Sundance 2026 Highlights: Der ultimative Director Fits‑Guide

Ich habe vier Tage beim allerletzten Sundance Film Festival in Park City, Utah verbracht – auf Einladung der großartigen Leute von Hypebeast. Anfang der Woche haben wir ein Tagebuch veröffentlicht, das meinen Aufenthalt als Neuling beim Festival akribisch dokumentiert. Es ist außerdem das erste Jahr ohne den Gründer des Festivals, Robert Redford, der das Event nach seiner gleichnamigen Figur inButch Cassidy and the Sundance Kid. benannt hat. Seine Präsenz lag immer wie ein Schatten über der Stadt – und das war auch dieses Jahr zu spüren. Viele Uber‑Fahrer und Volunteers, die ich unterwegs traf, hatten Geschichten über ihn parat. Jede Vorstellung beim Sundance begann mit einer innigen Hommage an seinen Gründer.

Als ichDirector Fitsvor ein paar Jahren gestartet habe, hätte ich nie gedacht, dass es mich an Orte wie diesen bringen würde. Ich hätte nie erwartet, jemals in solchen Räumen zu stehen. Die Tatsache, dass ich früher nur beim Schauen vonEntourage Staffel 2, Episode 7 mit dem Titel „The Sundance Kids“ so nah an diesen Ort herankam wie nur möglich, sagt eigentlich alles. Ich war noch nie auf einem Filmfestival, und aus der Distanz wirkten sie immer wie glamouröse Events für eine ausgewählte Elite.

Auch wenn daran ein Fünkchen Wahrheit steckt, wirkte Sundance 2026 deutlich demokratischer – sowohl, was das Publikum als auch das Line‑up anging. Der Festivaldirektor Eugene Hernandez sagte mir, Sundance sei ein Ort, der „immer nach vorn schaut“. Meine Lieblingsfilme dort waren allerdings mehrere Zeitkapseln, die ganz bestimmte Kulturepochen konservieren, eine Rückkehr zur Form eines legendären ‘90s‑Auteurs und eine starbesetzte Komödie eines etablierten Regisseurs. Insofern habe ich Park City wohl eher im Rückspiegel erlebt als im Fernlicht nach vorn. Doch ein Film des Debütregisseurs Rafael Manuel widerspricht dieser These. In meinen vier Tagen in Park City habe ich neun Filme gesehen. Hier sind die, die mir besonders im Kopf geblieben sind.

The Best Summer
Regie: Tamra Davis

The Best Summer ist im wahrsten Sinne des Wortes ein absoluter Schatz. Auf dem Höhepunkt der LA‑Brände vor gut einem Jahr entdeckte Regisseurin Tamra Davis beim Evakuieren in der Garage ihres Hauses in Pacific Palisades einen Karton mit verschollenen Tapes. 1995, kurz nachdem sie Mike D von den Beastie Boys geheiratet hatte, war die Band mit einem All‑Star‑Line‑up als Headliner für eine Australien‑Tour gebucht. Davis ging mit auf Tour, nahm ihre Kamera mit und filmte praktisch alles – vom super Aufregenden bis zum total Banalen. Sie holte Kathleen Hanna von Bikini Kill dazu, um Backstage‑Interviews zu führen, immer mit demselben Fragenkatalog für alle Bands im Line‑up.

Adam Yauch trägt 1995 ein klassisches Supreme‑Logo‑Tee – nur ein Jahr, nachdem James Jebbia die Brand gelauncht hatte. Wild. Beck wird dabei eingefangen, wie er sagt, sein Neujahrsvorsatz sei es, sich endlich wieder eine Shorts zu kaufen – zum ersten Mal, seit er zehn war. Okay. Dave Grohl verweist auf Zigaretten und Wein, als er gefragt wird, wie er es schaffe, auf der Bühne zu performen. Man darf nicht vergessen: Das ist nur ein Jahr nach dem Tod von Kurt Cobain; die Wunde wirkt noch vollkommen offen.

Der ganze Film wirkt wie das Heimvideo einer Familie – nur dass die Familienmitglieder Beastie Boys, Sonic Youth, Bikini Kill, Foo Fighters, Pavement etc. heißen. Davis entscheidet sich bewusst dafür, all diese wackeligen Longtakes zu lassen, statt sie zu etwas Glattem, Poliertem zurechtzuschneiden. So entsteht das Gefühl, wirklich mit im Raum und mit auf Tour zu sein – ein Geschenk, das den Charakter dieser seltenen Zeitkapsel noch verstärkt. Insgesamt wimmelt es in diesem Doc von seltenen, intimen Behind‑the‑Scenes‑Momenten.

In einer Zeit, in der wir auf Instagram und TikTok permanent mit solchen Inhalten unserer Lieblingsacts geflutet werden, sticht dieser Doc heraus, weil er uns wie in einer Zeitmaschine hinter den Vorhang einiger unserer musikalischen ‘90s‑Heroes blicken lässt. Man sieht Ad‑Rock, wie er backstage mit Kathleen Hanna flirtet (die beiden heiraten weniger als ein Jahrzehnt später), und hört Kim Gordon über ihr Lieblingsessen und ihre Lieblingsfarbe sprechen. Es wirkt fast wie „Man‑on‑the‑Street“-Interviews gemixt mit dem Empfehlungs‑Content, der unsere Feeds heute dominiert – nur eben 1995. Es würde mich nicht wundern, wenn der offizielle Coachella‑Instagram‑Account irgendwann genau solche Clips postet…

Filipiñana
Regie: Rafael Manuel

Rafael Manuel und sein Spielfilmdebüt Filipiñanawaren für mich beides vollkommen neue Entdeckungen. Ich bin zum Festival gefahren mit dem Vorsatz, Dinge zu sehen, die überhaupt nicht auf meinem Radar waren. Als diese Einladung plötzlich in meinem Postfach landete, habe ich sofort zugesagt – einfach, um diese Neugier zu stillen.

Der Film wirkt wie eine große visuelle Metapher für Klasse und Geschlecht auf den Philippinen. Er spielt auf einem Luxus‑Golfplatz, eine Art von Entwicklung, die laut Manuel aktuell neu in seinem Land ist. Die Erzählung folgt einem Mädchen namens Isabel, das sich in den Präsidenten des Country Clubs, in dem sie arbeitet, Dr. Palanca, verguckt. Während sie ihm über das Gelände folgt, deckt sie etwas Düsteres auf, das unter der Oberfläche lauert. Laut Regisseur hat der Golfboom durch die Abstandsregeln der Pandemie exponentiell zugenommen – teilweise auf Kosten von Menschenleben. Im Film fungiert der Golfplatz als Mikrokosmos der Klassen‑ und Geschlechterverhältnisse, die auf den Philippinen herrschen.

Im Q+A nach der Vorführung erklärte Manuel, sein Land sei extrem fruchtbar, was Landwirtschaft angehe, doch Golfplätze würden nur von einer sehr kleinen, sehr reichen Elite genutzt – ein perfekter Schauplatz also, um Klassen‑ und Machtverhältnisse auszuloten. Besonders deutlich zeigt sich im Film die starre Trennlinie zwischen den Angestellten des Resorts, vor allem zwischen den Caddies und dem Housekeeping‑Team.

Filipiñanaist ein sehr eindringlicher Film. Ich mochte die statischen Einstellungen ohne viel Kamerabewegung, jede Entscheidung wirkt von Anfang bis Ende bewusst gesetzt. Kaum zu glauben, dass dies der erste Langfilm für Regisseur, Hauptdarstellerin, Production Designer und Costume Designer ist. Ihre Arbeit wirkt abgeklärt und souverän. Ein starker Neuzugang im Universum des Slow Cinema – und genau die Art von Entdeckung, auf die ich beim Festival gehofft hatte.

Once Upon a Time in Harlem
Regie: William Greaves und David Greaves

Once Upon a Time in Harlemist eine atemberaubend schöne Zeitkapsel der Harlem Renaissance. 1972 versammelte William Greaves einige der zentralen Figuren dieser kulturellen Blütezeit der 20er- und 30er‑Jahre zu einer Art Reunion in Duke Ellingtons Apartment. Williams Sohn David vollendete den Film rund ein Jahrzehnt nach dem Tod seines Vaters – und etwa 60 Jahre, nachdem dieses legendäre Treffen stattgefunden hatte.

Der Film ist so gedreht, dass man sich wie ein stiller Beobachter der Gespräche bei der vielleicht großartigsten Dinnerparty aller Zeiten fühlt. Größen wie Ernest Crichlow, Eubie Blake und Arna Bontemps erinnern sich an alte Zeiten und an die Spuren, die ihre Zeitgenossen wie W. E. B. Du Bois und Langston Hughes hinterlassen haben. Auf diese Dinnerparty bin ich maßlos neidisch. Stellen Sie sich eine Runde Intellektueller vor, die trinken, rauchen, Geschichten erzählen, Klavier spielen, streiten, einander zustimmen, lachen. Wer würde da nicht gern am Tisch sitzen?

Es war auch mit Abstand der bestangezogene Film, den ich auf dem Festival gesehen habe. Vielleicht, weil es echte Menschen in ihren eigenen Kleidern sind? Vielleicht, weil die Leute in den 70ern einfach besser angezogen waren als wir heute? Der Raum ist geflutet von großartigen Anzügen mit scharf geschnittenen, verlängerten Revers, gemusterten Hemden mit überzeichneten Kragen, breiten Krawatten und locker fallenden Hosen. Elegante Spitzenkleider, opulenter Modeschmuck … Dieses Maß an Opulenz müssen wir dringend zurückbringen. Würde man heutige Pendants dieser Persönlichkeiten an einen Tisch holen, sähe es so gut aus? Ich würde dagegen halten: eher nicht.

The Invite
Regie: Olivia Wilde

Es heißt, Olivia Wildes The Invitehabe nach seiner Premiere früh im Festival einen altmodischen Sundance‑Bieterkrieg zwischen Studios ausgelöst. Soweit ich weiß, kommt das bei den jüngeren Jahrgängen des Festivals kaum noch vor. Das Bieten zog sich über rund 72 Stunden hin und endete in einem vermeintlichen 15‑Millionen‑Dollar‑Deal mit A24. Die Aufmerksamkeit, die der Film online und in Matt Bellonis The TownPodcast auf sich zog, ließ mich glauben, hier eine absolute Must‑See‑Premiere vor mir zu haben. Allerdings haben Sundance‑Publika den Ruf, Filme während des Festivals gern zu überhypen – nur damit dieser Hype dann zum Kinostart beim breiten Publikum gelegentlich verpufft.

The Invitehat mir einige der lautesten Lacher des gesamten Festivals beschert. Teilweise war das Publikum so aus dem Häuschen, dass ich den anschließenden Dialog gar nicht mehr verstanden habe. Der Film erinnert an die beschwingten Sexkomödien der 60er und hat mich stellenweise an den Mike‑Nichols‑Klassiker Carnal Knowledge. Die Opening Credits sind wahnsinnig verspielt und wirken ganz klar wie eine Hommage an die ursprüngliche Thomas Crowne AffairTitelsequenz. Gleichzeitig übersetzt der Film die Sex‑Eskapaden von damals in eine Erzählung, die perfekt zum sexuellen Zeitgeist des 21. Jahrhunderts passt.

Die Handlung folgt einem verklemmten Paar (Seth Rogen und Olivia Wilde), das seine deutlich entspannteren Nachbarn (Penelope Cruz und Edward Norton) zum Dinner einlädt. Rogens und Wildes Figuren geraten über jeden kleinen Fehltritt aneinander, während Cruz und Norton die perfekten Gegenpole geben. Es wird wild, als die beiden anfangen, offen über ihre nicht‑monogame Beziehung und ihre Erfahrungen mit Gruppensex zu sprechen – und damit das Interesse der Figuren von Rogen und Wilde wecken.

The Inviteist lustig – bis er es nicht mehr ist. Die meisten Lacher speisen sich aus der Spannung zwischen den Figuren von Rogen und Wilde, die offenbar seit Längerem aufgehört haben, miteinander zu reden (und miteinander zu schlafen). Es ist, als lebten sie in zwei völlig verschiedenen Realitäten – zunächst ein klarer Comedy‑Treiber. Doch zum Ende hin erkennen die beiden, dass ihr Kapitel als Ehepaar wahrscheinlich in einer Scheidung endet. Das sorgt für ein ernüchterndes, letztes Bild – untermalt von einem melancholischen Klavier‑Score von Dev Hynes.

Weitere Highlights: Die Originalmusik des Blood‑Orange‑Frontmanns für den Film schraubt die Dramatik hoch, bringt aber auch eine Prise Camp ins Spiel, die alles angenehm leicht hält. Mit einem wachen, mitgehenden Publikum macht der Film enorm Spaß. Ich verstehe, warum die Studios darum gekämpft haben. Es ist vermutlich der mainstreamigste, publikumsgetriebenste Film, den ich dieses Jahr bei Sundance gesehen habe. Ich bin mir sicher, A24 wittert hier den nächsten Romantic‑Comedy‑Box‑Office‑Hit, ähnlich wie bei Materialistsletzten Sommer. Und ich würde wetten: Sie liegen richtig.

I Want Your Sex
Regie: Gregg Araki

Gregg Arakis langersehnte Rückkehr auf die große Leinwand ist da!I Want Your Sexist der erste Film des Kult‑Auteurs seit über einem Jahrzehnt. Es war mit Abstand mein Lieblingsfilm des Festivals – und das nicht nur, weil ich ein bekennender Araki‑Fan bin. Es ist einfach Nonstop‑Spaß. Pure Unterhaltung. Und dazu in praktisch jeder Szene ein derber Gag.

Gregg‑Araki‑Filme sind ästhetisch immer ein absolutes Fest. Der Mann hat schlicht großartigen Geschmack. Berühmt ist er für sein aufwendiges, maximal überdrehtes Production Design. Die Interiors in The Doom Generationund Nowherefühlen sich an, als wären sie direkt aus einer 90er‑Fashion‑Kampagne herausgeschnitten worden.I Want Your Sexknüpft an diese Ästhetik an, allerdings mit einem leichten Gen‑Z‑„squiggly mirror“-Twist. Ich liebe Arakis Liebe zum Detail bei den Kostümen. Er ist ein Punk‑Music‑Nerd, und seine Filme haben immer die besten Graphic Tees. Diesmal trägt Cooper Hoffman ein Sonic‑Youth‑Shirt, und Chase Sui Wonders läuft im Spahn’s‑Movie‑Ranch‑Tee herum.

Apropos Cooper Hoffman: Er ist ein Star im Werden. Sowohl er als auch Olivia Wilde liefern hier eine mutige Performance ab. Sie werden verstehen, was ich meine, wenn Sie den Film sehen. Wilde und Hoffmans Figuren leben eine Dom/Sub‑Beziehung, die den beiden am Ende komplett um die Ohren fliegt und ihre Leben auf links dreht. Die Farbpalette ist für einen modernen Film extrem erfrischend – keine tristen Grautöne, kein gedecktes Einerlei. Stattdessen überall leuchtende Grüntöne, Pink, Blau. Szenen wie Cooper Hoffman in BH und Slip, wie er auf allen vieren durch den Raum kriecht, während Olivia Wilde in Femdom‑Lingerie ihm den Slip herunterzieht, um seinen nackten Hintern zu demütigen und zu versohlen – das ist nicht die Sorte Entertainment, die man ständig in einem vollbesetzten Kinosaal erlebt. Die Stimmung war elektrisierend, mit vielen Lachern und hörbaren Schnappatmungs‑Momenten. Es fühlte sich eher an wie ein Konzert.

I Want Your Sexist genau die Sorte Independent‑, Auteur‑Kino, die stark an das Sundance vergangener Tage erinnert. Schmutzig, kontrovers, garantiert unangenehm für einige. Es ist schön, dass ein Gregg‑Araki‑Film in dieser Zeit überhaupt finanziert wird – und dann auch noch hier beim Festival ein Zuhause findet. Genau für solche Filme bin ich hergekommen. Traurigerweise hat ihn zum Zeitpunkt dieses Textes noch kein Studio und kein Verleih gesigned.

Mehr von Director Fits gibt es auf Instagram und im Abo für seinen Newsletter.