Paliwanag sa Tema ng 2026 Met Gala: “Costume Art” at ang Sining ng Kasuotan
Layunin ng “Costume Art” na ipakita ang nabibihisang katawan bilang sentral na hibla sa kasaysayan ng sining—isang pilosopikal na panukala para sa ‘fashion bilang sining’ kaysa isang simpleng aesthetic na kategorya.
Inanunsyo ng Met Costume Institute ang tema ng eksibisyon at Met Gala nito para sa 2026, “Costume Art,” na parehong panawagan na kilalanin ang fashion bilang sentral na pahayag ng sining at isang selebrasyon ng nalalapit na pagbubukas ng Condé M. Nast Galleries ng museo.
Bagama’t ilang buwan pa bago ang 2026 Met Gala sa Mayo 4, 2026, at hindi pa inanunsyo ang mga co-chair at miyembro ng host committee, ibinahagi na ang tematikong intensiyon ng gallery. Ang tema, na hindi gumagamit ng tradisyonal na colon at subtitle, ay hindi lang nagmumungkahi na ang fashion ay sining, kundi na ang fashion, bilang isang medium, ay may likas at likidong koneksiyon sa katawan ng tao.
Ang dalawang-salitang temang “Costume Art” ay may historikal ding bigat sa orihinal na kasaysayan ng Costume Institute. Ang “Museum of Costume Art” ay isang independiyenteng institusyon na itinatag noong 1937 bago ito isinama at binigyan ng bagong pangalan ng Met noong 1946. Bagama’t malaki na ang naging papel ng fashion sa Met mula noon, nananatili pa rin sa mundo ng sining ang pananaw na mas mababang anyo ng sining ang fashion kumpara sa pagpipinta at eskultura.
Layon ng eksibisyon na itaas ang fashion sa parehong antas nang hindi binabawasan ang kabuluhan ng karanasang pang-katawan. Ibinahagi ni curator Andrew Bolton sa isang opisyal na pahayag, “Gusto kong ituon ang pansin sa sentralidad ng nabibihisang katawan sa loob ng Museum, na iugnay ang mga artistikong paglarawan ng katawan sa fashion bilang isang artform na talagang nakasapol sa katawan.”
Upang ipakitang ang fashion at ang katawan ay tunay na sentral na hibla sa mga koleksiyon ng Met, magtatampok ang nalalapit na eksibisyon ng humigit-kumulang 200 kasalukuyang artwork ng Met na itatabi sa mga kasuotan at aksesorya, mula makabagong panahon hanggang historikal. Hahatiin rin ang eksibisyon sa iba’t ibang tema, kabilang ang “Naked Body,” “Classical Body,” “Ageing Body,” “Anatomical Body” at “Pregnant Body,” upang i-highlight ang maseselang iba’t ibang anyo kung paano nagpapakita at umuusbong ang fashion, na sumasalamin sa parehong kultural at indibidwal na karanasan.
“Sa halip na unahin ang visual appeal ng fashion, na madalas ay kapalit ng pisikal na karanasan, binibigyang-pribilehiyo ng Costume Art ang materiality nito at ang hindi mapaghihiwalay na ugnayan ng ating mga katawan at ng mga damit na isinusuot natin,” dagdag ni Bolton.
Ano nga ba ang maaaring makita sa gallery floor? Sa preview, makikita ang isang amorphous na Comme des Garçons FW17–18 na bestida ni Rei Kawakubo, katabi ang “La Poupée” ni Hans Bellmer, bandang 1936. Sa iba pang bahagi, isang Givenchy FW10 gown ni Riccardo Tisci ang ilalagay sa tabi ng mga ilustrasyon mula sa Meiji Period ni Kawanabe Kyōsai.
Bukod sa eksibisyon mismo, ang pagbubukas ng Condé M. Nast Galleries ay isang malaking milestone para sa Met, at para rin sa patuloy na paglaki ng papel ng fashion sa paghubog ng kultura at pagpreserba ng kasaysayan. Sasaklaw ito ng humigit-kumulang 11,500 sq ft, kung saan dating matatagpuan ang gift shop ng Great Hall, at patuloy na babandera ang diwa ng “Costume Art” matagal matapos ang 2026 gala, sa pamamagitan ng mga susunod na show na magpo-focus sa intersection ng art at fashion.
Habang ang ibang mga tema ay tumuon na sa tiyak na kultura o tradisyon—gaya ng 2015 na “China: Through the Looking Glass,” o 2018 na “Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination,”—mas malawak ang saklaw ng universal na temang 2026, bagama’t binigyang-diin ng Met na pangunahing pokus nito ang “Western art from prehistory to the present.”
Noong nakaraang taon, nakipagtulungan si Bolton sa guest curator na si Monica Miller (may-akda ng Slaves to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity) upang isaayos ang Superfine: Tailoring Black Style. Sa pag-highlight ng makapangyarihang pamana ng Black Dandyism sa tailoring at menswear mula ika-18 siglo hanggang sa kasalukuyan, ito ang naging unang Met Gala theme na nakasentro sa at umiikot sa Black culture.
Sa paglipas ng mga taon, kalakhan ng buzz sa paligid ng Met Gala ay tumuon na sa kung paano binibigyang-kahulugan ng mga designer ang tema ng gabi sa pamamagitan ng kanilang mga star-studded na bisita. Sa mas malawak na tema, tiyak na iikot-ikutin at rerebyuhin ng mga designer ang dress code sa napakaraming iba’t ibang paraan. Ang pag-aalis ng subtitle, gaya noong nakaraang taon, na naka-highlight sa tailoring, ay naghihikayat din ng mas malawak na hanay ng mga konsepto.
Higit pa rito, sa halos walang kaparis na dami ng bagong talagang itinalagang creative director sa mundo ng luxury—mula kay Jonathan Anderson sa Dior hanggang kay Matthieu Blazy sa Chanel—aasahan na maraming sabik na matang nakatutok sa 2026 Met Gala upang makita ang Met Gala debuts ng mga designer sa ilalim ng kanilang mga bagong maison.
Maaaring magbunga ang “Costume Art” ng samu’t saring malikhaing reference sa art history sa Met steps: ang surreal na drapery ni Atlein ay puwedeng magpahiwatig ng mga pigurang marmol na Griyego, o marahil ang anatomical trompe l’oeil ni Duran Lantink para kay Jean Paul Gaultier ay magpahiwatig ng Naked Body. Ang pokus sa konsepto mismo ng “art” ay nanghihikayat din ng maksimalistang craftsmanship at mga silwetang talagang kakaiba at pasabog, na laging nagdaragdag sa spectacle.
Habang papalapit ang Mayo 4, 2026, inaasahang darating sa mga susunod na buwan ang mas maraming detalye, kabilang na ang host committee. Manatiling nakatutok sa Hypebeast para sa mga update sa 2026 Met Gala.
