Für Knoll macht Dozie Kanu aus Möbeln pures Gefühl

Bei Dozie Kanu ist in letzter Zeit unglaublich viel los, und als wir uns für dieses Interview sprechen, erzählt er, dass es ihm schwerfällt, noch Energie zu finden. Er sagt es leicht, fast im Vorübergehen, aber genau das rahmt den Rest unseres Gesprächs – und sorgt dafür, dass wir sehr offen einsteigen.

Angesichts der Tatsache, dass wir kurz vor der Milan Design Week sprechen – dem wohl hektischsten Moment der Designbranche, wenn buchstäblich Hunderte von Events stattfinden – ist das nachvollziehbar. Hier wird Kanu selbst eine neue Kollektion mit Knoll launchen, einem der historisch bedeutendsten Namen im modernen Design. „Es wird nicht mal langsamer, es fährt eher noch hoch!“, sagt er scherzhaft, als die Frage aufkommt, ob am Ende dieses vollen Tunnels irgendwo Licht zu sehen ist.

Auch wenn sie ihn zuletzt stark in Anspruch genommen hat, ist die Zusammenarbeit mit Knoll auf dem Papier ein klarer Meilenstein. Sein erstes Projekt in dieser Größenordnung im Bereich Industriedesign: Die Kollektion besteht aus einer Reihe von Leder- und Stahlobjekten, die von herabfallenden Fransen weichgezeichnet werden, die knapp über dem Boden schweben und sich leicht verändern, sobald man sich um sie herum bewegt.

Je länger wir sprechen, desto weniger fühlt sich das wie ein „Moment“ im klassischen Sinn an. Er selbst beschreibt es auch nicht so. Stattdessen kommt er immer wieder darauf zurück, wie das Projekt zu seiner umfassenderen Praxis gehört. „Ich nutze Design als konzeptuelles Werkzeug“, sagt er. „Es ist ein Mittel, um Menschen hineinzuholen.“

Dieser Gedanke taucht mehrmals auf, in leicht unterschiedlichen Formulierungen. Es ist offensichtlich, dass Zugänglichkeit ihm wichtig ist – aber nicht in einem simplifizierenden Sinn. Seine Arbeiten beginnen oft mit etwas Vertrautem: Stühlen, Tischen, Objekten, die sofort lesbar sind, bevor sie sich zu etwas verschieben, das eine deutlich konzeptionellere Perspektive einfordert.

Bei diesen Stücken, einer Weiterführung einer Arbeit, die Kanu 2021 geschaffen hat, vollzieht sich diese Verschiebung über Bewegung. Die Fransen schwingen, manchmal fast unmerklich, fangen Licht ein, fangen den Blick ein. Er beschreibt sie als ein Element, das das Objekt verändert und es auf eine schwer zu fassende Weise lebendig wirken lässt. „Es fordert eine emotionale Reaktion ein“, sagt er.

Spannend ist, wie mühelos sich dieses Projekt in alles andere fügt, was er gerade tut. Es wirkt weniger, als würde er neu in den Designbereich „einsteigen“, sondern eher, als würde er etwas bereits Vorhandenes weiter ausdehnen. Er sträubt sich dagegen, im „Collectible Design“ verortet zu werden – oder überhaupt in einer Kategorie, die sich zu starr anfühlt.

„Im Design geht es am Ende nur noch um das Produkt“, sagt er. „Ich kann auf Funktion anspielen, ohne dass das Objekt sie tatsächlich erfüllen muss.“ An einer Stelle bezeichnet er sich als Ausstellungsmacher – das kommt einer Definition wohl am nächsten. Nicht, weil es etwas einengt, sondern weil es alles öffnet. Ausstellungen sind für ihn Räume, in denen Dinge nebeneinander existieren können, ohne sich auflösen zu müssen. „In einer Ausstellung kann alles existieren“, sagt er. „Es gibt keine vorgeschriebene Art, etwas zu betrachten.“

Diese Art zu denken scheint sich auch darin fortzusetzen, wie er sein Leben strukturiert hat. 2018 ist er von New York nach Portugal gezogen und hat sich in einem Lagerhaus etwa eine Stunde außerhalb von Lissabon eingerichtet. Wenn er davon erzählt, geht es weniger um Flucht als um Möglichkeiten – darum, was passiert, wenn bestimmte Zwänge wegfallen. „Nach Portugal zu ziehen, war eine der klügsten Entscheidungen meines Lebens.“ In New York beschreibt er einen Prozess, der ständig in Bewegung war: Objekte, die zwischen verschiedenen Werkstätten hin- und herwanderten, getrieben von Kosten und Logistik. In Portugal ist alles langsamer geworden. „Raum zu haben, verändert alles“, sagt er. „Dinge können einfach da sein, und irgendwann sagen sie dir dann, was sie werden wollen.“

Das Bild ist stark: Objekte, die still dastehen, bis sich etwas verschiebt. Gleichzeitig wirkt es ein wenig im Widerspruch zu dem Tempo, das in allem mitschwingt, was er jetzt beschreibt. Der Maßstab seiner Arbeit ist gewachsen, die Erwartungen daran ebenso, und es gibt das Gefühl, dass sich die Außenwelt längst nicht mehr so leicht ausblenden lässt wie früher. „Es gibt diese Suche nach Bedeutung in einer Zeit, in der Bedeutung rar erscheint“, sagt er.

Er erzählt von der jüngsten Eröffnung seiner Ausstellung in Mailand und der Distanz, die er dort gespürt hat – zwischen der Arbeit, dem Publikum und all dem, was außerhalb dieses Raums passiert. Es ist einer der wenigen Momente, in denen sich sein Tonfall merklich verändert. „Ich habe so viel von mir gegeben“, sagt er. „Und am Ende war es im Grunde nur ein Haufen reicher weißer Sammler:innen.“

Er lacht halb, als er das sagt, aber nicht so sehr, dass es die Aussage entkräften würde. Die Fragen bleiben im Raum: Für wen ist diese Arbeit eigentlich gedacht – und was bedeutet es, sie in Systeme einzuschreiben, die sich nicht immer so anfühlen, als wären sie für einen selbst gemacht?

Diese Spannung setzt sich leise auch im Knoll-Projekt fort. Eine Brand, deren Geschichte von einer sehr spezifischen Linie geprägt ist, trifft hier auf eine Praxis, die sich nie wirklich in diese Begriffe fügen wollte. Er macht daraus kein großes Statement, aber die Verschiebung ist da – und sie ist sichtbar, wenn man darauf achtet. Einen großen Anteil daran schreibt er dem aktuellen Design Director Jonathan Olivares zu, der die treibende Kraft hinter Kanus Knoll-Kollaboration war. „Er gehört zu Knoll“, sagt Olivares.

„Knoll ist ein Designunternehmen, das bewusst den Blick nach außen richtet – jenseits von Möbeln –, um neue Ideen ins Interior zu bringen, und Dozies Arbeit hat sich dieser Mission ganz selbstverständlich angeschlossen. Er verkörpert eine einzigartige kulturelle Perspektive innerhalb seiner Künstler:innengeneration.“

Es wirkt weniger wie eine große Selbstbehauptung, mehr wie etwas, das er im Moment aktiv austariert. Eine ähnliche Feinheit liegt in den Referenzen, die in der Arbeit selbst stecken. Die Fransen greifen lose auf nigerianische Maskerade-Traditionen zurück, aber auch auf texanische Cowboy-Kultur – zwei Teile seiner Biografie, die sich nicht laut in den Vordergrund drängen, sondern eher in der materiellen Sprache verankert sind. Nichts wird übererklärt. Es muss auch nicht.

Als das Gespräch wieder bei Mailand landet, wirkt es fast zweitrangig. Der Launch wird stattfinden, die Objekte werden gesehen, dokumentiert und zirkulieren. Aber für Kanu stand der Prozess im Mittelpunkt. „Ich muss dabei etwas fühlen – und ich will von Menschen umgeben sein, von denen ich lernen möchte.“

Es ist schlicht formuliert, bleibt aber hängen. Denn unter all dem – der neuen Kollektion, dem größeren Maßstab, der Sichtbarkeit – liegt immer noch derselbe Impuls. Nicht, Dinge als endgültige Antworten zu präsentieren oder Bedeutung festzuschreiben. Sondern die eigene Arbeit in Bewegung zu halten.