Zusammenfassung

Entdecke jeden Serpentine Pavilion von 2000 bis heute – von Zaha Hadid bis Lanza Atelier. Eine chronologische Übersicht aller realisierten und nicht realisierten Pavillons mit Hintergrundinfos zu Architektinnen und Architekten.

In gewisser Weise ist der Serpentine Pavilion die architektonische Version eines Limited Release. Jedes Jahr übernimmt ein Architekt oder eine Architektin, der oder die noch nie im Vereinigten Königreich gebaut hat, einen Auftrag – was bedeutet, dass jede Ausgabe per Definition ein UK‑Debüt ist.

Die Struktur wird im Juni auf dem Rasen der Kensington Gardens errichtet, bleibt bis Oktober stehen, wird dann verkauft und verschwindet. Diese bewusst inszenierte Knappheit hat ihn zur Kultadresse gemacht – fast so, als entspräche die begrenzte Standzeit des Pavillons einem exakt getakteten Verkaufsfenster.

Seit 2000 wurden 25 Ausgaben des Serpentine Pavilion in Auftrag gegeben – eine blieb unrealisiert, und ein Jahr ging in der Pandemie verloren. Die übrigen stehen heute irgendwo auf einem privaten Anwesen, einem Campus oder in einem Museumsgarten.

Die aktuellste stammt vom in Mexico City ansässigen Lanza Atelier, der seinen Pavillon Anfang dieses Monats eröffnete und uns dazu brachte, wieder im Archiv zu stöbern. Hier finden Sie alle Pavillons – vergangene und aktuelle.

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Zaha Hadid, 2000

Das Programm begann mit einem ganz pragmatischen Problem: Die Serpentine brauchte eine Struktur, um ihr Benefizdinner zum 30‑jährigen Bestehen auszurichten, und bat Hadid um einen Entwurf. Heraus kam ein 600 Quadratmeter großes Stahl‑Aluminium‑Dach mit triangulierter Dachfläche, die sich in scharfkantige geometrische Ebenen auf verschiedenen Höhen und Winkeln auffächerte.

Es war Hadids erstes realisiertes Projekt im Vereinigten Königreich und wurde in nur sechs Wochen gebaut. Die Regel, dass jeder weitere Pavillon zugleich das UK‑Debüt der jeweiligen Architektin oder des jeweiligen Architekten sein würde, nahm hier – beinahe zufällig – ihren Anfang.

Daniel Libeskind, 2001

Libeskinds Pavillon mit dem Titel „Eighteen Turns“ bestand aus einer Abfolge hauchdünner Metallflächen, die in einer origamiartigen Sequenz ineinander gefaltet waren. Wenn Besucherinnen und Besucher sich durch die Struktur bewegten, drückten die schräg gestellten Paneele den Raum zusammen oder öffneten ihn, sodass sich aus jeder Richtung ein anderes Raumgefühl ergab.

Toyo Ito mit Cecil Balmond, 2002

Ito und Ingenieur Cecil Balmond entwickelten die Form des Pavillons mithilfe eines Algorithmus, der auf einen rotierenden Würfel angewendet wurde. Das Ergebnis war eine Hülle aus Stahl und Glas, zusammengesetzt aus dreieckigen Paneelen, die das Licht zu jeder Stunde des Tages anders einfingen.

Oscar Niemeyer, 2003

Niemeyer, damals 95, entwarf einen klaren weißen Betonbau, der auf einer einzigen zentralen Säule 1,5 Meter über dem Boden schwebte und über eine lange, geschwungene Rampe sowie eine Treppe erschlossen wurde. Die erhöhte Form schuf darunter einen schattigen Außenraum und darüber einen schlichten, offenen Saal – ganz im Sinne jener Formensprache, die Niemeyer seit den 1940er‑Jahren entwickelt hatte.

MVRDV (ungebaut), 2004

Das niederländische Büro MVRDV erhielt den Auftrag, doch ihr Entwurf – eine große, bergartige Struktur, die sich mehrere Meter über den Rasen erhob – ließ sich weder im vorgegebenen Budget noch im sechsmonatigen Bauzeitfenster realisieren. Es ist bis heute der einzige Auftrag in der Geschichte des Pavillons, der nie gebaut wurde.

Álvaro Siza & Eduardo Souto de Moura, 2005

Die beiden portugiesischen Architekten legten dem Pavillon ein rechteckiges Raster zugrunde, das sie zunehmend bogen und verzerrten, bis daraus eine geschwungene, wellenartige Holzstruktur entstand. Die sich überlagernden Balken kreuzten sich in unterschiedlichen Winkeln und bildeten eine gitterartige Decke, die das Licht filterte und dem Grundriss je nach Bereich einen eigenen Charakter gab. Der Entwurf verstand sich als direkte Antwort auf das neoklassizistische Gebäude der Serpentine Gallery nebenan.

Rem Koolhaas mit Cecil Balmond, 2006

Dieser Pavillon bestand aus zwei Teilen: einem kreisrunden Raum auf Bodenniveau mit Wänden aus Polykarbonat und einem großen, aufblasbaren, eiförmigen Baldachin darüber, der angehoben werden konnte, um über dem Raum zu schweben, oder abgesenkt, um ihn vollständig zu schließen. Nachts wurde die Hülle von innen beleuchtet, und Koolhaas nutzte den Pavillon für durchgehende 24‑Stunden‑Interviewprogramme mit Künstlerinnen und Künstlern, Politikerinnen und Politikern sowie Architektinnen und Architekten.

Olafur Eliasson & Kjetil Thorsen, 2007

Eliasson und Thorsen errichteten eine breite hölzerne Spirale, die sich vom Boden zu einer rund sechs Meter hohen Plattform hinaufschraubte und der Struktur von außen eine rotierende, gyroskopartige Anmutung verlieh. Wer bis ganz nach oben stieg, blickte hinunter auf die Serpentine Gallery, die unter ihnen gerahmt lag – ein Rollentausch, der das übliche Verhältnis von Gebäude und Pavillon buchstäblich auf den Kopf stellte.

Frank Gehry, 2008

Gehrys Pavillon war eine Konstruktion aus Holz und Stahl mit großflächigen, überlappenden Dachscheiben auf unterschiedlichen Höhen und in unregelmäßigen Winkeln, getragen von einem sichtbaren Stahlrahmen. An einem Ende sorgte ein gebogenes, hölzernes Reflexionspaneel für optimierte Akustik beim abendlichen Konzertprogramm. Obwohl Gehry bereits seit Jahrzehnten zu den produktivsten Architekten zählt, war dies sein erstes fertiggestelltes Gebäude in England.

SANAA, 2009

SANAA setzten mit ihrem Pavillon ganz auf Ruhe und Reduktion: Sie entwarfen ein einziges großes Aluminiumdach, das auf Hochglanz poliert war und beim Vorübergehen Park und Himmel über den Köpfen der Besucherinnen und Besucher spiegelte. Getragen wurde die Dachfläche von schlanken Stahlstützen ohne erkennbares Raster; der Pavillon war zu allen Seiten offen, ohne jede schließende Wand.

Jean Nouvel, 2010

Nouvel tauchte den gesamten Pavillon in ein einziges, sattes Rot – inspiriert, wie er sagte, von Londons roten Bussen und Telefonzellen – und komponierte ihn aus auskragenden Dachflächen, unterschiedlich hohen Stützen sowie Wänden und einem Dach aus rotem Glas. Der Farbton setzte sich scharf vom Grün der Kensington Gardens ab und machte den Bau bis weit über den Park hinweg sichtbar.

Peter Zumthor mit Piet Oudolf, 2011

Zumthors Pavillon „A Garden in a Garden“ war ein dunkler, rechteckiger Holzbau, der in seinem Inneren einen hellen, offenen Garten umschloss. Besucherinnen und Besucher betraten ihn durch einen schmalen Spalt in der Außenwand, durchquerten einen dunklen, überdachten Korridor und traten schließlich in einen üppigen Innenhof hinaus, den Gartengestalter Piet Oudolf mit einer dichten Mischung aus Stauden und Gräsern bepflanzt hatte – ein Setting, das sich über den Sommer hinweg veränderte, wenn unterschiedliche Arten in Blüte standen.

Herzog & de Meuron & Ai Weiwei, 2012

Statt in die Höhe zu bauen, gruben Herzog & de Meuron und Ai Weiwei in das Gelände hinein, legten Teile des Rasens frei, um die darunterliegenden Bodenschichten sichtbar zu machen, und offenbarten die verdichteten Fundamente aller früheren Pavillons. Zwölf Stahlsäulen stiegen aus dem ausgehobenen Boden empor – eine für jede vergangene Ausgabe – und trugen ein flaches, kreisrundes Dach auf Augenhöhe. So entstand ein halb unterirdischer Raum, in dem die Geschichte des Programms körperlich erfahrbar wurde.

Sou Fujimoto, 2013

Fujimotos Pavillon war ein wolkenartiges Geflecht aus dünnen, weißen Stahlstäben, jeder in etwa fingerdick. Die Struktur war aus jeder Perspektive durchlässig, ohne Wände oder klar definiertes Inneres, und lief zu den Rändern hin aus und wurde immer filigraner – sodass sie eher in die umgebende Landschaft hineinschwebte, als an einer scharfen Grenze zu enden.

Smiljan Radić, 2014

Für seinen Pavillon balancierte Radić eine große, zylindrische Hülle aus weißem, transluzentem Fiberglas auf einer Ansammlung grober, unbehauener Bruchsteine. Das Fiberglas war so dünn, dass diffuses Licht durch die Wände drang und den Innenraum in ein sanftes, gleichmäßiges Leuchten tauchte. Innen organisierte sich der Raum um einen zentralen offenen Patio mit überdachten Sitzbereichen in einem Ring darum herum.

SelgasCano, 2015

Womöglich der farbenprächtigste Pavillon auf dieser Liste: SelgasCano schufen eine tunnelartige Struktur aus Stahlbögen, die in zwei Schichten ETFE‑Folie gehüllt waren – innen transluzent weiß, außen bunt bedruckt. Wenn das Sonnenlicht durch beide Lagen fiel, mischten und verschoben sich die Farben im Laufe des Tages und tauchten das Innere je nach Lichteinfall mal in Gelb, mal in Grün oder Blau.

Bjarke Ingels Group, 2016

BIG inszenierten eine Reißverschluss‑artige Struktur, indem sie 1.800 hohle Fiberglassteine zu einer durchgehenden Wand stapelten, die sich in zwei geschwungene Seiten teilte und sich bogenförmig über den Köpfen schloss. Da die Steine hohl und an beiden Enden offen waren, wirkte die Wand frontal betrachtet massiv, aus dem Winkel jedoch transparent. Die Ausgabe von 2016 brachte außerdem vier kleinere „Summerhouse“-Strukturen anderer Architektinnen und Architekten auf das Gelände – das erste Mal, dass das Programm über eine Einzelkommission hinauswuchs.

Diébédo Francis Kéré, 2017

Kéré orientierte sich bei seinem Pavillon an dem großen Gemeinschaftsbaum im Zentrum seiner Heimatstadt Gando in Burkina Faso, unter dem sich die Menschen in der Mittagshitze versammeln. Die Struktur trug ein weites, trichterförmiges Dach aus indigoblauem Stahl, das weit über die darunterliegenden Wände hinausreichte und rundherum Schatten spendete. Eine zentrale Öffnung sammelte Regenwasser und leitete es durch die Hauptstütze ab – eine Technik, die aus traditionellen Bauweisen der Region abgeleitet ist.

Frida Escobedo, 2018

Escobedo entwarf einen Hof, der von Wänden aus handelsüblichen britischen Betondachziegeln umschlossen war, die so gestapelt wurden, dass eine gitterartige Oberfläche aus Ziegeln und Zwischenräumen entstand, durch die gefiltertes Licht und Luft strömten. Eine Spiegeldecke über dem überdachten Teil reflektierte das Ziegelmuster von oben, und ein flaches dreieckiges Becken an einem Ende fing den Himmel ein.

Junya Ishigami, 2019

Mit einem Stück Nordengland in London belegte Ishigami das Pavillondach mit rund 61 Tonnen rohem Cumbrian Slate, in überlappenden Lagen auf einer sanft geneigten Fläche verlegt, die an ihrer niedrigsten Kante scheinbar direkt aus dem Boden des Parks wuchs. Unter dem Schiefer trugen 106 sehr schlanke Stahlstützen das Dach, in einer unregelmäßigen, waldartigen Anordnung ohne Wiederholungsmuster. Aus der Ferne schien das schwere Steindach zu schweben; darunter lag ein niedriger, dunkler Raum, der höhlenartig umschlossen war.

Sumayya Vally / Counterspace, 2021

Vallys Pavillon bestand aus CNC‑gefrästem Sperrholz, das mit rosafarbenem und grauem Mikrozement beschichtet war – nicht zu einem einzigen Baukörper geschlossen, sondern als Reihe fragmentierter Elemente über den Rasen verteilt. Formen und Geometrien speisten sich aus einer Recherche zu informellen Begegnungsorten in ganz London, etwa Moscheen, Community‑Buchläden, Sound‑System‑Venues und Marktständen.

Theaster Gates, 2022

Künstler Theaster Gates schuf einen 16 Meter breiten Zylinder aus horizontal geschichteten, geschwärzten Holzträgern, mit einer konischen Öffnung im Dach. Im Inneren lag ein einziger runder Raum mit Sitzgelegenheiten entlang des Umfangs und einem offenen Oculus nach oben zum Himmel. Gates entwarf den Ort explizit für Klang; Zylinderform und Holzverkleidung waren auf Live‑Performances abgestimmt. Während seiner Zeit im Park beherbergte die „Black Chapel“ Musik, Lesungen und gemeinschaftliche Zusammenkünfte – Gates verstand sie als Raum in der Tradition kleiner nonkonformistischer Kapellen.

Lina Ghotmeh, 2023

Ghotmehs „À Table“ war ein neuneckiger Pavillon mit Wänden aus hölzernen Screens, perforiert mit blattförmigen Aussparungen, die das Parklicht in sich ständig verändernden Mustern auf den Boden im Inneren filterten. Im Zentrum organisierte sich der Raum um einen einzigen langen Gemeinschaftstisch. Ghotmeh beschrieb den Pavillon als Erkundung des Beisammenseins rund um den Tisch – der vielleicht elementarsten Form menschlicher Architektur.

Minsuk Cho / Mass Studies, 2024

Dieser Pavillon gliederte sich in fünf separate, geschlossene oder halb offene Strukturen, die um einen zentralen offenen Hof gruppiert waren, der bewusst leer blieb. Dieses Detail spielte auf den Madang an – das offene Zentrum eines traditionellen koreanischen Hauses, verstanden als soziales Herz des Zuhauses statt als ungenutzte Fläche. Jede der fünf umgebenden Strukturen wurde gemeinsam mit jeweils einem anderen Künstler, einer Komponistin oder einem Archivar entwickelt, sodass jeder Bau seinen eigenen Charakter erhielt und das Ensemble eher wie ein kleines Dorf wirkte als wie ein einzelnes Gebäude.

Marina Tabassum, 2025

Ein bestehender Baum bildete das Zentrum von Tabassums Pavillon, der die Form eines langen, rechteckigen Bogens annahm und mit transluzenten Polykarbonatplatten verkleidet war. Weil die Struktur nie vollständig „geschlossen“ war, blieb sie zu allen Seiten hin offen zum Park, und nach ihrem Leben im Londoner Grün sollte sie andernorts als Bibliothek weiterbestehen. „Architektur hat immer nach Dauerhaftigkeit gestrebt“, sagte Tabassum damals. „In meinem Pavillon verändert die Idee von Zeitlosigkeit ihre Bedeutung.“

Lanza Atelier, 2026

Anfang dieses Monats präsentierte Lanza Atelier den Pavillon für 2026, inspiriert von einem architektonischen Element namens „serpentine“ – einer Art Ziegelmauer, die im englischen County Suffolk verbreitet ist, deren Ursprung aber tatsächlich im alten Ägypten liegt. Aus mehr als 30.000 ziegelroten Steinen gefügt, windet sich die Installation wie eine Schlange durch die Gärten und ist mit Möbeln möbliert, die ebenfalls im Studio entworfen wurden.