pérenniser leur carrière. Mais cette équation est en train de changer.

Aujourd’hui, les artistes peuvent se constituer un public mondial, vendre leurs œuvres directement, organiser leurs propres expositions et créer des communautés sans attendre le feu vert des gardiens traditionnels du temple. Pourtant, pour Hayley River Smith, directrice d’InScope (anciennement Scope Art Show), ce bouleversement ne signifie pas que les galeries sont devenues obsolètes. Il implique simplement que la relation entre les artistes et les galeries doit évoluer.

Pour la dernière édition de l’état de l’art (« State of Art ») d’Hypeart, Hayley Smith donne son avis sur ce que signifie une véritable représentation en 2026, sur la pertinence actuelle du traditionnel partage à 50/50, et explique pourquoi la conviction, la confiance et l’investissement sincère comptent peut-être finalement plus que la représentation en soi.

Courtesy Of Hayley River Smith And Inscope

“Ce dont les gens ont envie aujourd’hui, c’est d’une véritable connexion qui dépasse le simple cadre transactionnel.”

Les artistes ont-ils encore besoin des galeries ? Pourquoi ou pourquoi pas ?

Pour moi, la question n’est plus de savoir si les artistes ont encore besoin des galeries, mais plutôt de définir la nature de cette relation. Nous avons passé beaucoup de temps à applaudir méticuleusement ce qui est prévisible. Nous savons ce qu’une galerie est censée faire, ce qu’un artiste est censé faire, à quoi une foire est censée ressembler et à quoi le succès est censé correspondre. Nous avons atteint un point où nous regardons ce modèle en faisant la moue, tout en continuant tous à participer à cette même uniformité.

Les artistes disposent de plus de moyens que jamais pour se constituer un public et vendre leurs œuvres directement, mais cela ne signifie pas pour autant que les relations humaines ont perdu de leur importance. C’est même tout le contraire.

Ce dont les gens ont envie aujourd’hui, c’est d’une véritable connexion qui dépasse le simple cadre transactionnel. La meilleure relation avec une galerie peut offrir précisément cela : quelqu’un qui connaît l’artiste, comprend son travail, prend des risques pour le défendre et s’investit dans l’évolution potentielle de sa pratique plutôt que de se contenter de ce qui peut être vendu cette saison. Les artistes ont toujours besoin de personnes qui croient en leur travail et qui sont prêtes à construire quelque chose à leurs côtés. Parfois, il s’agit d’une galerie. Parfois non.

Que peut apporter une galerie à un artiste aujourd’hui qu’il ne puisse construire facilement par lui-même ?

Les relations et la conviction sont les deux éléments majeurs. Un artiste peut se constituer un public en ligne, vendre en direct, créer ses propres expositions et communiquer avec des collectionneurs sans passer par les intermédiaires traditionnels. Cependant, nouer des relations profondes et durables avec des collectionneurs, des musées, des commissaires d’exposition, des institutions et d’autres artistes demande du temps.

Avec les galeries, le fait d’avoir quelqu’un d’autre dans son camp a une immense valeur. Quelqu’un qui est prêt à dire : “Je crois que c’est important”, avant même que le marché ne l’ait nécessairement confirmé. Et cela n’a rien à voir avec le simple fait d’offrir un accès à des acheteurs.

Les réseaux sociaux ont-ils modifié le rapport de force entre les artistes et les galeries ?

Les réseaux sociaux ont redonné un pouvoir considérable aux artistes, mais ils ont tout autant fourni aux galeries des outils créatifs sans précédent pour les promouvoir. Les artistes ont repris énormément de contrôle sur la façon dont ils se présentent, racontent leur propre histoire et touchent leur public. De plus en plus, les collectionneurs découvrent les artistes directement via les réseaux sociaux, puis se tournent vers les galeries et les foires pour mieux comprendre, contextualiser ou évaluer le travail. Il s’agit d’un changement majeur par rapport au modèle où les galeries constituaient souvent la passerelle principale entre un artiste et son public.

Mais les réseaux sociaux ont également mis en évidence un point intéressant : l’accès n’est pas synonyme de connexion. Vous pouvez avoir des millions de personnes qui regardent votre travail et ne toujours pas avoir de relation significative avec la personne qui le collectionne.

Nous traversons une époque où tout le monde bénéficie d’un accès élargi, mais où nous réalisons simultanément à quel point les relations humaines authentiques et la confiance sont précieuses. Les réseaux sociaux peuvent susciter la découverte, mais ils ne remplacent pas les relations de confiance, le soutien et l’investissement à long terme nécessaires pour bâtir une carrière pérenne.

Cela ne rend pas les galeries inutiles, mais les responsabilise davantage quant à leur rôle. Si un artiste peut se forger une visibilité et un réseau de manière indépendante, les galeries doivent alors définir plus clairement ce qu’elles apportent d’unique à la relation et la manière dont elles s’investissent auprès de l’artiste, au-delà du simple fait de tirer profit du public qu’il a déjà conquis.

Courtesy Of Hayley River Smith And Inscope

“Il s’agit moins de faire entrer les artistes dans une structure existante que de se demander quelle structure peut soutenir au mieux l’artiste et sa pratique.”

Un artiste peut-il bâtir une carrière sérieuse et durable en dehors du système traditionnel des galeries ?

Oui. Il existe plus de voies possibles que jamais auparavant. Mais il ne faut pas en déduire que nous n’avons plus besoin des institutions ou des galeries. Il faut plutôt retenir que ces espaces ne constituent plus la seule porte d’entrée.

De nombreux phénomènes qui semblent être des crises isolées (le modèle des galeries, les ventes directes, les réseaux sociaux, entre autres) sont en fait liés. Ils sont le signe que la façon dont les gens souhaitent participer au monde de l’art évolue, et c’est une excellente nouvelle. Nous devons arrêter de faire comme si nous étions encore dans l’industrie de l’art de 2005. En tant que secteur foisonnant de créatifs, nous devons tous réfléchir de manière plus innovante au modèle commercial et de distribution de 2026 et des années à venir.

L’enjeu est de construire de nouvelles structures autour de cette réalité plutôt que d’essayer simplement de préserver les anciennes. J’apprécie sincèrement de voir comment les artistes tracent leurs propres chemins dans ce paysage en constante évolution. Il y a beaucoup à en apprendre. Notre façon de travailler avec les artistes doit évoluer de la même manière. Il s’agit moins de faire entrer les artistes dans une structure existante que de se demander quelle structure peut soutenir au mieux l’artiste et sa pratique.

Que signale encore la représentation en galerie aux collectionneurs, musées et institutions ?

Elle peut indiquer qu’une structure professionnelle encadre la pratique d’un artiste, mais ce signal devient de moins en moins absolu.

La représentation était autrefois l’une des marques de légitimité les plus claires. Aujourd’hui, un artiste dispose de nombreuses façons de démontrer son sérieux : expositions institutionnelles, résidences, projets indépendants, communautés qu’il a fédérées, collectionneurs qu’il a fidélisés, collaborations et, bien sûr, l’œuvre elle-même.
En fin de compte, la question glisse de “Qui représente cet artiste ?” vers “Qui croit en cet artiste, et pourquoi ?”

Si les artistes peuvent vendre directement aux collectionneurs, qu’est-ce qui justifie de céder 50 % à une galerie ?

Si un artiste cède 50 % de ses revenus, il doit y avoir un échange de valeur significatif. Cela peut se traduire par des relations, du soutien, des expositions, des placements institutionnels, de la production, de la logistique, du développement de marché et, surtout, un investissement sur le long terme.

Le modèle 50/50 ne peut plus perdurer tel qu’il existe aujourd’hui. Les artistes n’ont jamais eu autant de pouvoir grâce aux réseaux sociaux, à l’accès direct aux publics et aux collectionneurs, et aux communautés qu’ils construisent autour de leurs propres pratiques. Ils s’investissent également de plus en plus en eux-mêmes.
Si la relation est purement transactionnelle, céder 50 % semble de plus en plus difficile à justifier. Si c’est l’artiste qui apporte le public, la communauté, la pertinence culturelle et un investissement important dans sa propre pratique, la galerie se doit alors d’être transparente sur ce qu’elle apporte en retour.

Mais il existe un autre type de valeur, plus difficile à quantifier : le fait de faire partie de quelque chose avec quelqu’un. Si la relation est véritablement collaborative et que la galerie contribue à bâtir ce qu’aucune des deux parties ne pourrait construire aussi bien seule, l’équation change. Il faut travailler avec les bonnes personnes pour que ce partage en vaille la peine.

Les artistes s’investissent intrinsèquement dans leur travail et dans la construction de leur propre carrière. Les galeries doivent s’investir tout autant. Nous nous dirigeons vers une époque où les artistes seront bien plus enclins à se demander si le traditionnel partage reflète réellement la valeur créée des deux côtés. C’est une conversation que l’industrie devrait avoir et que nous aurons très certainement chez InScope cette année.

Courtesy Of Hayley River Smith And Inscope

“Sommes-nous en train de créer de nouvelles opportunités, de présenter de nouvelles personnes, de prendre des risques et d’élargir réellement l’univers de l’artiste ?”

Les galeries sont-elles encore conçues pour accompagner les artistes sur le long terme, ou la relation est-elle devenue plus transactionnelle ?

Il existe bien sûr des relations transactionnelles, mais cela ne reflète pas toute la réalité. Le malaise grandissant face aux relations transactionnelles explique en partie cette volonté de changement. Une relation transactionnelle peut vous permettre de conclure une vente. Elle ne vous permettra pas nécessairement de bâtir une carrière.

Nous devons également admettre que les galeries s’appuient parfois lourdement sur les communautés et les réseaux que les artistes ont déjà bâtis, sans s’investir autant en retour auprès de ces mêmes artistes. Un artiste amène ses collectionneurs, ses pairs, sa crédibilité culturelle, son public, et soudainement, cette communauté fait partie du modèle économique de la galerie. Mais investissons-nous dans cette communauté en retour ? Sommes-nous en train de créer de nouvelles opportunités, de présenter de nouvelles personnes, de prendre des risques et d’élargir réellement l’univers de l’artiste ?

C’est là que la relation peut très vite devenir transactionnelle. Les gens recherchent des relations plus riches de sens à travers le monde de l’art, car s’appuyer uniquement sur des transactions ne crée pas de longévité. Il y a un réel désir pour quelque chose comportant un peu plus de risque, de curiosité et d’humanité.
Les galeries ont ici une opportunité incroyable. Celles qui comprennent que la communauté d’un artiste n’est pas simplement une ressource à exploiter, mais une entité dans laquelle s’investir sincèrement, seront celles qui noueront des relations durables.

Si vous étiez un artiste émergent aujourd’hui, la représentation en galerie serait-elle encore l’un de vos objectifs principaux ?

Mon objectif serait de bâtir une pratique et une communauté qui ont du sens, puis de trouver les personnes (qu’il s’agisse d’une galerie, d’un commissaire d’exposition, d’un collectionneur, d’une institution ou d’autres artistes) qui désirent véritablement avancer à mes côtés.

Les artistes émergents d’aujourd’hui ont un avantage incroyable. Ils n’ont plus besoin d’attendre la permission de quiconque pour se lancer. Et c’est le plus grand changement auquel nous assistons. La question n’est plus simplement “Comment puis-je intégrer le système ?”, elle devient peu à peu “À quel type de système ai-je réellement envie de participer ?”