Auch wenn manche „Costume Art“ – ähnlich wie das Gala-Motto „Fashion Is Art“ – für einen ziemlich wörtlichen Titel der nächsten großen Kostümausstellung des Met halten dürften, bringt er die zentrale Idee des Events glasklar auf den Punkt: die untrennbare Beziehung zwischen dem bekleideten Körper und der Kunstgeschichte.

Im Februar erklärte der verantwortliche Kurator Andrew Bolton zur kommenden Ausstellung, er „wolle die Zentralität des bekleideten Körpers innerhalb des Museums in den Fokus rücken und künstlerische Darstellungen des Körpers mit Mode als verkörperter Kunstform verbinden“. Statt wie bislang die „Visualität“ der Mode zu priorisieren, „die oft auf Kosten des Körperlichen geht“, werde Costume Art sich auf „Materialität und die untrennbare Verbindung zwischen unseren Körpern und der Kleidung, die wir tragen“ konzentrieren, so Bolton weiter. Passend dazu markiert die Ausstellung 2026 die offizielle Einweihung der Condé M. Nast Galleries, einer rund 1.100 Quadratmeter großen Fläche, in der die künftigen Schauen des Costume Institute beheimatet sein werden.

„Anstatt die Visualität der Mode zu priorisieren, die oft auf Kosten des Körperlichen geht, rückt Costume Art ihre Materialität und die unteilbare Verbindung zwischen unseren Körpern und der Kleidung, die wir tragen, in den Mittelpunkt.“ — Andrew Bolton

Sollten die diesjährigen Themen bereits auffällig wirken, ist der in den Previews gezeigte Y/Project-Anzug in seiner Aussage noch unmissverständlicher. Entworfen in einer Zusammenarbeit zwischen dem damaligen Creative Director Glenn Martens und Jean Paul Gaultier für FW22, eignet sich das Trompe-l’Œil-Design einen klassischen Herren-Zweiteiler neu an – als leere Leinwand für eine halbtönig gedruckte Nacktfigur.

Für die Dauer der Schau wird der „nackte“ Anzug neben einer Marmorstatue des Diadoumenos aus dem 1.–2. Jahrhundert n. Chr. platziert, um Parallelen zwischen ihren idealisierten Darstellungen des „Classical Body“ zu ziehen. Weitere gezeigte Kleidungsstücke werden Kategorien wie „The Naked Body“, „The Aging Body“ und „The Anatomical Body“ zugeordnet.

Mit seiner schonungslos fotografischen Darstellung des männlichen Körpers hebt sich der Anzug deutlich von anderen in den Previews gezeigten Looks ab, darunter die raffiniert gearbeiteten Kleider von Dilara Findikoglu und Rei Kawakubo. Während viele der anderen Arbeiten mit Formexperimenten und einer Betonung femininer Silhouetten spielen, konzentriert sich der Y/Project-Anzug stattdessen auf optische Täuschung und eine betont maskuline Form.

Ohne genauer hinzusehen, lässt sich der Y/Project-Anzug leicht als Widerspruch zu Boltons kuratorischer Intention abtun. Konzentriert sich der Anzug mit seinen zweidimensionalen Grafiken nicht gerade auf die Visualität der Mode? Tatsächlich steht das Visuelle beim Trompe-l’Œil-Verfahren im Vordergrund – der Begriff bedeutet wörtlich „das Auge täuschen“.

Dies geschieht jedoch nicht auf Kosten des Körperlichen; vielmehr lenkt der Anzug die Aufmerksamkeit zurück auf den Körper und „verbindet künstlerische Darstellungen des Körpers mit Mode als verkörperter Kunstform“, wie Bolton es beschreibt. Im größeren Kontext inszeniert er das Ausstellungskonzept von der „untrennbaren Verbindung zwischen unseren Körpern und der Kleidung, die wir tragen“ als Metapher: Der Körper entkommt unter dem Kleidungsstück und wird auf dessen Oberfläche neu behauptet.

Kurz vor dem Weggang von Glenn Martens und der anschließenden Schließung des Labels gezeigt, war der Anzug nur einer von mehreren Y/Project-FW22-Looks, die Jean Paul Gaultiers Trompe-l’Œil-Prints der 90er-Jahre wiederaufnahmen. Die gemeinsamen Pieces verwiesen direkt auf Gaultiers SS96-„Pin Up Boys“Kollektion, in der ähnliche muskulöse Halbtöne-Torsi auf Hemden erschienen (berühmt geworden durch Robin Williams).

Die Neuauflage des Duos im Jahr 2022 ging noch einen Schritt weiter und zeigte sowohl männliche als auch weibliche nackte Körper in voller Pracht, inklusive Genitalien. Und als wäre die Idee damit nicht bereits ausgereizt gewesen, durchbrach Duran Lantinks SS26-Debüt für Jean Paul Gaultier – um es so zu nennen – die vierte Wand mit einem vollflächigen fotografischen Nude-Print.

Für Gaultier – und vielleicht auch für seine jüngeren Pendants – wird das Kleidungsstück zu einem Ort der Provokation und Subversion, der an die illusionistische Arbeit der surrealistischen Künstler*innen des 20. Jahrhunderts erinnert. In den 1930er-Jahren überzog Méret Oppenheim ihr irritierendesObjectmit luxuriösem Fell, und Salvador Dalís schmelzende Uhren zeigten feste Gegenstände als zähflüssige Massen. Man könnte sagen, diese visionären Künstler*innen und ihre Zeitgenossen bereiteten den Boden für den Eintritt des Surrealismus in die Welt der Mode. Dennoch entwarf Elsa Schiaparelli ihren Trompe-l’Œil-Bow KnotPullover Jahre, bevor diese Werke überhaupt fertiggestellt waren.

Gaultier mag die zeitgenössische Interpretation des nackten Trompe-l’Œil als Motiv geprägt haben, doch er war keineswegs der erste Designer, der die breitere Methode nutzte. 1927 begann Elsa Schiaparelli, den ikonischen Bow Knot und andere Kleidungsstücke mit Trompe-l’Œil-Details zu produzieren. Der Status der italienischen Designerin als „Surrealistin“ festigte sich weiter, als sie mit Salvador Dalí amLobster Dress1937 zusammenarbeitete. Anderswo wählte Hermès einen subtileren Ansatz in den50er-Jahren,indem Pinselstriche die angedeuteten Taschen, Kragen und Knöpfe ihrer Kleider nachzeichneten.

Was Gaultiers spätere Entwicklung unterschied, war die Art der Nacktdarstellung. Statt dass die Illusion den Eigenschaften des Kleidungsstücks gilt, wird das Kleidungsstück als Motiv vollständig negiert – das Auge wird dazu gebracht, scheinbar hindurchzusehen. Zudem waren die Körper, die Gaultier und später Martens für Y/Project entblößten, nicht irgendwelche Körper; sie waren muskulös und sanduhrförmig – ein Spiegel spezifischer Körperideale. Im Kontext des „Classical Body“ und in unmittelbarer Nachbarschaft zum Diadoumenos-Marmor ruft dies in Erinnerung, wie dieantiken Griechenden nackten menschlichen Körper in ihrer visuellen Kultur glorifizierten, insbesondere den männlichen Körperbau.

Kennt man den oft ironischen Ton von Gaultier und seinen jüngeren Mitstreiter*innen, lässt sich sagen: Diese Designer dürften weniger daran interessiert sein, einen bestimmten Körpertyp zu propagieren, als vielmehr diese Ideale insgesamt zu dekonstruieren. In deutlicher Abkehr vom antik-griechischen Idealismus wirkten Duran Lantinks Trompe-l’Œil-Nudes für Jean Paul Gaultier SS26 nicht besonders sexy, sondern eher durchschnittlich. Statt muskulöser, glatt rasierter Körper zeigte Lantink behaarte, schlankere Körperformen, die fließend zwischen männlichen und weiblichen Models changierten. Betrachtet man den Y/Project-Anzug als Teil dieses verschlungenen Zeitstrahls, wird der Look zu einem einzelnen Knotenpunkt in einer größeren Erzählung über die Darstellung des Körpers in Kunst und Kostüm.

Kleidung, im weitesten Sinne verstanden, geht tatsächlich der Entstehung vonmodernen Vorstellungen von „Kunst“ voraus – einem Bereich, der erst in frühen Hochkulturen aufblühte, als Grundbedürfnisse wie Nahrung, Kleidung und Unterkunft weitgehend gedeckt waren. Mit dem diesjährigen Schwerpunkt auf „westlicher Kunst von der Vorgeschichte bis zur Gegenwart“ kann der bekleidete Körper Deutungen von ökonomischer Klasse bis hin zu Geschlechternormen tragen – doch das gilt ebenso für den nackten Körper.

Während Nacktheit außerhalb der Museumswände gemeinhin abgelehnt wird, werden ihre Darstellungen im Inneren hoch geschätzt – in antikem weißen Marmor auf Sockeln gemeißelt oder mit hyperrealer Plastizität gemalt. Die Kollaboration Jean Paul Gaultier x Y/Project und ihr weiterer Stammbaum kehren diese Dynamik um, indem sie die Nacktheit aus ihrem Museumskontext herauslösen und in den Alltag überführen.

Sie fordert Besucher*innen wie Betrachter*innen heraus, Mode jenseits oberflächlicher Eindrücke zu sehen – und bringt sie näher an ihr lebendiges Wesen im Körper heran.

So wie der letztjährige Fokus auf Black Dandyism die Maßschneiderei für Männer in den Vordergrund rückte, dürfte die Met Gala 2026 den Takt für die Mode des kommenden Jahres vorgeben. Anders als in früheren Jahren ist diese Ausstellung weder an eine spezifische Kultur noch an eine bestimmte visuelle Sensibilität gebunden. Sie fordert Besucher*innen wie Publikum dazu auf, Mode über die Oberfläche hinaus wahrzunehmen und sich ihrem lebendigen Kern im Körper anzunähern. In diesem Sinne fungiert die gemeinsame Kreation von Glenn Martens und Jean Paul Gaultier als buchstäbliche wie sinnbildliche Illustration des Themas.

Historisch wurde Mode von der Kunst abgekoppelt und als weniger tiefgründige, stärker kommerzielle Praxis unterhalb des erhöhten Status von Malerei und Skulptur eingeordnet. Mit der Eröffnung der neuen Condé M. Nast Galleries – einem exklusiven Ausstellungsspace des Costume Institute – ist die Schau nun bereit, ihr Gala-Motto „Fashion Is Art“ in eine Realität zu überführen, die weit über den kommenden Montag hinausreicht.