„Roy Lichtenstein: Like New“ ist nicht die Pop-Art Ihrer Eltern

Wir können nicht anders: Roy Lichtenstein ist überall. Von den Pixeln, die Bilder auf dem Bildschirm ausmachen, und der dicken, frechen Linienführung selbst der größten heutigen Schöpfer bis hin zur sekundenkurzen Aufnahme einer tränenüberströmten Heldin – sein Einfluss lässt sich kaum abschütteln. Es ist schnell, es springt einem ins Auge. Aber wie konnte seine altbekannte Kurzschrift aus Comics und Punkten eine weitaus komplexere Geschichte in den Schatten stellen?

„Nur weil wir etwas wiedererkennen, heißt das nicht, dass wir vollkommen verstehen, was es ist“, sagte Meg Onli, eine der Kuratorinnen von Roy Lichtenstein: Like New. Die Ausstellung, die am 11. Oktober im Whitney Museum in New York eröffnet wird, versammelt über 130 Werke des Pop-Art-Meisters aus seiner sechs Jahrzehnte umspannenden Karriere, darunter Gemälde, Zeichnungen, Collagen, Drucke und Skulpturen. Zwar gibt es reichlich von Comics inspirierte Leinwände, doch sie bringt auch weniger bekannte Facetten ans Licht, die dem Künstler ähneln – sowohl wie er sich selbst sah, als auch wie seine damals radikale Vorliebe für die Mischung aus Hoch- und Popkultur wunderbar zur bildschirmfixierten Realität des heutigen Publikums passen würde.

Von den ernsthaften – und im Ernst recht seltsamen – Lehren von Hoyt Sherman an der Ohio State University, die später prägend für Lichtensteins Auffassung von Markierungen werden sollten, bis hin zu Werken, die in seinem letzten Lebensjahr entstanden und sich bis in die 1997er-Ausstellung direkt im Stockwerk darüber erstrecken: Like New rückt einen Künstler ins Rampenlicht, der die Zukunft der Bilder verstand und eine geschickte Wertschätzung für das ewige Erschaffen und Auflösen von Bedeutung besaß. Die fast 30 Meter lange Eingangsrekonstruktion seines „Greene Street Mural“ (1983), eines von vier Wandgemälden, die vom Studio des Co-Kurators und Künstlers Alex Da Corte nachgebildet wurden, gibt direkt den passenden Ton an.

Ein historisches Highlight ist eine buchstäbliche Reise zurück in Lichtensteins New York: die Galerie-in-der-Galerie-Rekonstruktion der ersten Solo-Ausstellung des Künstlers in der Galerie von Leo Castelli aus dem Jahr 1962. Es ist das erste Mal seitdem, dass all diese Werke wieder vereint sind, bis hin zur „Laughing Cat“ (1961), die ursprünglich Andy Warhol gehörte. Danach folgen einige seiner bekanntesten Heldinnen – „Drowning Girl“ (1963), „Crying Girl“ (1963) und „Girl in Window (Study for World’s Fair Mural)“ (1963), die auf dem Balkon draußen ebenfalls überlebensgroß in Szene gesetzt sind. Daneben hängen fast identische Reproduktionen und Inspirationsquellen, wie etwa Elaine Sturtevants Duplikat, für das Lichtenstein die Schablonen lieferte. Er signierte sogar ein Gemälde von Raymond Pettibone, als wäre es das Original. Mehr noch als die bloße Kopie liebte Lichtenstein die Kopie einer Kopie – eine Besessenheit, die für unsere heutige Reposting-Kultur und die neuen Assoziationen, die ein Bild mit jedem Teilen ansammelt, nach wie vor grundlegend ist.

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„Die Art und Weise, wie man Lichtenstein betrachtet, zu entschleunigen, war von Anfang an unser Wunsch.“ — Alex Da Corte

Bei Pinselstrichen, die so sauber sind, dass man fast meinen könnte, sie seien maschinell gefertigt, wird die konzeptionelle Tiefe von Lichtensteins Œuvre oft in den Schatten seiner technischen Finesse gerückt (und falls es irgendwelche Zweifel an der Strahlkraft der Marke Lichtenstein gab, werfen Sie einfach einen Blick auf die Gap-Fleecejacke mit Ben-Day-Punkten). „Die Art und Weise, wie man Lichtenstein – einen Künstler, der für seine Unmittelbarkeit gefeiert wird – betrachtet, zu entschleunigen“, erklärte Da Corte, „war von Anfang an unser Wunsch.“ Die Formulierung „ausdrücklich handgemacht“ zieht sich wie ein roter Faden durch die Whitney-Ausstellung, verbunden mit der Hoffnung, die Beziehung zu den Werken menschlicher zu machen und ihrer Haptik wieder etwas mehr Persönlichkeit zu verleihen.

Onli und Da Corte waren zugegebenermaßen keine „Pop-Art-Spezialisten“, als sie Like New in Angriff nahmen. Onli, die 2024 die Whitney Biennial kuratierte, leitete zuvor das Underground Museum von Noah Davis, während Da Corte – venezolanisch-amerikanischer Konzeptkünstler und Absolvent der Venedig-Biennale 2019 – für seine immersiven, farbintensiven Interpretationen der amerikanischen Popkultur bekannt ist. Ihre Erfahrungen könnten jedoch genau bei einer neuen Generation von Kunstliebhabern Anklang finden und es ihnen ermöglichen, Lichtensteins Praxis in einem bisher unerforschten Terrain zu kontextualisieren. Genauso wie der stylishe Ketchup-Spritzer, den Da Corte einem abgewandelten „Hot Dog“-Plakat auf der anderen Straßenseite verpasst, wissen sie genau, wie sie den Geschmack ihres Publikums treffen und uns gleichzeitig herausfordern, den Künstler in einem neuen Licht zu sehen. Kurz vor der Eröffnung erklärten uns Onli und Da Corte die vielen Facetten – oder Punkte – von Like New und wie man diese miteinander verbindet.

Wie haben Ihre jeweils einzigartigen Hintergründe den kuratorischen Ansatz geprägt?

Meg Onli: Wir haben uns Lichtensteins Werk nicht als Pop-Art-Spezialisten genähert. Wir haben alle unsere eigenen Schwerpunkte, also wollten wir wirklich unsere persönlichen Geschichten und Interessen einbringen, um Lichtenstein mit anderen Augen zu sehen.

Alex Da Corte: Als Künstler, der selbst aktiv im Atelier arbeitet, schien es mir wichtig, Roy und sein Werk genau in dem Moment zu verorten und zu respektieren, in dem er es schuf, und herauszufinden, wie er durch sein Werk sprach. Es wurde für Meg und mich beim Kuratieren der Ausstellung zu einem entscheidenden Leitgedanken, zu verstehen und aufzuzeigen, wie er dem Werk zu der Zeit, als er es schuf, Worte verlieh.

Was sind die Herausforderungen beim Kuratieren eines Künstlers, der so allgegenwärtig ist wie Lichtenstein? Welche Möglichkeiten eröffnen sich dadurch?

Da Corte: Das Kuriose an Lichtenstein ist, dass er überall ist. Sein Einfluss umgibt uns ständig, auch wenn wir gar nicht wissen, dass etwas, das wir gerade ansehen, überhaupt von ihm stammen könnte. Genau darin lag die Herausforderung dieser Ausstellung: Es ist unmittelbar, es ist schnell, es ist grafisch und mutig. Dennoch sind seine Ideen rund um das Werk sehr langsam und konzeptionell und, ehrlich gesagt, sehr seltsam, wie wir festgestellt haben. Die Art und Weise, wie man Lichtenstein betrachtet, zu entschleunigen, war von Anfang an unser Wunsch.

Onli: Es bot Alex und mir wirklich die Gelegenheit, zurückzublicken und uns genau mit diesen wesentlichen Dingen zu befassen, die über ihn selbst oder über die Leinwände hinaus wirkten. Dazu gehört auch seine frühe Ausbildung an der Ohio State University. Er interessierte sich stark für naturwissenschaftliche Ideen; bereits ab 1965 sprach er über seine Punkte im Zusammenhang mit Daten. Er lässt sich nicht völlig auf das Narrativ der Drucktechnik reduzieren, das wir bei einem Künstler wie ihm durchweg gesehen haben.

„Er lässt sich nicht völlig auf das Narrativ der Drucktechnik reduzieren, das wir bei einem Künstler wie ihm durchweg gesehen haben.“ — Meg Onli

Gab es unerwartete Verbindungen oder Narrative, die Sie während dieser Erfahrung besonders angesprochen haben?

Onli: Was diese Ausstellung anders macht als frühere, ist die Auseinandersetzung damit, wie er Quellmaterial – das manchmal in einer Zeitung, einem Comic oder sogar einem Kunstgeschichtsbuch auftauchte – nehmen und es nicht nur auf Leinwandgröße vergrößern konnte, sondern damit auch ein echtes Gefühl für architektonische Dimensionen schuf. In der gesamten Ausstellung gibt es vier handgemalte Wandgemälde. Es war Alex und mir sehr wichtig, dies einzubringen und als ein einzigartiges Erlebnis für diese Ausstellung zu präsentieren.

Da Corte: Um daran anzuknüpfen: Roys Arbeiten wurden von Hand gefertigt. Wenn man diese Werke reproduziert sieht, haben sie oft ein glänzendes Finish; man kann nicht erkennen, dass die meisten von ihnen Bleistiftmarkierungen, Radierungen und Übermalungen aufweisen, die von seiner Beziehung zur Entstehung des Werks zeugen. Für mich war das eine großartige Entdeckung und etwas, das uns bis heute etwas darüber lehrt, wie man Kunst schafft und sich Zeit für ein Werk nimmt.

Wie hat Lichtenstein unsere heutige Bilderwelt und unseren Umgang mit ihr geformt?

Da Corte: Wir beginnen die Ausstellung mit dem „Greene Street Mural“. Diese Ansammlung von Symbolen und Bildern, die Roy 1983 einsetzte, ähnelt stark der unaufhörlichen Flut an Bildern, die wir in unseren Social-Media-Feeds erleben. Seine Neigung, sich in seinem Werk zu überlagern und selbst zu kopieren, sowie diese Idee der Selbstreferenzialität sind ein wesentlicher Bestandteil davon, wie wir uns heute in Beziehung zur Welt und zu Bildern verstehen. Die Ausstellung spricht genau das an, ebenso wie ein jüngeres Publikum, das diese Art der Kommunikation lebt.

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