Wir leben in einer Welt, in der jeder Reiz, jeder Datenpunkt, in derselben unerbittlichen High Definition auf uns einprasselt. Hetzt man allem hinterher, was der Algorithmus einem vorsetzt, bleibt kein Raum mehr, um nach innen zu schauen. Genau aus dieser Spannung heraus setzt SAN SAN Gears Spring/Summer-2027-Kollektion an. Während alle anderen dem immer schärferen Bild hinterherjagen, macht das Label aus Seoul das Gegenteil: Es widmet diese Saison dem Titel „Soft Focus“ – eine Studie darüber, das Bild ganz bewusst unscharf werden zu lassen.

Seit dem Start in einem kleinen Studio in Seoul im Jahr 2019 hat SAN SAN Gear nach Paris, Tokyo und London expandiert, ohne sich jedem Trend zu beugen – das Label schärft seinen Blick auf die Welt über Kleidung statt über angesagte Schnitte oder Prints, ein Ansatz, der international überzeugt. In seinem eigenen Showroom während der Paris Fashion Week präsentierte die Marke die neue Saison mit umgedrehten Stoffdetails und analogen Automata-Skulpturen, die im gesamten Raum platziert waren. Wir haben mit Director Lee Sang-yeop gesprochen, der Hype für nebensächlich hält und jede Saison behandelt, als wäre sie die erste.

Sie haben 2019 in einem kleinen Studio in Seoul angefangen und zeigen seit Januar 2024 jede Saison eine Kollektion in Paris. Jetzt stehen Sie internationalen Buyer:innen und Medien gegenüber – wie fühlt sich das an?
Als wir 2019 angefangen haben, gab es keinen großen Masterplan – die einzige echte Frage war, wie wir es in die nächste Saison schaffen. Wir haben einfach weiter Kleidung gemacht, an die wir geglaubt haben, und sie in die Welt hinausgeschickt – und irgendwie hat uns genau das hierhergebracht. Ich komme jede Saison nach Paris, aber ehrlich gesagt: Es fühlt sich nie vertraut an. Das ist ein Ort, an dem Marken aus aller Welt nach denselben Maßstäben beurteilt werden; Spektakel oder Buzz allein tragen dich hier nicht lange. Am Ende bleiben nur die Kleidung selbst und die tatsächliche Eigenständigkeit einer Marke. Paris ist für mich deshalb kein Ort zum Feiern, sondern ein kühler, klarer Test, ob die Sensibilität, die wir Saison für Saison in Seoul aufgebaut haben, auch über Sprachen und Grenzen hinweg trägt. Ich spüre, dass jede Saison mehr Menschen verstehen, was wir tun, was natürlich erleichternd ist – aber ich versuche, mich davon nicht mitreißen zu lassen. Jede Saison fühlt sich für mich immer noch wie ein erster Schritt an, und ich glaube, in dem Moment, in dem wir diese Schärfe verlieren, beginnt auch SAN SAN Gears Identität zu verschwimmen.

Sie sind in Stores wie GR8 in Japan und GOODHOOD in Großbritannien gelistet. Was, glauben Sie, finden internationale Buyer:innen an SAN SAN Gear so frisch, das die heimischen Fans schon längst schätzen?
Buyer:innen sagen mir immer wieder dasselbe: Die Pieces sind funktional, ohne kühl zu wirken, und sie sind Street, ohne beliebig zu sein. Ehrlich gesagt glaube ich nicht, dass Graphic-Tees oder Hoodie-Silhouetten definieren, was eine Street-Brand ist. „Street“ hat für mich weniger mit der Form der Kleidung zu tun als mit einer eigenen Art, auf die Welt zu schauen. Statt einem Standard-Playbook zu folgen, verstehen wir Kleidung als Archiv innerhalb einer selbst definierten Weltanschauung – und ich glaube, genau dieser Ansatz kommt im Ausland an. Das schönste Kompliment ist für uns, wenn jemand in einer vertrauten Kategorie ein Detail entdeckt, das er oder sie wirklich noch nie zuvor gesehen hat.

Das Thema dieser Saison lautet „Soft Focus“. Besonders ein Satz bleibt hängen: „eine Welt, die überall höchste Auflösung fordert“. Gab es einen persönlichen Moment, der Sie zu diesem Konzept geführt hat?
Menschen heute erleben mehr Information und Reize, als sie eigentlich verarbeiten können – und das jede wache Stunde. Was wir anschauen sollen, worauf wir reagieren sollen, was wir mit Zahlen belegen sollen – alles tritt in derselben gestochen scharfen Auflösung vor uns. Der Algorithmus schiebt uns ständig Neues zu, und wir verbrauchen unsere ganze Konzentration darauf, Schritt zu halten – ohne etwas übrig zu haben, um auf uns selbst zu schauen. Dabei habe ich gemerkt: Je mehr man versucht, alles scharf im Blick zu halten, desto unschärfer wird ausgerechnet das, was wirklich zählt. Also habe ich angefangen zu denken, dass wir zwar alles im Blick behalten, aber bewusst manches unscharf lassen müssen – im Grunde selbst entscheiden, was Klarheit verdient und was nicht. Es geht nicht darum, die Welt auszusperren. Es ist eher so, etwas klar im Sichtfeld zu behalten und trotzdem zu wählen, es verschwimmen zu lassen und vorbeiziehen zu lassen. Wenn man einen Teil dieser Fokussierung wegnimmt, entsteht erst Raum zum Atmen – und Raum für das eigene Ich. „Soft Focus“ ist das, was passiert, wenn wir diese Idee in Kleidung übersetzen.

Sie beschreiben die Persona dieser Saison als jemanden, der auf dem Heimweg mit den öffentlichen Verkehrsmitteln ein Buch liest oder abends noch ein Live-Konzert besucht. Was für einen Tag stellen Sie sich für diese Person in SAN SAN GEAR vor?
Ich habe mir jemanden vorgestellt, der in einer Stadt, die sich Tag für Tag kalt und eintönig anfühlt, an seinem eigenen Tempo und seinem eigenen Geschmack festhält. Jemanden, der selbst in einer überfüllten U-Bahn voller Dauerlärm ein Buch aufschlägt oder nach der Arbeit zum Konzert seines Lieblingsartists geht und sich ganz diesem Moment hingibt. Statt jeden Reiz, der auf sie einprasselt, aufzusaugen, lassen sie bewusst manches unscharf an sich vorbeiziehen, um ihre Aufmerksamkeit auf das zu richten, was ihnen wirklich wichtig ist. SAN SAN GEAR sollte für genau diesen Moment ein flexibler, verlässlicher Schutzschild gegen das Außen sein. Es muss kein dramatischer Tag sein – es reicht, wenn die Kleidung einen ganz gewöhnlichen Tag schützt, den diese Person zu ihren eigenen Bedingungen lebt.

Das umgedrehte Vorder- und Rückseiten-Detail der Stoffe in dieser Kollektion fällt sofort ins Auge. Welche Gespräche haben Sie mit dem Designteam bei der Entwicklung geführt?
Als wir überlegt haben, wie wir „Soft Focus“ in ein tatsächliches Produkt übersetzen können, sind wir bei der Idee gelandet, dass das Thema nur funktioniert, wenn ein einziges Teil zugleich eine klare äußere Oberfläche und eine unscharfe, rauere Essenz in sich trägt. Daraus entstand der Gedanke, Vorder- und Rückseite des Stoffes zu drehen und zu mischen. Im weiteren Gespräch hat sich das dann dahin entwickelt, Grafiken auf die Innenseite eines T-Shirts zu drucken, sodass das Design nach außen nur als gewollt verschwommene Spur durchscheint. Statt wie üblich eine scharfe Grafik nach vorn zu stellen, bleibt das klare Bild im Inneren verborgen, während nach außen nur ein Nachbild erscheint. Es ist fast, als wäre es etwas, das nur die Trägerin oder der Träger kennt – oder etwas, das jemand im Vorübergehen erst im zweiten Moment bemerkt. Genau darin, finde ich, fangen die Pieces das Thema am besten ein: Nichts erschließt sich auf einen Schlag.

Sie haben mit dem deutschen Künstler Clemens Fischer zusammengearbeitet und analoge Automata-Arbeiten im Showroom gezeigt. Wie ist es dazu gekommen – und welche Wirkung wollten Sie erzielen?
Mich hat schon immer diese rohe, mechanische Bewegung fasziniert, die analoge Systeme haben und die digital einfach nicht nachzubilden ist. Als ich Clemens Fischers Arbeiten gesehen habe, war ich sicher, dass sie zu der analogen Stimmung passen, die wir anstrebten. Ich habe ihn einfach kontaktiert, unsere Philosophie und die diesjährige Idee der „intentional blur“ geteilt – und er hat so sehr damit resoniert, dass die Zusammenarbeit zustande kam. Inmitten eines glatten, modernen Paris-Showrooms wirken Zahnräder und Federn, die sich schwerfällig mechanisch bewegen, fast wie eine kleine Bremse in einer Hochauflösungswelt. Umgeben von kühler, funktionaler Kleidung bringen sie eine menschliche Wärme und einen visuellen Riss hinein – und verlangsamen die Botschaft der Kollektion um einen Schlag.

Wenn es um das Gleichgewicht von Funktionalität und Lässigkeit geht – wo verläuft die eine Linie, die SAN SAN Gear nicht überschreitet?
Es ist weniger eine feste Regel, als dass unsere eigene Sicht auf die Welt der Maßstab bleibt. Wir werden nicht plötzlich wie eine Hiking-Brand designen, nur weil Gorpcore im Trend liegt, und wir werden unsere Identität nicht über Bord werfen, nur weil ein Hype wieder abflaut. Selbst das Verhältnis von Funktionalität und Lässigkeit ist keine Frage von Prozenten – entscheidend ist, ob unsere Perspektive intakt bleibt. Wir können etwas so Simples wie einen Hoodie entwerfen und ihn trotzdem anders sehen und drehen. Nicht zu ernst werden, aber auch nicht nachlässig – in diesem Spannungsfeld zwischen Leichtigkeit und Spannung zu bleiben, ist im Grunde die einzige Linie, die wir wirklich schützen.

Zum Schluss: Was würden Sie den internationalen Besucher:innen sagen, die SAN SAN Gear zum ersten Mal im Paris-Showroom entdecken – und den heimischen Fans, die immer auf das Nächste warten?
Für die globalen Gäste, die uns in Paris zum ersten Mal begegnen, wünsche ich mir, dass SAN SAN Gear als Marke in Erinnerung bleibt, die koreanische Mode repräsentiert – gelesen durch ihre eigene Perspektive und Kultur. Und unseren Fans zu Hause, die uns mehr Rückhalt geben, als wir wahrscheinlich verdienen: Auch wenn wir nach Tokyo, Shanghai, Paris und darüber hinaus wachsen, wird sich an der Authentizität unserer Wurzeln – in Mode wie in Kultur – nichts ändern. Ich hoffe, ihr begleitet mit Neugier, wie sich diese Sicht auf die Welt weiter ausdehnt.