Guide des expositions de l’Armory Art Week 2026 à New York

Les escapades de fin août sont officiellement derrière nous et l’afflux très arty de visiteurs venus d’ailleurs ne veut dire qu’une chose, New York : la saison d’automne est ouverte. L’effervescence autour de l’Armory Show 2026 bat déjà son plein, et les galeries sont prêtes à sortir de la torpeur estivale pour donner le meilleur d’elles-mêmes, dans les foires comme au-delà.

Le circuit des foires d’automne est arrivé un peu plus tard que les années précédentes, repoussé à la fin du mois pour éviter le chevauchement habituel avec la Fashion Week et l’US Open, et laisser souffler Frieze Seoul. Mais septembre est loin d’avoir été de tout repos.

Une remarquable série d’ouvertures de galeries et de grandes expositions muséales s’est déjà installée à l’approche des cinq principaux rendez-vous — The Armory, Independent 20th Century, SPRING/BREAK, U-Haul Art Fair et la Printed Matter Book Fair — tandis que quelques poids lourds attendent encore leur heure. Nous avons sillonné la ville pour sélectionner neuf expositions à ne pas manquer et, contrairement aux foires, elles se prolongeront bien au-delà du mois prochain. Marchez, ne courez pas.

KNOTTING, TYING, FOLDING de Lynda Benglis chez Pace Gallery

Guide des expositions de l’Armory Art Week 2026 à New York : œuvres d’art

Avec la Fashion Week en tête, un détour par les œuvres murales de Lynda Benglis s’impose. Après tout, ce sont des œuvres telles que « Toyopet Crown » (1989) et « Vega » (1982) qui ont inspiré les débuts de Jonathan Anderson pour la haute couture Dior en janvier, lorsque des interprétations vestimentaires des plis métalliques de l’artiste ont défilé sur le podium.

Lynda Benglis cultive cet esprit ludique et intrépide depuis les années 1960, lorsqu’elle a émergé aux côtés du postminimalisme grâce à ses peintures à la cire. Elle a troqué les palettes sourdes contre des couleurs vives et des surfaces viscérales. L’exposition en cours à Pace Gallery, à Chelsea, réunit une constellation de sculptures créées au fil des cinq dernières décennies, qui met en lumière son inlassable curiosité pour l’expérimentation des matériaux. De « Sparkle Knot IV » (1972), l’une de ses premières œuvres, à « Elephant Necklace » (2017), plus récente, c’est une véritable leçon sur ce qu’elle appelle les « extrêmes de la coloration et de la texture ».

À voir jusqu’au 24 octobre.

Pace Gallery
540 W 25th St,
New York, NY 10001

Agita de Joseph Yaeger chez Gladstone Gallery

Regarder une peinture de Joseph Yaeger, c’est comme entrer dans un film en cours de route. Anonymisés et recadrés, les sujets sont éloignés de leur point d’origine. Pourtant, on continue d’éprouver de l’empathie pour leur détresse, saisissante et souvent étouffée. C’est ce qui nous retient.

Agita présente un nouvel ensemble d’œuvres du peintre acclamé, connu pour aborder ses pièces à travers les notions d’intimité et de désir. Des aquarelles sur toile enduite de gesso se dévoilent avec luminosité, quoique dans des tonalités veloutées et assourdies. La tension ne vient pas de ce qui reste silencieux, mais de ce qui est réduit au silence, telle une mémoire si bien refoulée qu’elle devient presque inaccessible.

À voir jusqu’au 31 octobre.

Gladstone Gallery
515 W 24th St,
New York, NY 10011

Landmarks d’Alix Vernet chez Chapter NY

Dans les sculptures de serpentins de condenseur d’Alix Vernet, une archive du langage — extraite d’enseignes, de bribes de conversations surprises et de monuments — est envisagée comme une force purificatrice. Prélevées sur des climatiseurs, des ailettes d’aluminium brossées se transforment en mots tracés avec luxuriance ; l’artiste porte ainsi un regard critique sur des éléments discrets des infrastructures industrielles, ces autorités de l’air et du confort.

Ces œuvres sont nées du temps que l’artiste a passé à mouler des façades et des lettres, perchée sur des escaliers de secours. Elle s’est intéressée à l’arrière des climatiseurs, où s’accumulent poussière, humidité, oxydation, traces d’entretien et années d’exposition — autant d’éléments qui consignent la vie de la ville.

Ces pièces de machine, non seulement négligées mais aussi destinées à rester invisibles, s’achèvent sur des mots aussi tendres que « baby » ou « boy ». Les éléments fondamentaux des écosystèmes urbains prennent alors un caractère plus fragile. Il devient difficile de distinguer les dommages volontaires des dommages accidentels. Sans avoir besoin de l’énoncer aussi littéralement, les sculptures portent la tension liée à la hausse des températures et aux politiques climatiques.

À voir jusqu’au 17 octobre.

Chapter NY
60 Walker St,
New York, NY 10013

I Am Tony d’Arthur Jafa au New Museum

L’une des expositions muséales que nous attendions le plus, l’occupation du New Museum par Arthur Jafa n’a pas déçu. C’est la première à « embrasser toute l’étendue de sa pratique », selon le musée : plus de trois décennies de peintures, d’installations vidéo et filmiques monumentales, de sculptures et d’objets d’archives y sont présentées, autour de ses œuvres les plus célébrées, Love is the Message, The Message is Death (2016) et The White Album (2018), bien sûr.

Tout au long de sa carrière, Jafa a exploré les multiples facettes de l’existence des Noirs américains. Qu’il s’appuie sur la musique, les classiques du cinéma, les personnages de bande dessinée ou même les TikToks, son œuvre pose un regard sans concession sur l’histoire troublante d’un pays comme sur notre obsession contemporaine pour le « contenu », nous invitant à y faire face et à l’assimiler, bien après avoir franchi les portes du musée.

À voir jusqu’au 3 janvier 2027.

New Museum
235 Bowery,
New York, NY 10002

Recent Works d’Asher Liftin chez 125 Newbury

Depuis l’angle de Canal et Walker, en regardant à l’intérieur de 125 Newbury, les œuvres d’Asher Liftin semblent être des photographies pointillistes. Des instantanés granuleux de passants dans des reflets de vitrines, un bouquet de fleurs et une harde de trains en mouvement. De près, les points et les lignes coulent et tremblent, parfois à deux doigts d’éclater, révélant un travail de la main minutieux.

Une œuvre de Liftin est toujours immédiatement reconnaissable. Diplômé de Yale University en art et en sciences cognitives, l’artiste manifeste dans chacun de ses dessins et peintures un même attachement à la fabrication et au traitement de l’image — un véritable trompe-l’œil. Cet ensemble d’œuvres, récentes comme son titre l’indique, ne se contente pas de mettre en lumière des instants du quotidien : il leur accorde une attention précieuse. Chacune mérite bien dix minutes de contemplation.

À voir jusqu’au 31 octobre.

125 Newbury
395 Broadway,
New York, NY 10013

Father Country, I Do Love You de Taryn Simon au Solomon R. Guggenheim Museum

Pour reprendre les mots du père de Taryn Simon : « L’Amérique est la plus belle histoire sur Terre, à condition de trouver quelqu’un pour la raconter. » Et en pleine commémoration quelque peu désordonnée du deux cent cinquantième anniversaire du pays, quel meilleur moment pour Father Country, I Do Love You ?

Simon retrace la vie d’un agent fédéral anonyme. Divisée en 42 chapitres, chacun associé à une couleur distincte, elle recourt à la photographie, à l’installation, à la sculpture et à la vidéo pour réveiller les théories du complot et plonger tête baissée dans les recoins étranges de la vie américaine, suivant cet agent à travers la dévotion, la violence et la perte. Si son travail est très conceptuel, il n’est pas abstrait : chaque œuvre prend naissance dans une personne, un témoignage ou un moment historique très précis, détaillé dans les textes muraux.

À l’exception de « Kleroterion » (2024), toutes les œuvres sont nouvelles. L’exposition est également profondément personnelle. Dédiée à son père, ancien employé du gouvernement devenu vendeur de flippers, elle est construite à l’image de son combat contre la maladie d’Alzheimer. La plus grande pièce est d’ailleurs un parcours de billard qui serpente sur toute la hauteur de la rotonde.

À voir jusqu’au 14 mars 2027.

Solomon R. Guggenheim Museum
1071 5th Ave,
New York, NY 10128

Voices in the Mirror de Gordon Parks chez Jack Shainman Gallery

Gordon Parks est l’un des plus grands photographes américains. Son art continue de façonner notre manière de parler de l’histoire en donnant la priorité aux mondes intérieurs de celles et ceux qui l’ont vécue. « J’ai compris que l’appareil photo pouvait être une arme contre la pauvreté, contre le racisme, contre toutes sortes d’injustices sociales », disait-il un jour. « J’ai su à ce moment-là qu’il m’en fallait un. »

La fondation qui porte le nom de l’artiste célèbre son 20e anniversaire avec une exposition monumentale dans l’antenne de Jack Shainman à Tribeca, où sont présentées 65 de ses images les plus emblématiques. Donnant le ton avec les saisissants portraits de Muhammad Ali par Parks, publiés dans Life dans une série intitulée « The Redemption of the Champion », l’exposition saisit la lutte durable pour l’égalité et la beauté de la vie des Noirs américains, notamment dans le Sud, tout en l’émaillant de contributions de ses sujets, d’Ava DuVernay, de Thelma Golden et de bien d’autres.

À voir jusqu’au 6 novembre.

Jack Shainman
46 Lafayette St,
New York, NY 10013

Rubberneckers d’Eddie R. Aparicio chez Jeffrey Deitch

Le rubbernecking désigne le ralentissement sur autoroute provoqué par les automobilistes qui regardent un accident sur la voie opposée. Eddie R. Aparicio, originaire de Los Angeles, y voit une métaphore de notre rapport aux catastrophes, le plus souvent observées à travers la protection d’une vitre.

La nouvelle exposition d’Aparicio chez Jeffrey Deitch apporte une tranche de Los Angeles à New York, et met notamment en lumière les injustices liées à ses infrastructures. À travers de nouvelles œuvres cousues à la main, des moulages d’hévéas, des sculptures en ambre et des peintures, toutes créées au lendemain des incendies qui ont frappé la ville, l’artiste se tourne vers les arbres, les systèmes urbains, les souvenirs personnels et les formes totémiques pour préserver les traces de celles et ceux qui l’ont précédé.

Au centre se dresse « Muñecas de transmisión », sa commande de 2024 pour Prospect.6. Des poupées vêtues de vêtements familiaux composent des pylônes de transport d’électricité. Elles étaient initialement disposées à l’image de North Hollywood, mais il est désormais impossible de ne pas penser aux pylônes désaffectés qui ont été à l’origine des incendies d’Eaton.

À voir jusqu’au 31 octobre.

Jeffrey Deitch
18 Wooster St,
New York, NY 10013

The Anatomy of Every Setting Sun de Lee Bul chez Hauser & Wirth

Terminons chez Hauser & Wirth, à Chelsea, qui fait aussi office de rampe de lancement vers l’univers de science-fiction de Lee Bul. L’immense zeppelin argenté, « Willing To Be Vulnerable—Metalized Balloon » (2015–2016/2020), en est la monture. L’artiste sud-coréenne s’est d’abord fait connaître dans les années 1990 avec ses cyborgs et consacre depuis des décennies son travail aux tensions entre utopie et dystopie, technologie et fragilité de l’ambition humaine.

Pour sa première exposition avec cette méga-galerie depuis qu’elle l’a rejointe l’an dernier, l’artiste dévoile de nouvelles œuvres issues de trois de ses séries en cours : Untitled (Willing To Be Vulnerable – Velvet), Perdu, et CTCS. Sur de riches velours, des scènes de fuite hors de paysages apocalyptiques explosifs sont dessinées à la nacre. Dans la galerie d’entrée, des sculptures de cyborgs en acier inoxydable de plus de deux mètres occupent l’espace, les ailes — ou les membres segmentés brisés — déployées. Explorant la décomposition et le contrôle, cette nouvelle exposition offre une vision de l’humanité cherchant à déjouer la nature. Son avenir autrefois lointain semble soudain dangereusement proche.

À voir jusqu’au 24 octobre.

Hauser & Wirth
542 W 22nd St,
New York, NY 10011

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