Ausstellungsführer zur Armory Art Week 2026 in New York City

Die Auszeiten Ende August sind offiziell vorbei, und der kunstaffine Zustrom von außerhalb bedeutet für New York nur eines: Die Herbstsaison hat begonnen. Die Vorfreude auf die Armory Show 2026 ist bereits deutlich spürbar, und die Galerien stehen bereit, die sommerliche Flaute abzuschütteln und bei den Messen wie auch darüber hinaus ihr Bestes zu zeigen.

Der Herbstmesse-Zyklus beginnt etwas später als in den Vorjahren: Er wurde ans Monatsende verlegt, um die übliche Überschneidung mit der Fashion Week und den US Open zu vermeiden und nach der Frieze Seoul eine Verschnaufpause zu ermöglichen. Verschlafen war der September deshalb aber keineswegs.

Im Vorfeld der fünf wichtigsten Veranstaltungen – The Armory, Independent 20th Century, SPRING/BREAK, U-Haul Art Fair und der Printed Matter Book Fair – hat sich bereits eine bemerkenswerte Reihe von Galerieeröffnungen und großen Museumsausstellungen etabliert; einige weitere Schwergewichte stehen schon in den Startlöchern. Wir haben uns in der Stadt umgesehen und neun Ausstellungen zusammengestellt, die man nicht verpassen sollte. Anders als die Messen laufen sie noch bis weit in den nächsten Monat hinein. Also: losgehen, nicht rennen.

**Lynda Benglis’ KNOTTING, TYING, FOLDING in der Pace Gallery**

Ausstellungsführer zur Armory Art Week 2026: Kunstwerke in New York City

Mit der Fashion Week im Kopf ist ein Besuch von Lynda Benglis’ Wandarbeiten ein Muss. Schließlich inspirierten Werke wie „Toyopet Crown“ (1989) und „Vega“ (1982) Jonathan Andersons Couture-Debüt für Dior im Januar: Über den Laufsteg kamen modische Interpretationen der Metallfalten der Künstlerin.

Diesen spielerischen, furchtlosen Geist verfolgt Benglis bereits seit den 1960er-Jahren. Im Umfeld des Postminimalismus trat sie mit ihren Wachsbildern auf den Plan. Gedämpfte Farbpaletten tauschte sie gegen leuchtende Farben und sinnliche Oberflächen. Die laufende Ausstellung in der Pace Gallery in Chelsea versammelt Skulpturen aus den vergangenen fünf Jahrzehnten und zeigt ihre unermüdliche Neugier auf materialbezogene Experimente. Von ihrem frühen „Sparkle Knot IV“ (1972) bis zu „Elephant Necklace“ (2017) ist sie eine Meisterklasse dessen, was Benglis die „Extreme von Farbgebung und Textur“ nennt.

Noch bis zum 24. Oktober zu sehen.

Pace Gallery
540 W 25th St,
New York, NY 10001

**Joseph Yaegers Agita in der Gladstone Gallery**

Ein Gemälde von Joseph Yaeger zu betrachten, ist, als käme man mitten in einen Film hinein. Seine anonymisierten, angeschnittenen Figuren sind von ihrem ursprünglichen Kontext entrückt. Dennoch bleibt die Anteilnahme an ihrem erschrockenen, oft gedämpften Leid bestehen. Sie hält einen fest.

Agita präsentiert eine neue Werkgruppe des gefeierten Malers, der seine Arbeiten durch Vorstellungen von Privatsphäre und Begehren filtert. Aquarelle auf grundierter Leinwand treten leuchtend hervor, wenn auch in samtigen, gedämpften Tönen. Die Spannung entsteht nicht aus dem, was still ist, sondern aus dem, was zum Schweigen gebracht wird – wie eine so erfolgreich verdrängte Erinnerung, dass sie kaum noch erreichbar ist.

Noch bis zum 31. Oktober zu sehen.

Gladstone Gallery
515 W 24th St,
New York, NY 10011

**Alix Vernets Landmarks bei Chapter NY**

In den Skulpturen aus Kondensatorschlangen von Alix Vernet wird ein Spracharchiv – gewonnen aus Schildern, aufgeschnappten Begegnungen und Denkmälern – als reinigende Kraft behandelt. Die aus Klimaanlagen entnommenen Aluminiumlamellen werden zu üppig geschwungenen Wörtern gebürstet. Damit richtet die Künstlerin den kritischen Blick auf unscheinbare Aspekte industrieller Infrastruktur, etwa auf diese Instanzen für Luft und Komfort.

Die Arbeiten entstanden aus der Zeit, in der die Künstlerin, auf Feuertreppen sitzend, Fassaden und Schriftzeichen abformte. Sie interessierte sich zunehmend für die Rückseiten von Klimageräten, auf denen sich Staub, Feuchtigkeit, Oxidation, Wartungsspuren und die Einwirkung vieler Jahre sammelten – und so das Leben der Stadt dokumentierten.

Maschinenteile, die nicht nur übersehen werden, sondern gar nicht sichtbar sein sollen, werden mit so zärtlichen Worten wie „baby“ oder „boy“ vollendet. Grundlegende Elemente städtischer Ökosysteme gewinnen dadurch einen fragileren Charakter. Ob Beschädigungen beabsichtigt oder zufällig sind, lässt sich kaum noch erkennen. Ohne dies allzu wörtlich auszusprechen, tragen die Skulpturen die Spannung steigender Temperaturen und klimapolitischer Debatten in sich.

Noch bis zum 17. Oktober zu sehen.

Chapter NY
60 Walker St,
New York, NY 10013

**Arthur Jafas I Am Tony im New Museum**

Eine unserer mit größter Spannung erwarteten Museumsausstellungen: Arthur Jafas Übernahme des New Museum enttäuscht nicht. Laut Museum ist es die erste Schau, die „die ganze Bandbreite seiner Praxis“ abbildet. Zu sehen sind mehr als drei Jahrzehnte Malerei, großformatige Video- und Filminstallationen, Skulpturen und Archivobjekte, getragen von seinen wohl bekanntesten Arbeiten Love is the Message, The Message is Death (2016) und The White Album (2018).

Jafa widmet sich seit Beginn seiner Karriere den vielen Facetten des Lebens schwarzer Amerikaner:innen. Ob Musik, Klassiker des Films, Comicfiguren oder sogar TikToks: Seine Arbeiten richten einen unbestechlichen Blick sowohl auf die verstörende Geschichte eines Landes als auch auf unsere gegenwärtige Obsession mit „Content“. Sie fordern dazu auf, sich damit auseinanderzusetzen und es zu verarbeiten – noch lange, nachdem man das Museum verlassen hat.

Noch bis zum 3. Januar 2027 zu sehen.

New Museum
235 Bowery,
New York, NY 10002

**Asher Liftins Recent Works bei 125 Newbury**

Blickt man an der Ecke Canal und Walker in 125 Newbury hinein, wirken die Arbeiten von Asher Liftin wie pointillistische Fotografien: körnige Momentaufnahmen von Passant:innen in Fensterspiegelungen, ein Blumenstrauß und eine Herde fahrender Züge. Aus der Nähe beginnen Punkte und Linien zu tropfen und zu zittern, als stünden sie bisweilen kurz vor dem Platzen – ein Hinweis auf die akribische Handschrift des Künstlers.

Ein Werk von Liftin ist immer unverkennbar sein eigenes. Nach seinem Abschluss an der Yale University in Kunst und Kognitionswissenschaft zeigt sich in jeder Zeichnung und jedem Gemälde seine Verbindung von Bilderzeugung und Bildverarbeitung – eine optische Täuschung. Diese programmatisch jüngsten Arbeiten lenken den Blick nicht nur auf Alltagsmomente, sondern begegnen ihnen auch mit großer Fürsorge. Jedes einzelne verdient gut zehn Minuten, um es einfach zu bestaunen.

Noch bis zum 31. Oktober zu sehen.

125 Newbury
395 Broadway,
New York, NY 10013

**Taryn Simons Father Country, I Do Love You im Solomon R. Guggenheim Museum**

Mit den Worten von Taryn Simons Vater: „Amerika ist die beste Geschichte der Welt – wenn man nur jemanden findet, der sie erzählt.“ Und mitten in einem ziemlich chaotischen 250. Jubiläumsjahr: Wann könnte Father Country, I Do Love You besser passen?

Simon zeichnet das Leben eines namenlosen Bundesagenten nach. In 42 Kapitel und 42 verschiedene Farben gegliedert, nutzt sie Fotografie, Installation, Skulptur und Video, um Verschwörungen wachzurufen und kopfüber in die seltsamen Winkel des amerikanischen Lebens einzutauchen. Sie folgt dem Agenten durch Hingabe, Gewalt und Verlust. So konzeptuell ihre Arbeit auch ist, abstrakt bleibt sie nicht: Jede Arbeit geht auf eine ganz bestimmte Person, ein Zeugnis oder einen historischen Moment zurück, wie die Wandtexte erläutern.

Bis auf „Kleroterion“ (2024) sind alle Arbeiten neu. Die Ausstellung ist zudem zutiefst persönlich. Sie ist ihrem Vater gewidmet, einem ehemaligen Staatsbediensteten, der später Flipperautomaten verkaufte, und ihre Struktur erinnert an seinen Kampf mit Alzheimer. Das größte Werk ist tatsächlich eine Billardbahn, die sich durch die gesamte Rotunde schlängelt.

Noch bis zum 14. März 2027 zu sehen.

Solomon R. Guggenheim Museum
1071 5th Ave,
New York, NY 10128

**Gordon Parks’ Voices in the Mirror in der Jack Shainman Gallery**

Gordon Parks zählt zu den bedeutendsten amerikanischen Fotografen. Seine Kunst prägt bis heute, wie wir über Geschichte sprechen, weil sie den Innenwelten jener Menschen Vorrang gibt, die sie erlebt haben. „Ich erkannte, dass die Kamera eine Waffe gegen Armut, gegen Rassismus, gegen jede Art von sozialem Unrecht sein konnte“, sagte er einmal. „Da wusste ich, dass ich eine Kamera haben musste.“

Die nach ihm benannte Stiftung des Künstlers feiert ihr 20-jähriges Bestehen mit einer monumentalen Ausstellung im Tribeca-Standort von Jack Shainman, die 65 seiner ikonischsten Bilder zeigt. Den Ton geben Parks’ eindringliche Porträts von Muhammad Ali an, die in Life als Serie unter dem Titel „The Redemption of the Champion“ erschienen. Die Ausstellung fängt den anhaltenden Kampf um Gleichheit und die Schönheit schwarzen amerikanischen Lebens ein, insbesondere im Süden, und ist durchzogen von Beiträgen seiner Porträtierten, von Ava DuVernay, Thelma Golden und weiteren.

Noch bis zum 6. November zu sehen.

Jack Shainman
46 Lafayette St,
New York, NY 10013

**Eddie R. Aparicios Rubberneckers bei Jeffrey Deitch**

„Rubberneck“ bezeichnet den Stau auf der Autobahn, der entsteht, wenn auf der Gegenseite ein Auto verunglückt. Eddie R. Aparicio, ein gebürtiger Angeleno, versteht darin eine Metapher für unseren Umgang mit Katastrophen, die wir meist durch die Sicherheit einer Glasscheibe vermittelt erleben.

Aparicios neue Ausstellung bei Jeffrey Deitch bringt ein Stück Los Angeles nach New York und lenkt besonders den Blick auf die infrastrukturelle Ungerechtigkeit der Stadt. Mit neuen handgenähten Arbeiten, Abgüssen von Gummibäumen, Bernsteinskulpturen und Gemälden, die sämtlich nach den Bränden der Stadt entstanden sind, sucht der Künstler in Bäumen, urbanen Systemen, persönlichen Erinnerungsstücken und totemhaften Formen nach Spuren derer, die vor ihm da waren.

Im Zentrum erhebt sich „Muñecas de transmisión“, seine Auftragsarbeit für Prospect.6 aus dem Jahr 2024. Aus Puppen in Kleidern seiner Familie entstehen Strommasten. Zunächst waren sie nach North Hollywood ausgerichtet; jetzt erinnern sie unweigerlich an die stillgelegten Masten, die die Eaton-Brände auslösten.

Noch bis zum 31. Oktober zu sehen.

Jeffrey Deitch
18 Wooster St,
New York, NY 10013

**Lee Buls The Anatomy of Every Setting Sun bei Hauser & Wirth**

Zum Schluss geht es zu Hauser & Wirth in Chelsea, das zugleich als Startrampe in Lee Buls Science-Fiction-Universum dient. Das riesige silberne Luftschiff „Willing To Be Vulnerable—Metalized Balloon“ (2015–2016/2020) ist das Gefährt. Die südkoreanische Künstlerin wurde in den 1990er-Jahren mit ihren Cyborgs bekannt und beschäftigt sich seit Jahrzehnten mit den Spannungen zwischen Utopie und Dystopie, Technologie und der Fragilität menschlichen Ehrgeizes.

Die Ausstellung ist ihre erste bei der Megagalerie, seit sie im vergangenen Jahr von ihr unter Vertrag genommen wurde, und präsentiert neue Arbeiten aus drei fortlaufenden Serien: Untitled (Willing To Be Vulnerable – Velvet), Perdu und CTCS. Szenen der Flucht aus explosiven apokalyptischen Landschaften sind in Perlmutt auf kostbaren Samt gearbeitet. Sieben Fuß hohe Cyborg-Skulpturen aus Edelstahl füllen die vordere Galerie, ihre Flügel – oder gebrochenen, segmentierten Gliedmaßen – weit ausgestreckt. Ihre jüngste Ausstellung erkundet Verfall und Kontrolle und entwirft eine Vision der Menschheit, die versucht, die Natur auszutricksen. Plötzlich fühlt sich ihre einst ferne Zukunft beunruhigend nah an.

Noch bis zum 24. Oktober zu sehen.

Hauser & Wirth
542 W 22nd St,
New York, NY 10011

9 Kunstausstellungen, die Sie während der Armory Week 2026 sehen sollten

**Lynda Benglis’ KNOTTING, TYING, FOLDING in der Pace Gallery**

**Joseph Yaegers Agita in der Gladstone Gallery**

**Alix Vernets Landmarks bei Chapter NY**

**Arthur Jafas I Am Tony im New Museum**

**Asher Liftins Recent Works bei 125 Newbury**

**Taryn Simons Father Country, I Do Love You im Solomon R. Guggenheim Museum**

**Gordon Parks’ Voices in the Mirror in der Jack Shainman Gallery**

**Eddie R. Aparicios Rubberneckers bei Jeffrey Deitch**

**Lee Buls The Anatomy of Every Setting Sun bei Hauser & Wirth**

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