Anne-Laure Lemaitre will, dass Kunst mehr Raum einnimmt

Anne-Laure Lemaitre beschäftigt sich schon lange mit der Frage, was geschieht, wenn Kunst mehr Raum zur Entfaltung bekommt.

Die in New York lebende Kuratorin ist auf großformatige ortsspezifische Projekte spezialisiert. Ihre Zeit teilt sie zwischen der Beratung unterschiedlichster Auftraggeber, darunter Fortune-500-Unternehmen, und der Leitung kuratorischer Programme, die sich auf aufstrebende Künstler:innen konzentrieren. Architektur versteht sie dabei nicht bloß als Kulisse: In ihrer Arbeit geht es oft darum, wie ein Kunstwerk auf den umgebenden Raum reagieren, ihn einnehmen und verwandeln kann.

Umso naheliegender, dass zwei der Ausstellungen, die sie in diesem Jahr besonders beschäftigt haben, weit jenseits des klassischen Galeriemodells stattfanden. Eine entfaltete sich in einem leerstehenden Büro in Brooklyn, die andere bespielte sechs Etagen eines Gebäudes in Jersey City. Für Lemaitre lag ihr Reiz nicht allein in ihrer Größe, sondern vor allem in dem Anspruch dahinter: unabhängige kuratorische Projekte, die wenig genutzte Räume für etwas Konsequentes, Unerwartetes und Lebendiges nutzen.

Diese Vorliebe für Arbeiten, die vertraute Formate sprengen, prägt auch ihren Blick auf die Kunstwelt im Jahr 2026. Sie sieht eine Branche im Umbruch – aber auch eine, in der Künstler:innen und Organisator:innen neue Formen des Arbeitens, Zusammenkommens und der Ansprache ihres Publikums erproben.

Für die aktuelle Ausgabe von State of Art spricht Lemaitre über die Ausstellungen, die ihr nicht aus dem Kopf gehen, über Lesley-Anne Caos eindringliches „Amphibian Palm“, über die Künstler:innen, die sie gern zum Dinner einladen würde – und darüber, warum sie der Kunstwelt die Note „B minus“ gibt.

‘wework (oralmoral),’ The Gallery, Brooklyn, 2026. Courtesy The Gallery. Photo: Anna K.e.

‘wework (oralmoral),’ The Gallery, Brooklyn, 2026. Courtesy The Gallery. Photo: Anna K.e.

‘wework (oralmoral),’ The Gallery, Brooklyn, 2026. Courtesy The Gallery. Photo: Anna K.e.

‘wework (oralmoral),’ The Gallery, Brooklyn, 2026. Courtesy The Gallery. Photo: Anna K.e.

‘wework (oralmoral),’ The Gallery, Brooklyn, 2026. Courtesy The Gallery. Photo: Anna K.e.

Welche Ausstellung aus der ersten Jahreshälfte geht Ihnen einfach nicht mehr aus dem Kopf?

Da gibt es einige, aber ich nenne zwei. Sie sind sehr unterschiedlich, beruhen jedoch auf einem ähnlichen Prinzip.

Die erste wäre The Gallery’s WeWork (oralmoral), eine sich stetig wandelnde Gruppenausstellung, die Florian Meisenberg in einem leerstehenden Büro in Brooklyn zusammengestellt hat. Gezeigt wurden ortsspezifisch entwickelte Arbeiten von zahlreichen Künstler:innen, die ich sehr schätze und liebe, darunter Cato Ouyang, Craig Jun Lee, Kyle Clairmont Jacques, Shaina Tabak, Brian Oakes, Anna K.E., Fin Simonetti und Pol Morton. Zugleich bot das Projekt Künstler:innen täglich kostenlos Arbeitsplätze zum Co-Working sowie ein umfangreiches, fundiertes und pointiertes Programm vor Ort.

Die zweite ist Six Artists. Six Floors. Six Solo Exhibitions., ein Projekt von Gladwell Projects, das sechs Etagen eines Gebäudes in Jersey City mit Einzelausstellungen von Chunghee Yunm, Vamba Bility, Lisu Vega, Trevor Warren, Purvai Rai und der zu meinen persönlichen Favoritinnen zählenden Chiffon Thomas bespielte. Die Qualität der Schau stand der großer Institutionen in nichts nach. Ich bin sehr beeindruckt von dem, was Christina Ine-Kimba Boyle im Alleingang organisiert hat.

Ausmaß und Dimension beider Projekte waren überaus beeindruckend. Beide nutzten leerstehende Räume für anspruchsvolle kuratorische Vorhaben mit Biss und Vision – und beide wirkten erstaunlich frisch in einer Kunstwelt, die offenbar alle in der Krise sehen.

Gab es in diesem Jahr ein Kunstwerk, das Sie wirklich etwas hat fühlen lassen – oder wirkte bisher alles eher etwas flach?

Ich würde sagen, „Amphibian Palm“ von Lesley-Anne Cao hat mich definitiv berührt. Die Arbeit zeigt eine Reihe von „Büchern“ in Wassertanks, deren Seiten sich unter Wasser zufällig umblättern.

Es ist ein visuell eindringliches, beinahe unheimliches Werk, das zahlreiche Gedanken zu Zugänglichkeit, Wissen, Voreingenommenheit und Präsenz aufruft. Es ist sehr konzeptuell und zugleich hypnotisierend und emotional. Lesley-Anne ist genau die Art von Künstlerin, die mich die Kunst immer wieder neu lieben lässt.

Zum ersten Mal habe ich eine Version der Arbeit auf einer Messe auf den Philippinen gesehen; eine weitere Iteration zeigte ich Anfang dieses Sommers in Mexiko-Stadt bei THIRD BORN.

‘amphibian Palm’ by Lesley Anne Cao, Images Courtesy Of Third Born Photo by Asistenciaartistica

‘amphibian Palm’ by Lesley Anne Cao, Images Courtesy Of Third Born Photo by Asistenciaartistica

‘amphibian Palm’ by Lesley Anne Cao, Images Courtesy Of Third Born Photo by Asistenciaartistica

‘amphibian Palm’ by Lesley Anne Cao, Images Courtesy Of Third Born Photo by Asistenciaartistica

„Ich würde mir mehr konkrete, direkte Unterstützung für Vorhaben wünschen – ob von Künstler:innen initiiert oder nicht –, die in unserem gegenwärtigen, größeren Kontext neue Wege finden, um zu existieren und mit ihrem Publikum in Kontakt zu treten.“

Welche Ausstellung steht für den Rest des Jahres in Ihrem Kalender – und warum?

Wenn es darum geht, was ich sehen möchte und warum, plane ich meist nicht allzu weit im Voraus. Ich bin da eher impulsiv und plane von Fall zu Fall.

Wenn Sie der Kunstwelt im Jahr 2026 jetzt ein Zeugnis ausstellen müssten: Welche Note bekäme sie – und warum?

Wahrscheinlich ein B minus. Ich sehe so viele Nachahmungen, deren Entwicklung ich mit Spannung verfolge. Zugleich verstehe ich, dass wir uns in einer Übergangsphase befinden, die mit einigen Wachstumsschmerzen und viel Verwirrung einhergeht.

Welche Entwicklung in der Kunstszene würden Sie gern verschwinden sehen – und von welcher würden Sie gern mehr sehen?

Ich würde mir wünschen, dass Kommentare und Analysen über den Zustand der Kunstwelt, ihre Veränderungen und deren mögliche Bedeutung die Gespräche über Kunst insgesamt weniger dominieren.

Stattdessen würde ich gern mehr konkrete, direkte Unterstützung für Vorhaben sehen – ob von Künstler:innen initiiert oder nicht –, die in unserem gegenwärtigen, größeren Kontext neue Wege finden, um zu existieren und mit ihrem Publikum in Kontakt zu treten.

Wenn Sie die Kunstwelt derzeit in genau drei Worten zusammenfassen müssten: Welche wären das?

Im Wandel. Aufregend. Herausfordernd.

Wenn Sie heute Abend mit einem beliebigen Künstler oder einer beliebigen Künstlerin – lebend oder tot – etwas trinken oder essen gehen könnten: Wer wäre es, und was würden Sie als Erstes fragen?

Das ändert sich irgendwie jeden Tag. Letzte Woche hätte ich Öyvind Fahlström genannt und ihn gefragt, wie er politische Kritik und Subversion in seine Praxis einfließen ließ.

Davor hätten es Derek Jarman, Ana Mendieta, Artemisia Gentileschi, Hélio Oiticica, Nam June Paik oder so viele andere sein können.

Bei den lebenden Künstler:innen wären es David Hammons, Rossella Biscotti, Emeka Ogboh oder, vielleicht heute, Francis Alÿs. Ihn würde ich fragen, wie es ihm immer wieder auf so magische Weise gelingt, mit einfachen Gesten so kraftvolle Räume für Aufmerksamkeit und Emotion zu schaffen.