Destinee Ross-Sutton darüber, warum die falsche Galerie schlimmer ist als gar keine

Für Künstlerinnen und Künstler von heute hängt die Sichtbarkeit nicht mehr davon ab, von einer Galerie entdeckt zu werden. Social Media hat viele Barrieren abgebaut, die einst Kunstschaffende von Sammlern, Kuratoren und dem Publikum trennten, während Direktverkäufe und selbstorganisierte Ausstellungen es zunehmend ermöglichen, eine Karriere außerhalb des traditionellen Galeriesystems aufzubauen.

Für Destinee Ross-Sutton bedeutet das jedoch nicht, dass Galerien überflüssig geworden sind. Es bedeutet vielmehr, dass sie ihren Wert beweisen müssen. „Ich glaube nicht, dass jeder Künstler eine Galerie braucht“, erzählt die in Harlem geborene Kuratorin und Gründerin der Ross-Sutton Gallery Hypeart. „Aber ich weiß, dass die richtige Galerie ein wesentlicher Partner sein kann.“

In der neuesten Ausgabe von „State of Art“ denkt Ross-Sutton darüber nach, was Repräsentation im Jahr 2026 eigentlich bedeutet – von der sich wandelnden Machtdynamik zwischen Künstlern und Kunsthändlern bis hin zur zunehmend umstrittenen Galerieprovision von 50 Prozent.

Social Media, so argumentiert sie, hat die gesamte Landschaft grundlegend verändert. Künstler können ihre Werke nun Tausenden von Menschen präsentieren, ohne darauf warten zu müssen, dass ein Händler, Kritiker oder Kurator ihnen den Zugang gewährt. Sie können in Echtzeit beobachten, wie sich ihre eigenen Märkte entwickeln, Sammler identifizieren und in rasantem Tempo Kunstwerke direkt verkaufen.

Artwork by Khari Turner, Courtesy Of Destinee Ross-Sutton

„Galerien sind eigentlich keine Gatekeeper mehr“ – Destinee Ross-Sutton

Sichtbarkeit, so betont sie, dürfe jedoch nicht mit Langlebigkeit verwechselt werden. Eine ernsthafte Karriere erfordert eine Infrastruktur, die weit über das bloße Finden eines Käufers hinausgeht. Im besten Fall bietet eine Galerie Strategie, vertrauensvolle Beziehungen, institutionellen Zugang und ein Verständnis dafür, wie sich heute getroffene Entscheidungen in fünf oder zehn Jahren auf die Karriere eines Künstlers auswirken könnten.

„Eine gute Galerie denkt einige Jahre im Voraus“, erklärt sie. „Es geht nicht einfach nur darum, wo das nächste Werk verkauft wird. Es geht um den besten Platz für die Kunst, in welche Sammlungen sie aufgenommen wird, welche Ausstellungen und Institutionen Sinn machen, wie sich der Markt verantwortungsvoll entwickelt und wie die Praxis des Künstlers geschützt wird, während seine Präsenz wächst.“

Diese Unterscheidung ist besonders wichtig, da Künstler zunehmend hinterfragen, warum sie weiterhin bis zur Hälfte eines Verkaufs an eine Galerie abtreten sollten, wenn sie möglicherweise bereits direkten Zugang zu interessierten Sammlern haben. Für Ross-Sutton ergibt dieser Prozentsatz nur dann Sinn, wenn die Galerie deutlich mehr leistet, als nur eine Transaktion zu vermitteln. Ausstellungen, Produktion, Versand, Messen, Pressearbeit, die Betreuung von Sammlern und Beziehungen zu Museen sind allesamt Teil des Galerie-Pakets. Der wahre Maßstab, sagt sie, sei nicht der sofortige Verkauf, sondern das, was dieser Verkauf rund um den Künstler aufzubauen hilft.

Auch unabhängige Karrieren werden immer realistischer. Ross-Sutton weist jedoch darauf hin, dass viele Künstler, die ohne klassische Vertretung erfolgreich sind, sich faktisch eigene Galerien aufgebaut haben, indem sie sich mit Studiomanagern und Teams umgeben, die für Administration, Ausstellungen, Sammler und Institutionen verantwortlich sind.

„Unabhängigkeit bedeutet nicht, alles alleine zu machen“

Das drängendere Problem könnte also sein, was passiert, wenn Repräsentation eher transaktional als entwicklungsfördernd wird. Ross-Sutton unterscheidet zwischen Galerien, die einem Künstler durch die unvermeidlichen Schwankungen einer Karriere hindurch treu bleiben, und solchen, die auftauchen, wenn die Nachfrage ihren Höhepunkt erreicht, von Verkäufen profitieren und wieder verschwinden, wenn die Dynamik nachlässt. Für sie geht Repräsentation mit der Verpflichtung einher, nicht nur das Werk, sondern auch die Person und den kulturellen Kontext dahinter zu verstehen.

Sie erinnert sich an eine südafrikanische Künstlerin mit einer fast drei Jahrzehnte währenden internationalen Karriere, die Ross-Sutton erzählte, dass ihre Galerie die allererste war, die tatsächlich nach Südafrika reiste, um sie zu treffen und ihre Arbeit besser zu verstehen.

Courtesy Of Destinee Ross-Sutton

„Wie kann man sich angemessen für eine Künstlerin oder einen Künstler einsetzen, wenn man sich nicht die Mühe gemacht hat zu verstehen, woher das Werk eigentlich stammt?“

Diese Philosophie erstreckt sich auch über das eigene Programm einer Galerie hinaus. Im Jahr 2020 kuratierte Ross-Sutton BLACK VOICES/BLACK MICROCOSM in Stockholm, brachte 31 Künstler aus der gesamten schwarzen Diaspora zusammen und löste ganz bewusst die Grenzen zwischen aufstrebenden und etablierten Künstlern, formalen und autodidaktischen Praktiken sowie unterschiedlichen Graden der Marktanerkennung auf.

Dort stieß sie auf ein immer wiederkehrendes Problem, wie auch später beim Kuratieren von „Unapologetic WomXn: The Dream Is the Truth“ in Venedig: Künstlerinnen, die teilnehmen wollten, deren Galerien sich jedoch dagegen sträubten. Die letztgenannte Ausstellung brachte schließlich während der 60. Biennale in Venedig mehr als 30 Künstlerinnen zusammen.

Für Ross-Sutton sollte der Schutz der Karriere eines Künstlers niemals damit gleichgesetzt werden, ihn zu kontrollieren. „Es gibt einen Unterschied zwischen der Repräsentation und dem Besitz eines Künstlers“, sagt sie. „Manchmal kann eine Gelegenheit außerhalb der eigenen vier Wände genau das Richtige für die Karriere dieses Künstlers sein.“

Das führt zu der Frage, die im Zentrum ihres Arguments steht: „Ist die Beziehung dazu da, der Karriere des Künstlers zu dienen, oder ist der Künstler dazu da, der Galerie zu dienen?“ Wäre Ross-Sutton heute eine aufstrebende Künstlerin, wäre Repräsentation für sie immer noch ein Ziel – allerdings nur unter den richtigen Umständen. Sie würde wissen wollen, ob eine Galerie das Werk versteht, wer ihre Sammler sind, welche institutionellen Beziehungen sie bieten kann, ob sie externe Möglichkeiten begrüßt und, was ganz entscheidend ist, ob sie auch dann investiert bleibt, wenn sich Verkäufe nicht sofort einstellen.

„Ich hätte lieber gar keine Galerie als die falsche Galerie“, sagt sie. „Aber die richtige Beziehung kann dennoch transformativ sein.“