InScopes Hayley Smith darüber, was Galerien immer wieder falsch machen

Jahrzehntelang galt die Vertretung durch eine Galerie als eines der deutlichsten Zeichen dafür, dass man es als Künstler geschafft hatte. Galerien boten Zugang zu Sammlern, Institutionen und Kuratoren, während Künstler weitgehend auf sie angewiesen waren, um Sichtbarkeit aufzubauen, Märkte zu etablieren und ihre Karrieren aufrechtzuerhalten. Doch diese Gleichung ändert sich gerade.

Heute können Kunstschaffende ein globales Publikum aufbauen, ihre Werke direkt verkaufen, eigene Ausstellungen organisieren und Communitys bilden, ohne auf traditionelle Gatekeeper warten zu müssen. Für Hayley River Smith, Direktorin der InScope (ehemals Scope Art Show), bedeutet dieser Wandel jedoch nicht, dass Galerien obsolet werden. Es bedeutet vielmehr, dass sich die Beziehung zwischen Kunstwelt und Galerien weiterentwickeln muss.

In der neuesten Ausgabe von Hypearts „State of Art“ spricht Smith darüber, wie sinnvolle Repräsentation im Jahr 2026 aussieht, ob die klassische 50/50-Aufteilung noch zeitgemäß ist und warum Glaube, Vertrauen und aufrichtiges Engagement letztlich wichtiger sein könnten als die bloße Vertretung an sich.

Courtesy Of Hayley River Smith And Inscope

„Die Menschen sehnen sich heute nach einer echten Verbindung, die über das rein Geschäftliche hinausgeht.“

Brauchen Künstler heute noch Galerien? Warum, oder warum nicht?

Für mich stellt sich nicht die Frage, ob Künstler überhaupt noch Galerien brauchen, sondern vielmehr, wie diese Beziehung aussehen soll. Wir haben lange Zeit akribisch das Vorhersehbare beklatscht. Wir wissen, was eine Galerie zu tun hat, was ein Künstler tun soll, wie eine Messe auszusehen hat und wie sich Erfolg definiert. Inzwischen sind wir an einem Punkt angelangt, an dem wir das bisherige Modell zähneknirschend betrachten, während wir alle weiterhin an diesem ewig Gleichen festhalten.

Es gibt heute mehr Möglichkeiten denn je für Künstler, sich ein Publikum aufzubauen und Werke direkt zu verkaufen – doch das bedeutet nicht, dass Beziehungen an Bedeutung verlieren. Genau das Gegenteil ist der Fall.

Die Menschen sehnen sich heute nach einer echten Verbindung, die über das rein Geschäftliche hinausgeht. Die beste Galeriebeziehung kann genau das bieten: jemanden, der den Künstler kennt, die Arbeit versteht, ein Risiko eingeht und ein echtes Interesse daran hat, wohin sich die Praxis entwickeln könnte, anstatt nur darauf zu schauen, was in dieser Saison verkäuflich ist. Künstler brauchen nach wie vor Menschen, die an ihre Kunst glauben und bereit sind, gemeinsam etwas aufzubauen. Manchmal ist das eine Galerie, manchmal eben nicht.

Was kann eine Galerie einem Künstler heute noch bieten, was er sich nicht auch selbst aufbauen könnte?

Beziehungen und der Glaube an die Kunst sind die beiden wichtigsten Faktoren. Ein Künstler kann sich online ein Publikum aufbauen, Werke direkt verkaufen, eigene Ausstellungen auf die Beine stellen und ohne traditionelle Vermittler mit Sammlern kommunizieren. Der Aufbau tiefer, langfristiger Beziehungen zu Sammlern, Museen, Kuratoren, Institutionen und anderen Kunstschaffenden braucht jedoch Zeit.

Der Wert einer Galerie liegt darin, jemanden an seiner Seite zu haben. Jemanden, der bereit ist zu sagen: „Ich glaube, das ist wichtig“, noch bevor der Markt dies unbedingt bestätigt hat. Und das ist etwas völlig anderes, als nur den Zugang zu Käufern zu vermitteln.

Hat Social Media das Machtgefüge zwischen Kunstwelt und Galerien verändert?

Soziale Netzwerke haben Künstlern enorm viel Macht zurückgegeben, bieten gleichzeitig aber auch den Galerien mehr kreative Werkzeuge als je zuvor, um ihre Talente zu fördern. Die Kunstschaffenden haben sich ein großes Maß an Kontrolle darüber zurückerobert, wie sie sich präsentieren, ihre eigenen Geschichten erzählen und ihr Publikum erreichen. Sammler entdecken Künstler zunehmend direkt über Social Media und wenden sich dann an Galerien und Messen, um die Werke besser zu verstehen, einzuordnen oder prüfen zu lassen. Dies ist eine entscheidende Abkehr von dem Modell, in dem Galerien oft das primäre Tor zwischen Künstler und Publikum waren.

Doch Social Media hat noch eine weitere interessante Erkenntnis zutage gefördert: Zugang ist nicht gleichbedeutend mit Verbindung. Millionen von Menschen können sich ein Kunstwerk ansehen, ohne dass eine bedeutungsvolle Beziehung zu der Person entsteht, die es sammelt.

Wir erleben gerade eine Zeit, in der jeder mehr Zugang hat, aber gleichzeitig erkennen wir, wie wertvoll echte menschliche Beziehungen und Vertrauen sind. Social Media ermöglicht zwar Neuentdeckungen, ersetzt aber nicht die verlässlichen Beziehungen, die persönliche Fürsprache und das langfristige Engagement, die für den Aufbau einer nachhaltigen Karriere unerlässlich sind.

Das macht Galerien keineswegs überflüssig, nimmt sie aber stärker in die Pflicht. Wenn ein Künstler unabhängig Sichtbarkeit und Reichweite aufbauen kann, müssen Galerien noch klarer herausstellen, was genau sie in die Beziehung einbringen und wie sie den Künstler fördern, anstatt nur von dem Publikum zu profitieren, das dieser sich bereits selbst aufgebaut hat.

Courtesy Of Hayley River Smith And Inscope

„Es geht weniger darum, Künstler in eine bestehende Struktur zu pressen, sondern vielmehr um die Frage, welche Struktur den Künstler und seine Arbeit am besten unterstützen kann.“

Kann man sich als Künstler außerhalb des klassischen Galeriesystems eine ernsthafte, langfristige Karriere aufbauen?

Ja. Es gibt heute mehr Wege als je zuvor. Daraus sollte man jedoch nicht den Schluss ziehen, dass wir Institutionen oder Galerien nicht mehr brauchen. Es bedeutet lediglich, dass diese Räume nicht mehr die einzige Einstiegsmöglichkeit sind.

Viele Phänomene, die wie isolierte Krisen wirken – das Galeriemodell, der Direktverkauf, Social Media und vieles mehr –, hängen miteinander zusammen. Sie sind Zeichen dafür, dass sich die Art und Weise, wie die Menschen an der Kunstwelt teilhaben wollen, weiterentwickelt, und das ist großartig. Wir müssen aufhören so zu tun, als befänden wir uns noch in der Kunstbranche des Jahres 2005. Als eine Branche voller kreativer Köpfe müssen wir alle sehr viel kreativer über die Geschäfts- und Vertriebsmodelle für 2026 und darüber hinaus nachdenken.

Die eigentliche Chance besteht darin, neue Strukturen rund um diese Realität aufzubauen, anstatt krampfhaft die alten bewahren zu wollen. Ich freue mich aufrichtig darüber, wie Künstler in dieser sich stetig wandelnden Landschaft ihre eigenen Wege gehen. Daraus können wir viel lernen. Die Art und Weise, wie wir mit Künstlern zusammenarbeiten, sollte sich im gleichen Maße weiterentwickeln. Es geht weniger darum, Künstler in eine bestehende Struktur zu pressen, sondern vielmehr um die Frage, welche Struktur den Künstler und seine Arbeit am besten unterstützen kann.

Welches Signal sendet die Vertretung durch eine Galerie heute noch an Sammler, Museen und Institutionen?

Sie kann signalisieren, dass die Arbeit eines Künstlers professionell strukturiert ist, aber dieses Signal verliert zunehmend an Verbindlichkeit.

Früher war die Repräsentation durch eine Galerie eines der deutlichsten Zeichen für Legitimität. Heute gibt es für Künstler viele Möglichkeiten, ihre Seriosität unter Beweis zu stellen: institutionelle Ausstellungen, Residencies, unabhängige Projekte, aufgebaute Communitys, etablierte Kontakte zu Sammlern, Kollaborationen und natürlich die Kunstwerke selbst.
Letztlich verlagert sich die Frage von „Wer vertritt diesen Künstler?“ hin zu „Wer glaubt an diesen Künstler, und warum?“

Wenn Künstler direkt an Sammler verkaufen können, warum lohnt es sich dann überhaupt noch, einer Galerie 50 % abzugeben?

Wenn ein Künstler 50 % seiner Einnahmen abgibt, muss dem ein substanzieller Mehrwert gegenüberstehen. Das können Netzwerke, Fürsprache, Ausstellungen, institutionelle Platzierungen, Produktion, Logistik, Markterschließung und vor allem langfristige Investitionen sein.

Das 50/50-Modell kann in seiner jetzigen Form nicht fortbestehen. Künstler haben durch Social Media, den direkten Zugang zu Publikum und Sammlern sowie durch die Communitys, die sie rund um ihre Kunst aufbauen, mehr Macht denn je. Zudem investieren sie auch zunehmend in sich selbst.
Wenn die Beziehung rein geschäftlicher Natur ist, lassen sich 50 % immer schwerer rechtfertigen. Wenn ein Künstler das Publikum, die Community, die kulturelle Relevanz und erhebliche Investitionen in die eigene Arbeit mitbringt, dann muss die Galerie klar benennen können, was sie als Gegenleistung erbringt.

Doch es gibt noch einen anderen Wert, der sich schwerer beziffern lässt: gemeinsam mit jemandem Teil von etwas zu sein. Wenn die Beziehung wirklich partnerschaftlich ist und die Galerie dabei hilft, etwas aufzubauen, das keine der beiden Seiten allein so gut umsetzen könnte, sieht die Sache schon anders aus. Es braucht einfach die Zusammenarbeit mit den richtigen Leuten, damit sich diese Aufteilung wirklich lohnt.

Künstler investieren naturgemäß in ihre Kunst und in den Aufbau ihrer Karriere. Auch die Galerien müssen ihren Beitrag leisten. Wir steuern auf eine Zeit zu, in der Kunstschaffende viel eher hinterfragen werden, ob die traditionelle Aufteilung noch den tatsächlichen Wert widerspiegelt, der von beiden Seiten geschaffen wird. Das ist eine Diskussion, die die Branche führen sollte und die wir dieses Jahr auf der InScope definitiv führen werden.

Courtesy Of Hayley River Smith And Inscope

„Schaffen wir neue Möglichkeiten, stellen wir neue Kontakte her, gehen wir Risiken ein und erweitern wir tatsächlich die Welt des Künstlers?“

Sind Galerien noch darauf ausgerichtet, Künstler langfristig zu fördern, oder ist die Beziehung eher zu einem reinen Geschäft geworden?

Natürlich gibt es rein geschäftliche Beziehungen, aber das ist nicht das ganze Bild. Das wachsende Unbehagen gegenüber dieser Art von Beziehungen ist einer der Treiber des Wandels. Ein Geschäftsabschluss kann zwar einen Verkauf einbringen. Eine echte Karriere lässt sich damit jedoch nicht zwingend aufbauen.

Wir müssen auch so ehrlich sein und anerkennen, dass Galerien sich manchmal stark auf die Communitys und Netzwerke stützen, die Künstler bereits aufgebaut haben, ohne im Gegenzug in gleichem Maße in diese Talente zu investieren. Ein Künstler bringt seine Sammler, sein Umfeld, seine kulturelle Glaubwürdigkeit und sein Publikum mit – und plötzlich wird diese Community zum Teil des Geschäftsmodells der Galerie. Aber investieren wir im Gegenzug auch in diese Community? Schaffen wir neue Möglichkeiten, stellen wir neue Kontakte her, gehen wir Risiken ein und erweitern wir tatsächlich die Welt des Künstlers?

An diesem Punkt kann die Beziehung sehr schnell rein transaktional werden. Die Menschen in der Kunstwelt suchen nach tiefergehenden Beziehungen, denn wer sich nur auf reine Geschäftsabschlüsse verlässt, schafft keine Beständigkeit. Es gibt eine Sehnsucht nach etwas mehr Risiko, Neugierde und Menschlichkeit.
Hier bietet sich den Galerien eine enorme Chance. Diejenigen, die verstehen, dass die Community eines Künstlers nicht nur eine Ressource ist, die es abzuschöpfen gilt, sondern etwas, in das man aufrichtig investieren sollte, werden diejenigen sein, die wirklich dauerhafte Beziehungen aufbauen.

Wenn Sie heute eine aufstrebende Künstlerin wären, wäre die Vertretung durch eine Galerie dann immer noch eines Ihrer Hauptziele?

Mein oberstes Ziel wäre es, eine ausdrucksstarke Kunstpraxis und eine echte Community aufzubauen. Erst danach würde ich mir die Menschen suchen – ob Galerie, Kurator, Sammler, Institution oder andere Künstler –, die wirklich den Wunsch haben, gemeinsam mit mir etwas zu erschaffen.

Aufstrebende Kunstschaffende haben heute einen unglaublichen Vorteil. Sie müssen nicht mehr auf Erlaubnis warten, um loszulegen. Und genau das ist der größte Wandel, den wir derzeit beobachten. Die Frage lautet nicht mehr einfach: „Wie komme ich ins System rein?“, sondern vielmehr: „An welcher Art von System möchte ich eigentlich teilhaben?“