Guida alle mostre dell’Armory Art Week 2026 a New York

Le fughe di fine agosto sono ufficialmente alle spalle e l’afflusso di fuori città dal piglio arty significa una cosa sola, New York: la stagione autunnale è iniziata. Il fermento attorno all’Armory Show 2026 è già palpabile, e le gallerie sono pronte a lasciarsi alle spalle il rallentamento estivo per dare il meglio di sé alle fiere e non solo.

Il circuito delle fiere autunnali è arrivato un po’ più tardi rispetto agli anni passati: è stato spostato alla fine del mese per evitare la consueta sovrapposizione con la Fashion Week e gli US Open, e per concedere una pausa dopo Frieze Seoul. Ma settembre è stato tutt’altro che tranquillo.

In vista dei cinque appuntamenti principali — The Armory, Independent 20th Century, SPRING/BREAK, U-Haul Art Fair e la Printed Matter Book Fair — è già fiorita una straordinaria serie di inaugurazioni in galleria e grandi mostre museali, mentre altri pezzi da novanta attendono dietro le quinte. Abbiamo girato la città per selezionare nove mostre imperdibili che, a differenza delle fiere, resteranno aperte anche per buona parte del prossimo mese. Camminate, non correte.

KNOTTING, TYING, FOLDING di Lynda Benglis da Pace Gallery

Guida alle mostre dell’Armory Art Week 2026: opere d’arte a New York

Con la Fashion Week in testa, una visita alle opere murali di Lynda Benglis è d’obbligo. Del resto, lavori come “Toyopet Crown” (1989) e “Vega” (1982) hanno ispirato il debutto couture di Jonathan Anderson per Dior, a gennaio, quando in passerella sono apparse interpretazioni sartoriali delle pieghe metalliche dell’artista.

Benglis porta avanti questo spirito giocoso e intrepido dagli anni Sessanta, quando si affermò insieme al Postminimalismo grazie ai suoi dipinti in cera. Ha sostituito le palette smorzate con colori vividi e superfici materiche. La mostra in corso da Pace Gallery, a Chelsea, riunisce una costellazione di sculture realizzate negli ultimi cinque decenni e mette in luce la sua inesauribile curiosità per la sperimentazione sui materiali. Dal primo “Sparkle Knot IV” (1972) al più recente “Elephant Necklace” (2017), è una lezione magistrale su quelli che lei definisce gli “estremi della colorazione e della texture”.

Visitabile fino al 24 ottobre.

Pace Gallery
540 W 25th St,
New York, NY 10001

Agita di Joseph Yaeger da Gladstone Gallery

Guardare un dipinto di Joseph Yaeger è come entrare in un film a metà. I soggetti, anonimi e ritagliati, sono lontani dal contesto da cui emergono. Eppure resta un senso di partecipazione per il loro turbamento, sorpreso e spesso soffocato. È ciò che trattiene lo sguardo.

Agita presenta un nuovo nucleo di opere dell’acclamato pittore, noto per filtrare i suoi lavori attraverso le idee di intimità e desiderio. Gli acquerelli su lino preparato a gesso si rivelano luminosi, seppure in tonalità vellutate e attenuate. La tensione non nasce da ciò che tace, ma da ciò che viene zittito: come un ricordo represso con tale efficacia da diventare appena irraggiungibile.

Visitabile fino al 31 ottobre.

Gladstone Gallery
515 W 24th St,
New York, NY 10011

Landmarks di Alix Vernet da Chapter NY

Nelle sculture di serpentine di Alix Vernet, un archivio di linguaggio — sottratto a insegne, conversazioni captate per caso e monumenti — diventa una forza purificatrice. Partendo dai condizionatori d’aria, l’artista trasforma le alette d’alluminio in parole dalle lettere sontuose e posa uno sguardo critico sugli aspetti più inosservati delle infrastrutture industriali, come queste autorità dell’aria e del comfort.

Le opere sono nate nel periodo in cui l’artista realizzava calchi di facciate e forme di lettere, appollaiata sulle scale antincendio. Fu allora che iniziò a interessarsi al retro delle unità di climatizzazione, dove polvere, umidità, ossidazione, manutenzione e anni di esposizione si accumulavano, registrando così la vita della città.

Componenti meccanici non solo trascurati, ma concepiti per non essere visti, vengono rifiniti con parole tenere come “baby” o “boy”. Le unità fondamentali degli ecosistemi urbani assumono un carattere più fragile. Diventa difficile capire se il danno sia intenzionale o accidentale. Senza doverlo dichiarare così esplicitamente, le sculture portano con sé la tensione dell’aumento delle temperature e delle politiche climatiche.

Visitabile fino al 17 ottobre.

Chapter NY
60 Walker St,
New York, NY 10013

I Am Tony di Arthur Jafa al New Museum

Tra le mostre museali che attendevamo di più, l’occupazione del New Museum da parte di Arthur Jafa non ha deluso. È la prima a «racchiudere l’intera ampiezza della sua pratica», secondo il museo, con oltre trent’anni di pittura, installazioni video e cinematografiche su larga scala, sculture e oggetti d’archivio, imperniati — naturalmente — sulle sue opere più celebri: Love is the Message, The Message is Death (2016) e The White Album (2018).

Nel corso della sua carriera, Jafa ha indagato le molte sfaccettature della vita dei neri americani. Attraverso la musica, i film classici, i personaggi dei fumetti e perfino i TikTok, il suo lavoro rivolge uno sguardo impassibile tanto alla storia inquietante di una nazione quanto alla nostra contemporanea ossessione per i “contenuti”, spingendoci a confrontarci con tutto questo e a metabolizzarlo ben oltre l’uscita dal museo.

Visitabile fino al 3 gennaio 2027.

New Museum
235 Bowery,
New York, NY 10002

Recent Works di Asher Liftin da 125 Newbury

Guardando dentro 125 Newbury dall’angolo tra Canal e Walker, le opere di Asher Liftin sembrano fotografie puntiniste: istantanee sgranate di passanti riflessi nelle vetrine, un mazzo di fiori e un gruppo di treni in movimento. Da vicino, punti e linee colano e tremano, talvolta sul punto di esplodere, rivelando un gesto manuale minuzioso.

Un’opera di Liftin è sempre inconfondibilmente sua. Laureato a Yale University in Arte e Scienze cognitive, fa emergere in ogni disegno e dipinto un comune impegno verso la creazione e l’elaborazione dell’immagine, un gioco per l’occhio. Questo corpus di opere, recenti fin dal titolo, non solo mette in risalto momenti quotidiani, ma trova il modo di averne cura con affetto. Ognuna merita almeno dieci minuti solo per lasciarsi stupire.

Visitabile fino al 31 ottobre.

125 Newbury
395 Broadway,
New York, NY 10013

Father Country, I Do Love You di Taryn Simon al Solomon R. Guggenheim Museum

Per dirla con il padre di Taryn Simon: «L’America è la storia più bella sulla Terra, se riuscissi a trovare qualcuno che la racconti». E, nel pieno di un semiquincentenario piuttosto caotico, quale momento migliore per Father Country, I Do Love You?

Simon ripercorre la vita di un agente federale senza nome. Divisa in 42 capitoli, ciascuno associato a un colore distinto, l’opera ricorre a fotografia, installazione, scultura e video per risvegliare teorie del complotto e tuffarsi a capofitto negli angoli più strani della vita americana, seguendo l’agente tra devozione, violenza e perdita. Pur essendo altamente concettuale, il suo lavoro non è astratto: ciascuna opera nasce da una persona, una testimonianza o un momento storico ben preciso, approfondito nei testi a parete.

A eccezione di “Kleroterion” (2024), tutte le opere sono nuove. Ed è anche un progetto profondamente personale. La mostra è dedicata al padre dell’artista, ex dipendente governativo diventato venditore di flipper, ed è strutturata per ricordare la sua lotta contro l’Alzheimer. L’opera più grande, infatti, è un percorso da biliardo che serpeggia lungo l’intera rotonda.

Visitabile fino al 14 marzo 2027.

Solomon R. Guggenheim Museum
1071 5th Ave,
New York, NY 10128

Voices in the Mirror di Gordon Parks da Jack Shainman Gallery

Gordon Parks è uno dei più importanti fotografi americani. La sua arte continua a plasmare il modo in cui parliamo della storia, mettendo al centro il mondo interiore di chi l’ha vissuta. «Ho capito che la macchina fotografica poteva essere un’arma contro la povertà, il razzismo e ogni sorta di ingiustizia sociale», disse una volta. «Fu allora che capii di doverne avere una».

La fondazione che porta il nome dell’artista celebra il suo ventesimo anniversario con una mostra monumentale nella sede di Jack Shainman a Tribeca, esponendo 65 delle sue immagini più iconiche. Ad aprire la mostra sono gli incisivi ritratti di Muhammad Ali realizzati da Parks e pubblicati su Life nella serie “The Redemption of the Champion”. L’esposizione racconta la lotta duratura per l’uguaglianza e la bellezza della vita dei neri americani, soprattutto nel Sud, alternandole ai contributi dei suoi soggetti, di Ava DuVernay, Thelma Golden e molti altri.

Visitabile fino al 6 novembre.

Jack Shainman
46 Lafayette St,
New York, NY 10013

Rubberneckers di Eddie R. Aparicio da Jeffrey Deitch

Rubberneck è il rallentamento in autostrada provocato da un incidente sulla carreggiata opposta. Eddie R. Aparicio, originario di Los Angeles, lo vede come una metafora del nostro rapporto con la catastrofe, più spesso che non filtrato dalla sicurezza di un finestrino.

La nuova mostra di Aparicio da Jeffrey Deitch porta un frammento di Los Angeles a New York e illumina in particolare le sue ingiustizie infrastrutturali. Con nuovi lavori cuciti a mano, calchi di alberi della gomma, sculture in ambra e dipinti, tutti nati all’indomani degli incendi della città, l’artista guarda agli alberi, ai sistemi urbani, ai ricordi personali e alle forme totemiche per custodire le tracce di chi è venuto prima.

Al centro si innalza “Muñecas de transmisión”, la sua commissione del 2024 per Prospect.6. Bambole vestite con indumenti di famiglia formano tralicci per la trasmissione dell’elettricità. Inizialmente erano disposte pensando a North Hollywood, ma ora è impossibile non associarle ai tralicci dismessi che hanno per primi innescato gli incendi di Eaton.

Visitabile fino al 31 ottobre.

Jeffrey Deitch
18 Wooster St,
New York, NY 10013

The Anatomy of Every Setting Sun di Lee Bul da Hauser & Wirth

Concludiamo da Hauser & Wirth, a Chelsea, che funge anche da rampa di lancio nell’universo fantascientifico di Lee Bul. L’enorme dirigibile argentato, “Willing To Be Vulnerable—Metalized Balloon” (2015–2016/2020), è la cavalcatura. L’artista sudcoreana si è fatta conoscere negli anni Novanta con i suoi cyborg e da decenni esplora le tensioni tra utopia e distopia, tecnologia e fragilità dell’ambizione umana.

Alla sua prima mostra con la megagalleria da quando è entrata a far parte del suo roster lo scorso anno, Lee Bul presenta nuove opere di tre serie in corso: Untitled (Willing To Be Vulnerable – Velvet), Perdu, e CTCS. Su velluti ricchi, la madreperla disegna scene di fuga da paesaggi apocalittici esplosivi. Nella galleria d’ingresso occupano lo spazio sculture di cyborg in acciaio inossidabile alte oltre due metri, con le ali — o arti segmentati spezzati — spiegate. Esplorando la decadenza e il controllo, la sua ultima mostra ci offre una visione dell’umanità che tenta di avere la meglio sulla natura. All’improvviso, quel futuro un tempo lontano appare inquietantemente vicino.

Visitabile fino al 24 ottobre.

Hauser & Wirth
542 W 22nd St,
New York, NY 10011

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