Anne-Laure Lemaitre veut donner plus d’espace à l’art
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Résumé
'State of Art' est une nouvelle série HypeArt qui invite artistes, curateurs, collectionneurs et autres voix de premier plan à prendre position sur les idées, les débats et les mutations culturelles qui façonnent l’art contemporain. À travers des questions intimistes et des recommandations personnelles, la série offre un regard privilégié sur ce qui électrise le monde de l’art, ce qui doit évoluer et la direction que la scène pourrait prendre demain.
Anne-Laure Lemaitre s’intéresse depuis longtemps à ce qui se produit lorsque l’on donne davantage d’espace à l’art pour se déployer.
Installée à New York, la curatrice se spécialise dans les projets in situ de grande envergure. Elle partage son temps entre des missions de conseil auprès de clients variés, dont des entreprises du Fortune 500, et la direction de programmes curatoriaux consacrés aux artistes émergents. Plutôt que de considérer l’architecture comme un simple décor, son travail s’intéresse souvent à la façon dont une œuvre peut répondre à l’espace qui l’entoure, l’occuper et le transformer.
Il n’est donc pas surprenant que deux des expositions qui l’ont le plus marquée cette année se soient tenues bien loin du modèle traditionnel de la galerie. L’une s’est déployée dans des bureaux inoccupés à Brooklyn, l’autre a investi six étages d’un immeuble à Jersey City. Pour Lemaitre, leur intérêt ne tenait pas seulement à leur ampleur, mais aussi à l’ambition qui les portait : des projets curatoriaux indépendants qui investissent des espaces sous-exploités pour y créer quelque chose de rigoureux, d’inattendu et de vivant.
Ce même goût pour des pratiques qui s’affranchissent des formats familiers irrigue sa lecture du monde de l’art en 2026. Elle y voit un secteur en transition, mais aussi peuplé d’artistes et d’organisateurs qui expérimentent de nouvelles manières de travailler, de se réunir et de toucher les publics.
Pour cette nouvelle édition de State of Art, Lemaitre revient sur les expositions qui continuent de l’habiter, sur l’envoûtante « Amphibian Palm » de Lesley-Anne Cao, sur les artistes qu’elle inviterait à dîner et sur les raisons pour lesquelles elle attribue un B moins au monde de l’art.
‘wework (oralmoral),’ The Gallery, Brooklyn, 2026. Courtesy The Gallery. Photo: Anna K.e.
‘wework (oralmoral),’ The Gallery, Brooklyn, 2026. Courtesy The Gallery. Photo: Anna K.e.
‘wework (oralmoral),’ The Gallery, Brooklyn, 2026. Courtesy The Gallery. Photo: Anna K.e.
‘wework (oralmoral),’ The Gallery, Brooklyn, 2026. Courtesy The Gallery. Photo: Anna K.e.
‘wework (oralmoral),’ The Gallery, Brooklyn, 2026. Courtesy The Gallery. Photo: Anna K.e.
Quelle exposition de la première moitié de l’année ne cessez-vous de vous repasser en tête ?
Il y en a plusieurs, mais j’en citerai deux. Elles sont très différentes, mais reposent sur un principe similaire.
La première serait The Gallery’s WeWork (oralmoral), une exposition collective évolutive conçue par Florian Meisenberg dans des bureaux inoccupés à Brooklyn. Elle présentait des œuvres pensées pour le lieu, réalisées par de nombreux artistes que je respecte et adore, parmi lesquels Cato Ouyang, Craig Jun Lee, Kyle Clairmont Jacques, Shaina Tabak, Brian Oakes, Anna K.E., Fin Simonetti et Pol Morton. L’espace mettait également gratuitement un lieu de coworking quotidien à la disposition des artistes, tout en proposant sur place une programmation riche, approfondie et pertinente.
La seconde est Six Artists. Six Floors. Six Solo Exhibitions., un projet de Gladwell Projects qui a investi six étages d’un immeuble à Jersey City pour y présenter les expositions personnelles de Chunghee Yunm, Vamba Bility, Lisu Vega, Trevor Warren, Purvai Rai et Chiffon Thomas, qui est l’un de mes artistes favoris. La qualité de l’exposition rivalisait avec ce que l’on peut voir dans les grandes institutions. Je suis vraiment admirative de ce que Christina Ine-Kimba Boyle a organisé seule.
L’ampleur de ces deux projets était particulièrement impressionnante. Tous deux ont investi des espaces vacants pour y présenter des propositions curatoriales exigeantes, incisives et portées par une vision, d’une fraîcheur saisissante dans un monde de l’art que chacun semble persuadé de voir en crise.
Une œuvre vous a-t-elle réellement fait ressentir quelque chose cette année, ou tout vous a-t-il semblé un peu plat ?
Je dirais que « Amphibian Palm » de Lesley-Anne Cao m’a profondément marquée. L’œuvre présente une série de « livres » placés dans des cuves d’eau, dont les pages se tournent au hasard sous l’eau.
C’est une œuvre visuellement saisissante et troublante, qui évoque de multiples réflexions sur l’accessibilité, le savoir, les biais et la présence. Très conceptuelle, elle reste pourtant hypnotique et émouvante. Lesley-Anne est de ces artistes qui me donnent envie de retomber amoureuse de l’art.
J’en ai d’abord vu une version aux Philippines, lors d’une foire, avant d’en présenter une autre déclinaison chez THIRD BORN, à Mexico, au début de l’été.
‘amphibian Palm’ by Lesley Anne Cao, Images Courtesy Of Third Born Photo by Asistenciaartistica
‘amphibian Palm’ by Lesley Anne Cao, Images Courtesy Of Third Born Photo by Asistenciaartistica
‘amphibian Palm’ by Lesley Anne Cao, Images Courtesy Of Third Born Photo by Asistenciaartistica
‘amphibian Palm’ by Lesley Anne Cao, Images Courtesy Of Third Born Photo by Asistenciaartistica
« J’aimerais voir davantage de soutien concret et direct pour les initiatives, portées ou non par des artistes, qui cherchent de nouvelles manières d’exister et de nouer un lien avec leur public dans le contexte général qui est le nôtre aujourd’hui. »
Quelle exposition avez-vous inscrite à votre agenda pour le reste de l’année, et pourquoi ?
En général, je ne prévois pas trop à l’avance ce que je vais voir, ni pour quelle raison. J’ai tendance à être très impulsive et à m’organiser au fur et à mesure.
Si vous deviez attribuer une note au monde de l’art en 2026 dès aujourd’hui, laquelle lui donneriez-vous, et pourquoi ?
Probablement un B moins. Je vois tant d’émulation que je suis impatiente de voir se déployer, mais je comprends aussi qu’il s’agit d’une phase de transition, avec son lot de difficultés d’adaptation et de confusion.
Quelle tendance de la scène artistique aimeriez-vous voir disparaître, et laquelle souhaiteriez-vous voir davantage ?
J’aimerais que les commentaires et analyses sur l’état du monde de l’art, ses mutations et ce qu’elles pourraient signifier occupent moins les conversations sur l’art en général.
J’aimerais plutôt voir davantage de soutien concret et direct pour les initiatives, portées ou non par des artistes, qui cherchent de nouvelles manières d’exister et de nouer un lien avec leur public dans le contexte général qui est le nôtre aujourd’hui.
Si vous deviez résumer le monde de l’art aujourd’hui en exactement trois mots, lesquels choisiriez-vous ?
En mutation. Stimulant. Exigeant.
Si vous pouviez prendre un verre ou dîner ce soir avec n’importe quel artiste, vivant ou mort, qui choisiriez-vous et quelle serait votre première question ?
Cela change un peu tous les jours. La semaine dernière, j’aurais dit Öyvind Fahlström et je lui aurais demandé comment il insuffle la critique politique et la subversion à sa pratique.
Avant cela, cela aurait pu être Derek Jarman, Ana Mendieta, Artemisia Gentileschi, Hélio Oiticica, Nam June Paik ou tant d’autres.
Parmi les artistes vivants, David Hammons, Rossella Biscotti, Emeka Ogboh ou peut-être, aujourd’hui, Francis Alÿs. Je lui demanderais comment il est parvenu, encore et encore, à créer avec une telle magie, à partir de gestes simples, des espaces d’attention et d’émotion aussi puissants.
