Maaaring may makakita sa “Costume Art” bilang sobrang tuwirang pangalan para sa susunod na major costume exhibition ng Met—katulad ng gala theme nitong “Fashion Is Art”—ngunit malinaw na ipinapahayag ng pamagat ang pangunahing ideya ng event: ang hindi mapaghihiwalay na ugnayan ng nabibihisang katawan at ng kasaysayan ng sining.

Sa pagtalakay niya noong Pebrero tungkol sa nalalapit na exhibition, sinabi ng curator in charge na si Andrew Bolton na gusto niyang “ituon ang pansin sa sentral na papel ng nabibihisang katawan sa loob ng Museum, na inuugnay ang mga artistikong representasyon ng katawan sa fashion bilang isang embodied art form.” Dagdag pa ni Bolton, sa halip na bigyang-priyoridad ang “visuality” ng fashion—“na madalas isinasakripisyo ang mismong katawan”—uunahin ng Costume Art ang “materiality at ang hindi mapaghihiwalay na koneksyon sa pagitan ng ating mga katawan at ng mga damit na isinusuot natin.” Ang exhibition sa 2026 ang magsisilbing pormal na inaugurasyon ng Condé M. Nast Galleries, isang 12,000 sq. ft. na espasyo kung saan gaganapin ang mga susunod na show ng Costume Institute.

“Sa halip na unahin ang visuality ng fashion, na madalas isinasakripisyo ang mismong katawan, binibigyang-pribilehiyo ng Costume Art ang materiality nito at ang hindi mapaghihiwalay na ugnayan sa pagitan ng ating mga katawan at ng mga damit na isinusuot natin.” — Andrew Bolton

Kung halata na ang mga tema ngayong taon, mas matalim pa ang pahayag ng Y/Project suit na makikita sa mga preview. Idinisenyo sa kolaborasyon ng noo’y creative director na si Glenn Martens at Jean Paul Gaultier para sa FW22, nireimagine ng trompe l’oeil design ang isang klasikong men’s two-piece suit bilang blangkong canvas para sa isang halftone na hubad na pigura.

Sa kabuuan ng show, ang naked suit ay ilalagay katabi ng isang 1st–2nd century CE marble statue ni Diadoumenos, upang iguhit ang mga pagkakatulad sa pagitan ng kani-kanilang idealized na paglalarawan ng “Classical Body.” Ang iba pang tampok na kasuotan ay hahatiin sa mga kategoryang gaya ng “The Naked Body,” “The Aging Body,” at “The Anatomical Body.”

Dahil sa tuwirang photographic na paglalarawan nito ng male body, namumukod-tangi ang suit kumpara sa ibang looks sa previews, kabilang ang mga dress nina Dilara Findikoglu at Rei Kawakubo na masinsin ang pagkakagawa. Habang maraming ibang obra ang nag-eeksperimento sa form at nakatuon sa feminine silhouettes, ang Y/Project suit naman ay nakatutok sa optical illusion at lantad na maskulinong anyo.

Kung hindi sisilipin nang mas malapitan, madali lang isiping sumasalungat ang Y/Project suit sa curatorial intention ni Bolton. Hindi ba’t naka-focus ang suit sa visuality ng fashion sa pamamagitan ng two-dimensional graphics nito? Totoong nauuna ang visuality sa metodo ng trompe l’oeil—na literal na isinasalin bilang “linlangin ang mata.”

Gayunman, hindi nito isinasakripisyo ang mismong katawan; sa halip, ibinabalik ng suit ang atensyon sa body, matagumpay na “inuugnay ang mga artistikong representasyon ng katawan sa fashion bilang isang embodied art form,” ayon kay Bolton. Sa mas malawak na antas, binibigyan nito ng metaporikal na anyo ang panukala ng exhibition tungkol sa “hindi mapaghihiwalay na koneksyon sa pagitan ng ating mga katawan at ng mga damit na isinusuot natin”: kumakawala ang katawan mula sa ilalim ng kasuotan at muling iginuguhit sa ibabaw nito.

Ipinakilala ilang sandali bago umalis si Glenn Martens at tuluyang magsara ang brand, ang suit ay isa lamang sa hanay ng Y/Project FW22 looks na muling bumisita sa mga trompe-l’oeil print ni Jean Paul Gaultier noong ’90s. Ang mga collaborative piece ay tahasang pag-refer sa SS96 ni Gaultier“Pin Up Boys” collection, kung saan katulad na muscular na halftone torsos ang inilagay sa mga button-up (na kilalang sinuot ni Robin Williams).

Itinulak pa ng dalawa ang konsepto noong 2022, nang buong-buo nang inilantad ang parehong male at female naked bodies—genitalia at lahat. At para bang hindi pa iyon sapat, binasag pa ni Duran Lantink, sa SS26 debut niya para kay Jean Paul Gaultier, kung tutuusin, ang “fourth wall” gamit ang isang full-coverage photographic nude print.

Para kay Gaultier, at marahil sa mas batang mga kapanalig niya, nagiging espasyo ang kasuotan para sa provocation at subversion, na umaalingawngaw sa ilusyonistang gawa ng mga Surrealist artist ng ika-20 siglo. Noong 1930s, ang nakakayanig na “Object” ay bumalot sa isang payak na teacup ng marangyang balahibo, at ang melting clocks ni Salvador Dalí ay naglarawan ng matitigas na bagay bilang malapot na masa. Maaaring sabihing ang mga visionary artist na ito at ang kanilang mga kasabayan ang naglatag ng pundasyon para sa pagpasok ng Surrealism sa mundo ng fashion. Gayunman, si Elsa Schiaparelli ay gumagawa na noon ng kaniyang trompe l’oeilBow Knot sweater ilang taon bago pa man natapos ang mga obrang ito.

Maaaring si Gaultier ang ama ng kontemporaryong interpretasyon ng nude trompe l’oeil bilang motif, ngunit tiyak na hindi siya ang unang gumamit ng mas malawak na metodo. Noong 1927, sinimulan ni Elsa Schiaparelli ang paglikha ng iconic na Bow Knot at iba pang kasuotan na may trompe l’oeil na detalye. Lalo pang tumatag ang status ng Italian designer bilang isang “Surrealist” nang makipag-collaborate siya kay Salvador Dalí saLobster Dress noong 1937. Samantala, gumamit naman ang Hermès ng mas pino at understated na approach noong’50s, sa pamamagitan ng mga brushstroke na parang iginuguhit lang ang magiging bulsa, kuwelyo, at mga butones ng kanilang mga damit.

Ang kakaiba sa mas huling pag-unlad ng trabaho ni Gaultier ay ang mismong paglalantad ng kahubdan. Sa halip na ang ilusyon ay nakatutok sa mga katangian ng kasuotan, tuluyang binubura ang subject ng damit at nililinlang ang mata na makita ang kabila nito. Higit pa rito, ang mga katawan na unang ibinunyag nina Gaultier at kalaunan ni Martens para sa Y/Project ay hindi basta kung sinu-sinong body; muscular at hourglass-shaped ang mga ito—sumasalamin sa partikular na mga body image ideal. Sa konteksto ng “Classical Body” at sa pagkakalagay nito katabi ng Diadoumenos marble, inaalala nito kung paanongang ancient Greeks ay nagpuri at nagluwalhati sa hubad na katawan ng tao sa kanilang visual culture, lalo na sa male physique.

Batid ang madalas na ironikong tono ni Gaultier at ng kaniyang mas batang mga kaedad, masasabi mong hindi na sila gaanong interesado sa pagtaguyod ng partikular na body type at mas interesado silang buwagin ang mga ideal na iyon nang buo. Taliwas sa ancient Greek idealism, ang trompe l’oeil nudes ni Duran Lantink para sa Jean Paul Gaultier SS26 ay hindi labis na sexy kundi mas karaniwan. Sa halip na muscular at makinis-ang-ahit na mga katawan, iniharap ni Lantink ang mabalahibo, mas payat na body types na malayang gumagalaw sa pagitan ng male at female models. Kapag tiningnan ang Y/Project suit bilang bahagi ng paikot-ikot na timeline na ito, nagiging isang node lang ang look sa mas malawak na kuwento tungkol sa representasyon ng katawan sa sining at costume.

Ang damit, sa pinakamalawak nitong pakahulugan, ay tunay nanauna pa kaysa mga moderno nating konsepto ng “art,” isang larangang nagsimulang umunlad sa mga unang sibilisasyon nang masaklaw nang natutugunan ang pangunahing pangangailangan sa pagkain, damit, at tirahan. Sa pagtutok ng exhibition ngayong taon sa “Western art from prehistory to the present,” nagkakaroon ang nabibihisang katawan ng samu’t saring kahulugan—mula economic class hanggang gender norms—gayon din ang hubad na katawan.

Bagaman karaniwang tinatanggihan ang kahubdan sa labas ng mga pader ng museo, sa loob, pinapahalagahan ang mga representasyon nito—inuukit sa sinaunang puting marmol sa mga pedestal at ipinipinta nang may hyperreal na dimensionality. Binaligtad ng Jean Paul Gaultier x Y/Project collaboration at ng mas malawak nitong linya ang dinamika: iniahon ang kahubdan mula sa museum context at inilipat ito sa araw-araw.

Hinahamon nito ang parehong mga dumadalo at nanonood na tingnan ang fashion lampas sa panlabas na impresyon, at ilapit sila sa buhay na esensya nito sa katawan.

Kung paanong inilagay ng focus sa Black Dandyism noong nakaraang taon ang men’s tailoring sa spotlight, inaasahang ang 2026 Met Gala ang magtatakda ng tono ng fashion para sa susunod na taon. Di gaya ng mga nagdaang taon, hindi ikinakahon ang exhibition na ito sa isang partikular na kultura o visual sensibility. Hinahamon nito ang mga bisita at tagapanood na tingnan ang fashion lampas sa panlabas na impresyon, at ilapit sila sa buhay na esensya nito sa katawan. Sa ganitong paraan, nagsisilbing literal at metaporikal na ilustrasyon ng tema ang pinagsanib na likha nina Glenn Martens at Jean Paul Gaultier.

Matagal nang inihihiwalay ang fashion mula sa sining, itinuturing itong hindi kasing lalim at mas komersyal kumpara sa mataas na katayuan ng painting at sculpture. Sa pagbubukas ng mga pinto ng bagong Condé M. Nast Galleries—isang dedikadong exhibition space para sa Costume Institute—nakahanda na ang show na gawing realidad ang tema nitong “Fashion Is Art” nang higit pa sa darating na Lunes.