Il meglio del Sundance 2026: la guida definitiva di Director Fits

Ho passato quattro giorni all’ultimo Sundance Film Festival di sempre a Park City, Utah, su invito dei fantastici ragazzi di Hypebeast. A inizio settimana abbiamo pubblicato un diario che racconta nel dettaglio la mia esperienza da debuttante al festival. È anche il primo anno senza il fondatore della manifestazione, Robert Redford, che ha battezzato l’evento prendendo il nome dal suo personaggio eponimo in Butch Cassidy and the Sundance Kid. La sua presenza ha sempre aleggiato in modo imponente sulla città, e così è stato anche quest’anno. Molti autisti Uber e volontari che ho incontrato lungo il percorso avevano aneddoti da raccontare su di lui. Ogni proiezione al Sundance iniziava con un sentito omaggio al suo fondatore.

Quando ho lanciato Director Fits solo pochi anni fa, non immaginavo che mi avrebbe portato in posti come questo. Non pensavo che mi sarei mai ritrovato in certe stanze. Guardare Entourage Stagione 2 Episodio 7, intitolato “The Sundance Kids”, era il massimo a cui pensavo sarei mai arrivato rispetto a questo posto. Non ero mai stato a un festival del cinema e, da lontano, mi sembravano eventi super glamour riservati a pochi eletti.

Per quanto questo possa essere in parte vero, il Sundance 2026 mi è sembrato più democratico sia nel pubblico sia nei film in concorso. Il direttore del festival, Eugene Hernandez, mi ha detto che il Sundance è un luogo che “guarda sempre avanti”. I miei film preferiti al festival sono stati un paio di capsule del tempo che conservano epoche culturali precise, il ritorno in grande stile di un leggendario autore degli anni ’90 e una commedia costellata di star firmata da un regista affermato. Quindi, suppongo che la mia esperienza a Park City abbia guardato più al passato che al futuro? Però credo che un film del regista esordiente nel lungometraggio, Rafael Manuel, smentisca quanto appena detto. Nei miei quattro giorni a Park City ho visto nove film. Eccone alcuni che mi sono rimasti davvero impressi.

The Best Summer
Regia di Tamra Davis

The Best Summer è una vera e propria gemma, in tutti i sensi. Nel momento peggiore degli incendi di LA, poco più di un anno fa, la regista Tamra Davis ha scoperto una scatola di nastri perduti nel garage della sua casa a Pacific Palisades mentre stava evacuando la zona. Nel 1995, poco dopo aver sposato Mike D dei Beastie Boys, la band era stata annunciata come headliner di un tour australiano con una line-up di gruppi stellare. Davis si unì al tour, portò con sé la videocamera e filmò praticamente tutto, dal super elettrizzante al super quotidiano. Arruolò Kathleen Hanna delle Bikini Kill per condurre interviste nel backstage, usando la stessa serie di domande per tutti i vari membri delle band in cartellone.

Adam Yauch si vede indossare la classica T-shirt con logo Supreme nel 1995, appena un anno dopo che James Jebbia aveva lanciato il brand. Assurdo. Beck viene ripreso mentre dichiara che il suo buon proposito per il nuovo anno è finalmente comprare un paio di shorts per la prima volta da quando aveva dieci anni. Ok? Dave Grohl indica sigarette e vino quando gli chiedono come riesca a esibirsi sul palco. E ricordiamoci che è solo un anno dopo la morte di Kurt Cobain: la ferita sembra ancora apertissima.

Tutto questo documentario sembra una raccolta di filmini di famiglia, solo che i membri della famiglia sono i Beastie Boys, i Sonic Youth, le Bikini Kill, i Foo Fighters, i Pavement e così via. Davis sceglie di mantenere tutte queste lunghe inquadrature traballanti invece di montarle in qualcosa di pulito e levigato. Il risultato è che ti sembra di essere lì, nella stanza con loro e in viaggio con la band: un plus che amplifica l’effetto di rara capsula del tempo. In generale, questo doc è pieno di momenti intimi e rarissimi di dietro le quinte.

In un’epoca in cui siamo abituati a vedere costantemente questo tipo di contenuti dei nostri artisti preferiti grazie alla diffusione di Instagram e TikTok, questo doc spicca perché ci permette di salire su una macchina del tempo e sbirciare dietro il sipario di alcuni dei nostri eroi musicali degli anni ’90. Vedi Ad-Rock che flirta con Kathleen Hanna nel backstage (i due si sarebbero sposati meno di dieci anni dopo) e ascolti Kim Gordon parlare del suo cibo preferito e del suo colore del cuore. È quasi un format di interviste “per strada” mescolato a quella cultura delle raccomandazioni che oggi invade i nostri feed… ma nel 1995. Non mi sorprenderei se prima o poi vedessimo l’account Instagram ufficiale di Coachella fare contenuti proprio così…

Filipiñana
Regia di Rafael Manuel

Rafael Manuel e il suo lungometraggio d’esordio Filipiñana sono stati due scoperte assolute per me. Arrivando al festival, volevo vedere cose che non erano minimamente sul mio radar. Quando è arrivato questo invito dal nulla, ho detto sì al volo per togliermi quella curiosità.

Il film sembra una grande metafora visiva di classe e genere nelle Filippine. È ambientato in un lussuoso campo da golf, che Manuel ha definito una nuova forma di sviluppo nel suo Paese in questo momento. È un film di finzione che segue una ragazza di nome Isabel, che si infatua del presidente del country club dove lavora, il dottor Palanca. Quando inizia a seguirlo per il resort, scopre qualcosa di sinistro che si nasconde sotto la superficie. Secondo il regista, a causa delle regole di distanziamento imposte durante la pandemia, la popolarità del golf è cresciuta in modo esponenziale e in alcuni casi a scapito di vite umane. Nel film, il campo da golf diventa un microcosmo delle dinamiche di classe e di genere in gioco nelle Filippine.

Nel Q&A dopo la proiezione, Manuel ha spiegato che il Paese è estremamente fertile dal punto di vista agricolo, ma i campi da golf sono un privilegio riservato a pochi ricchi: un contesto perfetto per esplorare le dinamiche di classe e di potere. C’era una netta dicotomia tra i dipendenti del resort, in particolare tra i caddie e il personale delle pulizie.

Filipiñana è un film che impone davvero la sua presenza. Ho amato le inquadrature fisse, quasi senza movimenti di macchina. Tutte le scelte sembrano estremamente consapevoli. È difficile credere che questo lungometraggio sia un esordio per il regista, l’attore protagonista, lo scenografo e il costume designer: il loro lavoro appare maturo e sicurissimo. È un’aggiunta importante al mondo dello slow cinema — ed è esattamente il tipo di scoperta che speravo di fare al festival.

Once Upon a Time in Harlem
Regia di William Greaves e David Greaves

Once Upon a Time in Harlem è una splendida capsula del tempo dedicata alla Harlem Renaissance. Nel 1972, William Greaves ha riunito alcuni pilastri della rinascita culturale di Harlem degli anni Venti e Trenta per una sorta di reunion nell’appartamento di Duke Ellington. Il figlio di William, David, ha completato il film circa un decennio dopo la morte del padre e a circa 60 anni di distanza da quel celebre incontro.

Il film è girato in modo tale da farti sentire un testimone silenzioso delle conversazioni alla migliore cena della storia. Luminari come Ernest Crichlow, Eubie Blake e Arna Bontemps ricordano i vecchi tempi e l’impatto lasciato dai loro contemporanei come W. E. B. Du Bois e Langston Hughes. È una cena che invidio profondamente. Immagina un gruppo di intellettuali che bevono, fumano, raccontano storie, suonano il piano, litigano, si trovano d’accordo, ridono. Non vorresti essere lì?

È stato anche, di gran lunga, il film meglio vestito che abbia visto al festival. Forse perché sono persone reali con i propri abiti? O forse perché negli anni ’70 ci si vestiva semplicemente meglio di oggi? La stanza è piena di completi incredibili con rever appuntiti e allungati, camicie fantasia con colletti esagerati, cravatte larghe e pantaloni morbidi. Abiti in pizzo elegantissimi e bigiotteria teatrale… Dobbiamo assolutamente riportare in auge questo livello di opulenza. Se riunissimo oggi le versioni contemporanee di queste figure e organizzassimo una cena con tutti loro, sarebbe visivamente così potente? Direi proprio di no.

The Invite
Regia di Olivia Wilde

Si dice che il film di Olivia Wilde, The Invite abbia scatenato una vecchia, classica guerra di offerte al Sundance tra gli studios dopo la sua premiere a inizio festival. Per quanto ne so, è qualcosa che non succede spesso nelle edizioni più recenti del Sundance. Le offerte sono andate avanti per circa 72 ore e hanno portato a un’acquisizione da 15 milioni di dollari da parte di A24. L’attenzione che il film ha suscitato nelle discussioni online e nel podcast di Matt Belloni, The Town , mi ha fatto pensare che fosse un titolo imprescindibile al festival. Tuttavia, il pubblico del Sundance ha la reputazione di montare molto la febbre attorno ai film durante la loro corsa al festival, salvo poi vedere quell’hype sgonfiarsi, talvolta, al momento dell’uscita per il grande pubblico.

The Invite ha regalato alcune delle risate più fragorose che abbia sentito al festival. In certi momenti il pubblico rideva così forte che non riuscivo a sentire le battute successive. Il film richiama in qualche modo le divertenti sex-comedies degli anni ’60 e a tratti mi ha ricordato il classico di Mike Nichols, Carnal Knowledge. I titoli di testa sono divertentissimi e suonano chiaramente come un omaggio alla sequenza originale di Thomas Crowne Affair . Ma il film prende le scappatelle sexy di un tempo e aggiorna la narrazione per allinearla allo zeitgeist sessuale del XXI secolo.

La trama segue una coppia rigida e ingessata (Seth Rogen e Olivia Wilde) che invita a cena i loro vicini più rilassati (Penelope Cruz ed Edward Norton). I personaggi di Rogen e Wilde litigano a ogni minimo errore, mentre quelli di Cruz e Norton funzionano come perfetti contraltari. Il film prende una piega folle quando i personaggi di Cruz e Norton iniziano a raccontare la loro relazione non monogama e le loro esperienze di sesso di gruppo, stuzzicando la curiosità della coppia Rogen–Wilde.

The Invite è divertente, finché non lo è più. Gran parte delle risate nasce dalla tensione tra i personaggi di Rogen e Wilde, che sembrano aver smesso di comunicare (e di fare sesso) da tempo. È come se vivessero in due realtà separate e all’inizio questo funziona in chiave comica. Ma avvicinandoci alla fine, i due capiscono che il loro capitolo come coppia sposata è destinato a chiudersi con un divorzio, dando vita a una scena finale decisamente amara — accompagnata da un malinconico tema per pianoforte firmato Dev Hynes.

Altri highlight: la colonna sonora originale firmata dal frontman di Blood Orange amplifica e drammatizza la storia, ma aggiunge anche una nota camp che mantiene il tutto leggero. È un film perfetto da vedere con un pubblico partecipe. Capisco perché gli studios abbiano sentito il bisogno di contenderselo. Probabilmente è il titolo più mainstream e “audience-driven” che abbia visto durante il mio Sundance di quest’anno. Sono certo che A24 fiuti un altro successo al botteghino in chiave romantic comedy, come quello ottenuto con Materialists la scorsa estate. Scommetterei che ci vedono giusto.

I Want Your Sex
Regia di Gregg Araki

Il tanto atteso ritorno di Gregg Araki sul grande schermo è finalmente arrivato! I Want Your Sex è il primo film del regista di culto dopo oltre un decennio. È stato di gran lunga il mio titolo preferito del festival, e non solo perché sono un fan sfegatato di Araki. È puro divertimento, senza un attimo di tregua. È intrattenimento allo stato puro. E in più è costellato, battuta dopo battuta, di gag spinte e sboccate.

I film di Gregg Araki sono sempre un banchetto per gli occhi in termini di estetica. L’uomo ha un gusto incredibile. È famoso per la sua scenografia elaborata e sopra le righe. Gli interni di The Doom Generation e Nowhere sembrano usciti direttamente da una campagna moda degli anni ’90. I Want Your Sex in un certo senso torna a quella cifra stilistica, ma con un leggero twist allo specchio storto in chiave Gen Z. Ho sempre amato l’attenzione al dettaglio dei costumi nei suoi film. Araki è un nerd del punk e i suoi film sfoggiano sempre le migliori graphic tee. Qui vediamo Cooper Hoffman con una T-shirt dei Sonic Youth e Chase Sui Wonders con una tee di Spahn’s Movie Ranch.

A proposito di Cooper Hoffman: è una stella in piena formazione. Sia lui sia Olivia Wilde offrono una performance davvero coraggiosa. Capirai cosa intendo quando lo vedrai. Wilde e Hoffman interpretano una relazione dom/sub che finisce per esplodere in faccia a entrambi e stravolgere le loro vite. La palette cromatica è incredibilmente fresca per un film contemporaneo: niente grigi spenti e toni smorzati. Solo verdi, rosa, blu accesi, ovunque. Assistere a una scena come Cooper Hoffman in reggiseno e mutandine, che gattona per la stanza a quattro zampe mentre Olivia Wilde, in lingerie femdom, gli abbassa le mutande per umiliarlo e sculacciargli il sedere nudo non è certo il tipo di spettacolo che ti capita spesso di vedere in una sala gremita. Il pubblico era elettrico, tra risate e sussulti. Sembrava di essere a un concerto.

I Want Your Sex è quel tipo di film indipendente e autoriale che sembra provenire dai giorni gloriosi del Sundance di un tempo. È sboccato, controverso e destinato a mettere a disagio più di qualcuno. È bello vedere che un film di Gregg Araki riesca ancora oggi a ottenere finanziamenti e a trovare casa qui al festival. È esattamente il tipo di opera per cui sono venuto. Peccato che, al momento in cui scrivo, non sia ancora stato acquisito da alcuno studio o distributore.

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