Jana Frost at ang Paglikha ng mga Mundo sa Pamamagitan ng Collage
Para kay Frost, ang collage ang tulay sa pagitan ng authorship at ready-made, muling humuhubog ng kahulugan gamit ang mga umiiral nang imahe.
Jana Frostlumilikha ng mga mundong nakaka-engganyong pasukin at puno ng simbolismo sa pamamagitan ng collage, animation at set design, malayang gumagalaw sa pagitan ng pisikal at digital na espasyo. Ngayon ay naka-base na siya sa London matapos ang maraming taon ng paglipat-lipat, at makikita sa kanyang praktis ang damdamin ng paggalaw at pagiging hindi permanente. Nag-aral siya ng fine art sa Tallinn University sa Estonia, ngunit hindi kailanman tumigil ang kanyang pag-aaral—patuloy itong hinuhubog ng malalim na pananaliksik sa symbolism, pilosopiya at sikolohiya, na siyang bumabalangkas sa masinsing visual narratives na umaagos sa kanyang mga obra.
Orihinal na sinanay sa ceramics at sculpture, unti-unting lumayo si Frost sa mga prosesong mabigat sa materyales dahil naging mahirap panatilihin ang tradisyunal na studio practice sa patuloy na paglipat-lipat. Umusbong ang collage bilang praktikal na solusyon at konseptuwal na tugma. Ang mga prinsipyong sentral sa sculpture—tulad ng komposisyon, balanse at visual na pagkukuwento—ay organikong lumipat sa cut paper, animation at, kalaunan, mga life-size installation. Para kay Frost, ang collage ay umiiral sa pagitan ng authorship at ready-made, muling binubuo ang umiiral na mga imahe sa paraang sumasalamin sa kung paanong ang kahulugan ay walang humpay na muling binubuo at parang ni-reremix sa kontemporaryong visual culture.
Kinumusta namin si Frost tungkol sa umuusbong niyang proseso, sa kanyang world-building na praktis, at sa mga proyektong kasalukuyan niyang binubuo.
Saan ka naka-base, at paano hinubog ng iyong pinagmulan ang iyong trabaho?
Naka-base ako sa London sa ngayon, pero lumilipat-lipat na ako ng lugar sa buong buhay ko. May ilang lugar na buong pasasalamat kong matatawag na tahanan, at ang ganitong fluidity ay natural na nag-translate sa paraan ko ng paglikha at sa dahilan kung bakit naging isa sa pangunahing medium ko ang collage. Nakaugat ang background ko sa fine art, pero palaging nasa pagitan ng tradisyunal na pamamaraan at eksperimento ang aking praktis. Sa paglipas ng panahon, umusbong iyon tungo sa collage, animation, at mga life-size installation sa parehong pisikal at digital na anyo. Hindi ko kailanman naramdaman na “tapos na” ang aking edukasyon. Patuloy na pananaliksik at pagkatuto ang humuhubog sa paraan ko ng pagbuo ng visual narratives at mga mundong binubuo ng maraming patong.
Paano naging sentro ng iyong praktis ang collage?
Ang pormal kong background ay sa ceramics at sculpture, na matagal ko ring pinagpraktisan. Pero dahil sa paulit-ulit na paglipat, ang pagbiyahe ng materyales, pagpapaputok ng mga piraso, at pag-iimbak ng natapos na mga gawa ay naging halos imposibleng panatilihin. Sa panahong iyon, naging mas abot-kamay at praktikal ang collage, at mabilis akong tuluyang nalunod dito. Ang mga ideyang matagal ko nang kinahuhumalingan—tulad ng komposisyon, balanse, at visual na pagkukuwento—ay kusang lumipat at lalo pang tumining sa pamamagitan ng collage.
Ano ang umaakit sa’yo sa collage, sa parehong digital at pisikal na anyo?
Napakarami nang umiiral sa biswal na mundo, at maraming artista ang nagtatrabaho gamit ang mga umiiral na imahe, ideya at reperensiya mula sa iba’t ibang panahon. Ginagawang lantad at nakikita ng collage ang prosesong iyon. Nahuhumaling ako sa paraan kung paanong nakapuwesto ito sa pagitan ng ready-made at authorship—kinukuha ang isang bagay na mayroon na at binibigyan ito ng lubos na ibang kahulugan. Wala akong mahigpit na paborito sa pagitan ng digital at pisikal na collage, pero sa pagdaan ng panahon mas nahila ako sa pisikal na trabaho. Nakaka-overwhelm na ang digital spaces, kaya nagtulak iyon sa akin na magbuo ng mga life-size installation gamit ang aking mga cutout. Ang makita ang mga gawa na umiiral sa totoong espasyo ay nagbibigay ng pakiramdam ng pagkapirmi, kabaligtaran ng isang realidad na dominado ng mga screen.
Paano hinubog ng exhibitions at fashion editorials ang paraan ng pagtingin ng mga tao sa iyong trabaho?
May ilang sandaling mas tumitining kaysa sa iba. Ang mapili ng Campari para lumikha ng gawa para sa ika-100 anibersaryo ng Negroni ay napakahalaga sa propesyonal na antas, lalo na kung isasaalang-alang ang mayamang visual history nila. Sa mas personal na lebel, makabuluhan sa akin na maipakita ang cut-out animation ko sa isang gallery setting sa unang pagkakataon noong nakaraang taon. Pinayagan nitong umandar ang gawa bilang isang kompletong artwork at lumikha ng espasyo para makapag-ugnayan, manood, at magsimula ng mga pag-uusap ang mga tao.
Ang pagtatrabaho sa loob ng fashion editorials ay nagbigay-daan para umiral ang mga gawa ko sa labas ng gallery. Ang fashion ay isang umiikot na image culture na umaabot sa mga audience na maaaring hindi nakakasagupa ng sining sa loob ng white-cube setting. Ang pagbuo ng mga set sa paligid ng aking mga collage ay nagbalik din sa akin sa aking sculptural roots, na nagbigay-laya sa akin na mag-isip sa tatlong dimensyon at mag-eksperimento sa scale, texture at materiality.
Ano ang mga pinagkakaabalahan mo ngayon, at saan mo nakikitang patungo ang iyong praktis?
Kasalukuyan akong nagde-develop ng serye ng maiikling directorial pieces na kinukunan sa 16mm sa loob mismo ng aking mga life-size collage, pinalalawak ang mga mundong ito tungo sa kumikilos at simbolikong mga narrative. Gumagawa rin ako ng mga cut-out animation na pinagsasama ang collage at analogue liquid light show techniques, na ako mismo ang lumikha. Kasabay nito, pinaplano ko ang ilang fashion collaborations na nakatanaw na hanggang 2026. Ang film ay pakiramdam ko ay natural na ekstensiyon ng aking praktis, hindi isang paglayo rito.
Maaaring sundan ng mga tao ang aking trabaho sa social media, at kasalukuyan akong nasa proseso ng paglulunsad ng isang website na magsisilbing mas permanenteng archive ng aking mga proyekto.
