Inside PALY: Wie James Franco und Kyle Lindgren Hollywood-Mythologie in tragbare Kunst verwandeln

Als die Welt 2020 plötzlich stillstand, löste ein beiläufiges Lockdown‑Ritual unter Freunden eine unerwartete kreative Partnerschaft aus. Schauspieler und Künstler James Franco, gemeinsam mit Kyle Lindgren—einem Designer, der beim legendären Skate‑Label Fucking Awesome seine ersten Sporen verdiente—fanden sich plötzlich in einer spontanen Kollaboration wieder und packten Francos Quarantäne‑Skizzen auf Denimjacken. Aus diesem ersten Experiment wurde schnell PALY, ein Label, das weniger wie eine klassische Modemarke funktioniert und mehr wie ein Portal in ein filmisches Universum.

Tief verwurzelt in der Mythologie, dem Glamour und der dunklen Kehrseite von Los Angeles nutzt PALY Hollywood selbst als Rohstoff. Inspiriert von der esoterischen Mythologie von Kenneth Angers Hollywood Babylon und der subversiven Energie des 70er‑Jahre‑Punk kreiert das Duo stark bearbeitete, bereits gelebte Pieces, die sich anfühlen wie Artefakte aus einer verborgenen Schicht der Entertainment‑Industrie. Franco steuert die übergreifende Erzählung und die Bildwelten als konzeptioneller Director des Labels, während Lindgren diese abstrakten Ideen durch einen obsessiven, extrem hands‑on geprägten Produktionsprozess in echte Textilien übersetzt.

Zum Launch der neuesten PALY‑Kollektion bei HBX haben wir uns mit Franco und Lindgren zusammengesetzt, um über die organischen Anfänge des Labels, die immer fließenderen Grenzen zwischen Luxusmode und Kino und darüber zu sprechen, wie sie eine tragbare Welt erschaffen, in der jede*r eine Rolle spielen kann.

Paly

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Hypebeast: Ihr habt euch über gemeinsame Freunde mitten in den COVID‑19‑Lockdowns kennengelernt – eine sehr klassische LA‑Story davon, wie sich Wege kreuzen, wenn die Welt stillsteht. Wie haben sich diese ersten Gespräche vom bloßen Abhängen zu der kreativen Partnerschaft entwickelt, aus der PALY entstanden ist?

James Franco: Wir kannten uns schon Jahre vor Covid, aber es war eine reine Freundschaft. Wir sind surfen gegangen, haben Tennis gespielt, sind nach Coachella gefahren, ins Kino gegangen – einfach unsere Crew. Ich habe miterlebt, wie Kyle durch die Fashion School ging und dann bei FA angefangen hat. Als COVID kam, hat unsere Clique angefangen, jede Woche gemeinsam The Bachelor zu schauen, und ich habe während der Show gezeichnet, weil ich in der Pandemie wieder mit der Kunst angefangen hatte. Dann hatte Kyle eine Eingebung und fragte mich, ob ich auf ein paar Denimjacken zeichnen würde – das war der Anfang von etwas. Das hat Kyle inspiriert, ein paar Silhouetten für Ts und Hoodies zu entwerfen, und wir haben begonnen, einige meiner Zeichnungen darauf zu bringen.

Damals drehten sich die Gespräche, glaube ich, vor allem um die DNA des Labels – die Themen, die wir im Kern dessen verankern wollten, was wir machen. Paly ist sehr stark vom Storytelling geprägt, die meisten Pieces greifen Old‑Hollywood‑Geschichte und Legenden auf, aber all das mussten wir erst für uns definieren. Wir haben viel über die innere und die äußere DNA gesprochen – also darüber, dass die inhaltliche Ebene des Storytellings von Old Hollywood und LA‑Geschichte handeln würde, während die Designs Richtung Punkrock und Vintage‑Referenzen schauen.

Gerade sehen wir, wie große Luxus‑Häuser in den Entertainment‑Bereich vorstoßen und im Grunde wie Filmstudios agieren. Da ihr beide scheinbar aus der entgegengesetzten Richtung kommt – ihr bringt ein filmisches Fundament in die Welt der Kleidung – wie blickt ihr auf dieses Verwischen der Branchen? Wo genau positioniert sich PALY in diesem Crossover?

JF: Ich war in mehreren MFA‑Programmen, und eines der wichtigsten Dinge, nach denen man dort sucht, ist die eigene, unverwechselbare Stimme und Herangehensweise. Und weil ich bereits eine Filmkarriere hatte, wurde mir klar, dass mein Ding vielleicht darin besteht, all diese Welten zusammenzubringen. In der bildenden Kunst haben viele meiner Lieblingskünstler Hollywood und Filme als Sujet genommen, in ihre Praxis integriert und für ihre eigenen Zwecke transformiert. Aber sie waren Künstler außerhalb Hollywoods, die hineinschauten. Ich war jemand, der in Hollywood gearbeitet hatte und nun in der Position war, rückblickend auf meinen Platz in der Filmindustrie zu schauen und daraus neue Arbeiten zu machen. Im Grunde hatte ich einen Fuß in Hollywood und einen draußen. Ich konnte aus einer neuen Perspektive darauf blicken, aber aus meiner Vergangenheit in Hollywood entstand auch eine besondere Energie.

Als Kyle und ich Paly gestartet haben, war das eine weitere Möglichkeit, genau das zu tun: auf Hollywood zu blicken, aber mit etwas Abstand. Paly ist eine Chance, alte Geschichten zu revitalisieren und die Filme und Mysterien der letzten hundert Jahre wieder neu fühlbar zu machen. Ich liebe, dass Mode, Film, Kunst und Literatur immer stärker ineinanderfließen – das ist der Kosmos, in dem ich lebe.

Mich interessiert euer kreativer Alltag: Wenn ihr beschließt, eine filmische Erzählung mit einem Kleidungsstück zu verschmelzen – wie beginnt dieser Prozess? Wer bringt was an den Tisch, damit es sich nach Storytelling anfühlt und nicht bloß nach einem Print auf einem Shirt?

JF: Am Anfang jeder Saison sprechen Kyle und ich über ein übergreifendes Thema – etwas, das sich durch die gesamte Kollektion ziehen soll. Sobald wir dieses Thema haben, brainstormen wir, welche Figuren und Geschichten darunterfallen. Wir haben ein Layout der Artikel, die wir in dieser Saison brauchen, und reden dann darüber, welche neuen Pieces wir zusätzlich zu unserem etablierten Repertoire kreieren wollen. Ab da legen wir beide los, arbeiten separat an Designs, führen Entwürfe zusammen und matchen sie mit den Bildern und Stories, über die wir zuvor gesprochen haben. Wir spielen uns die Ideen hin und her, sodass an jedem Teil letztlich wir beide arbeiten. Kyle ist der Master of Materials und muss dann mit dem Team herausfinden, wie man das Ganze fertigt – was seine ganz eigene Art von Zaubertrick ist.

Ihr habt beide diese Storytelling‑Mentalität in PALY eingebracht. Aber wenn diese Erzählung oder dieses „Universum“ einmal steht – wie übersetzt ihr diese filmischen Konzepte in reale Textilien? Könnt ihr mich durch PALYs Produktions‑ und Entwicklungsprozess führen – wie viel Trial‑and‑Error steckt in den Distressing‑Techniken und speziellen Treatments, bis dieser perfekt gealterte, authentische Look entsteht?

JF: Das ist Kyles Spezialgebiet. Sie verschwinden in ihrem Mad‑Scientist‑Labor in Los Angeles und tüfteln dort an ihren Frankenstein‑Experimenten.

Kyle Lindgren: Am Anfang des Labels war es reiner Survival‑Mode. Ich bin wie ein Verrückter durch Downtown Los Angeles gerannt, habe lokale Stofflieferanten und Waschanlagen getroffen und dabei die Kontakte genutzt, die ich bei Fucking Awesome aufgebaut hatte – die allerdings eher begrenzt waren, weil der Großteil der Teile dort overseas produziert wurde. Also habe ich gleichzeitig gelernt, mich in dieser Welt der lokalen Beschaffung und Fertigung zurechtzufinden und parallel die Infrastruktur aufzubauen, die ein kleines Business überhaupt erst trägt. Es war ehrlich gesagt die härteste Zeit meines Lebens. Ein 16‑Stunden‑Tag wäre damals ein entspannter Tag gewesen. In den jüngeren Kollektionen, jetzt, wo ich ein bisschen Luft habe, können wir tatsächlich vor der Proto‑Phase verschiedene Washes und Fabrications entwickeln und testen. Meist habe ich ein sehr konkretes Bild vor Augen – Optik und Handfeel – und ich gebe nicht eher Ruhe, bis ich das erreicht habe. Wenn ich dafür hinten in einer Facility Handschuhe anziehen muss, mache ich das. Ich arbeite extrem hands‑on. Fast schon zu sehr, sodass es andere Bereiche des Business beeinträchtigen kann, weil ich zu fixiert darauf bin, irgendein winziges Detail zu perfektionieren, das wahrscheinlich niemand je bewusst bemerkt.

Schauspieler wie Jacob Elordi tragen eure Pieces ganz selbstverständlich. Weil das Label so tief in Filmgeschichte und LA‑Mythos verwurzelt ist – glaubst du, ein Teil von PALYs Reiz ist, dass es sich wie eine geheime Insider‑Brand für Hollywood anfühlt? Ist das letztlich die Person, für die ihr designt?

James Franco: Ich habe das Gefühl, Paly spricht zu einer geheimen Schicht Hollywoods, einer Ebene, die wie das Unterbewusste all derer ist, die in LA leben und arbeiten. Kenneth Anger ist aus so vielen Gründen eine große Inspiration: Er drehte Filme in Hollywood, aber er war nicht von Hollywood; er war ein Outsider, der am Rand von Hollywood arbeitete. Und als er Hollywood Babylon schrieb, vollführte er diesen Zaubertrick, bei dem er Hollywood‑Geschichte und Gossip in etwas anderes verwandelte; er transmutierte das Ganze in eine quasi‑religiöse Genealogie, aufgebaut auf den Schichten der Old‑Hollywood‑Dynamiken. Es war fast, als hätte er Hollywood in eine Metapher für Himmel und Hölle verwandelt, und alle Schauspieler, Regisseur*innen und Produzent*innen wurden zu Göttern, Engeln, Teufeln, und ihre Leben wurden zu Metaphern für etwas Größeres. Hollywood als griechische Tragödie. Und mir gefällt die Vorstellung, dass Paly auf dieser Ebene operiert – dass es unter der sichtbaren Welt eine geheime Welt gibt, mit der wir in Kontakt sind.

Ihr habt von Anfang an ein extrem spezifisches, gelebtes Universum mit PALY aufgebaut. Wenn ihr darüber nachdenkt, wohin das Label als Nächstes geht – wie entwickelt ihr diese Story weiter? Wollt ihr für kommende Kollektionen komplett andere „Genres“ oder Epochen Hollywoods erkunden, oder geht es eher darum, die Leute immer tiefer in die Welt hineinzuziehen, die ihr bereits geschaffen habt?

James Franco: Wir wollen uns ständig weiterentwickeln, aber dabei immer ein Bewusstsein für unsere Wurzeln behalten. Ein Weg, auf dem wir gerade wachsen, sind Kollaborationen mit Künstler*innen, die wir lieben – und wie ich aus der Filmwelt weiß, bringen dich Kollaborationen an Orte, die du allein nie erreicht hättest. Das Schöne an Old Hollywood, Film, Los‑Angeles‑Geschichte und Musik ist: Es ist endlos. Es gibt so viele Ecken, die wir erkunden wollen, es hört einfach nicht auf. Wir können verschiedene Epochen besuchen, aber jede Ära hat ihr eigenes Pantheon an Playern und eine Fülle an Stories, und jede einzelne davon lässt sich mit großer Detailtiefe erschließen. Fast so, als wäre jede Saison ein Bündel kleiner Filme.

KL: Ich finde, James hat den Ausbau des narrativen Elements des Labels perfekt beschrieben. Als Produktmensch bin ich, was Wachstum angeht, eher darauf fokussiert, unseren Kategorien mehr Tiefe zu geben. Wir sind erst im vierten Jahr des Labels, es gibt noch viele Kategorien, die relativ unberührt sind. Am meisten freue ich mich darauf, Tailoring einzubauen und vielseitigere Pieces zu bringen, die weniger auf Grafik setzen und stärker über Silhouette, Wash und Fabric funktionieren. Ich möchte sicherstellen, dass unser Angebot weitergeht als nur Graphic‑Tees, Hoodies und Caps.

PALY wirkt tief in der zugrunde liegenden Mythologie und den rätselhafteren Schichten von Los Angeles verwurzelt. Statt nur mit dem Finger kritisch auf die Entertainment‑Industrie zu zeigen, nutzt ihr sie als Rohmaterial – als kreative Linse, durch die ihr etwas völlig Neues baut. Wie nehmt ihr diese abstrakten, fast surrealen Elemente Hollywoods und webt sie buchstäblich in ein Kleidungsstück hinein?

JF: Genau. Das ist im Grunde das, was ich meinte, als ich darüber gesprochen habe, was ich nach der Art School versucht habe. Ich war als Schauspieler und Regisseur in Hollywood, aber als ich einen Schritt zur Seite gemacht und Hollywood durch die Linse der Kunstwelt oder der Mode betrachtet habe, konnte ich Hollywood als Rohmaterial nutzen – nicht unbedingt für neue Filme, sondern für andere Dinge: Gemälde, Kleidung, nicht‑traditionelle Performances und Videos. Das ist das, was Paly mir ermöglicht. Und weil Mode tragbare Kunst ist und diese Kunst sich mit Hollywood beschäftigt, funktioniert das auf so vielen Ebenen. Wir können alte Filmidole und Legenden auf neue Weise reaktivieren, weil sie auf Kleidung erscheinen, die die ursprünglichen Figuren nie getragen haben – James Dean hat zum Beispiel nie Vivienne‑Westwood‑Punk‑Shirts getragen, aber jetzt wird er in diesen zeitgenössischen Designs wiederbelebt, Designs, die selbst modern sind und zugleich auf verschiedene Epochen der Modegeschichte zurückblicken. Und weil wir eben Kleidung machen, tragen Menschen diese Kunst, und so wird jede*r ein Stück weit zum Schauspieler – wir alle nehmen an dieser unterirdischen Ebene teil. Es ist wie ein Kult, aber ein Kult, der nichts anderes sagt als: „Wir sind auf die Unterseite der Dinge eingestimmt.“ Als wären wir alle in einem David‑Lynch‑Film, in dem an der Oberfläche alles geordnet wirkt, aber direkt darunter all dieses andere Zeug passiert. Und Paly ist ein Portal zu dieser anderen Seite der Dinge.

Daran anschließend, James: Welche Parallelen siehst du zwischen Kyles Weg, im Streetwear‑Kosmos Welten zu bauen, und deiner eigenen Erfahrung, Welten am Filmset zu erschaffen?

JF: Ich glaube, Mode und Filme sind beide Portale. Sie transportieren Menschen in andere Welten, in andere Arten, die Welt zu sehen und sich selbst zu inszenieren. Ich habe ein Buch geschrieben mit dem Titel Actors Anonymous, und eines der Themen ist die Idee, dass das Leben eine Performance ist. Und Kleidung ist unsere Wardrobe für diese Performance. In der Filmwelt habe ich dabei geholfen, Welten und Geschichten zu konstruieren, die Menschen betrachtend betreten, und in der Mode hat Kyle gelernt, Pieces zu erschaffen, die es Menschen ermöglichen, in den „Film“ ihres eigenen Lebens einzusteigen. Mit dem Aufkommen von Social Media ist fast jede*r zum Performer geworden. Also arbeiten wir jetzt daran, eine „Film“-Welt zu kreieren, in der alle Mitwirkende sind. Paly erlaubt dir, in eine Welt einzutreten, in der das Leben ein Film ist.

Kyle, vor PALY hast du bei Fucking Awesome an der Seite von Jason Dill gearbeitet. Skate‑ und Streetwear‑Brands sind Meister darin, Kult‑Universen aufzubauen. Wie hat deine Zeit dort beeinflusst, wie PALY World‑Building und Storytelling angeht?

KL: Bei FA war das alles Dill; ich war nur ein bescheidener Soldier im Art‑/Design‑Room und habe versucht, so viel wie möglich zu lernen und aufzusaugen. Ich habe eine Million Fragen gestellt und oft alle Meetings belauscht, die in Hörweite stattfanden. Ich glaube, genau das hat es mir ermöglicht, PALY in den frühen Tagen mit einem so kleinen Team aufzubauen und zu führen. Was Design‑Richtung und Storytelling angeht, hat die Arbeit bei einer art‑fokussierten Brand meinen Ansatz bei PALY definitiv geprägt. Ich denke, die meisten Designer*innen würden wahrscheinlich bei Stoffen und Silhouette anfangen, aber ich schaue oft zuerst auf James’ Art und arbeite mich von dort rückwärts. Story und Artwork kommen zuerst, und das fertige Kleidungsstück ist letztlich nur das Ergebnis davon, wie gut es mir gelungen ist, beides zusammenzubringen. Meiner Meinung nach gibt es vier Säulen für ein großartiges Piece: die Fabric/Wash‑Prozesse, die Silhouette und Designdetails, die Print‑ und Veredelungstechniken und die eigentliche Kunst, das Grafikdesign und das Storytelling des Pieces. Wenn du alle vier auf hohem Niveau ausführst, wird das Ergebnis immer ein unumstößliches Produkt sein.

PALY SS26 ist jetzt bei HBX erhältlich.