Die James Fuentes Gallery widmet sich erneut Teruko Yokois transpazifischer Abstraktion

Teruko Yokois jahrzehntelange künstlerische Praxis kehrt mit A Pacific Line nach Los Angeles zurück – einer neuen Ausstellung in der James Fuentes Gallery, die den einzigartigen Weg der japanisch-schweizerischen Malerin durch die Nachkriegsabstraktion nachzeichnet. Als erste Einzelausstellung der Künstlerin in der Stadt seit über vier Jahrzehnten hat die Schau an der Westküste eine ganz besondere Resonanz: Yokoi kam 1954, kurz nach dem Ende der US-Besatzung Japans, zunächst mit dem Schiff in die Vereinigten Staaten, bevor sie sich an der California School of Fine Arts in San Francisco einschrieb. Dieser selbstbestimmte Schritt wurde zum Ausgangspunkt einer Karriere, die von ständigen Wohnortwechseln zwischen Japan, den USA, Frankreich und der Schweiz geprägt war, sich dabei aber einer einfachen Zuordnung zu einer bestimmten Schule oder Bewegung entzog. A Pacific Line versammelt Werke aus den Jahren 1954 bis 2005 und präsentiert Yokois Schaffen als fortlaufenden Dialog zwischen traditioneller japanischer Ästhetik und der westlichen Moderne der Nachkriegszeit.

Yokois frühe Jahre in den USA markierten eine entscheidende Abkehr von der Figuration hin zu jener sehr persönlichen Abstraktion, die ihr Werk später prägen sollte. „Pose“ aus dem Jahr 1954 bewahrt noch die Konturen einer sitzenden menschlichen Figur, doch deren Körper beginnt sich bereits in orangefarbene, graue und braune Blöcke aufzulösen – ein Vorgriff auf ihren zunehmend rhythmischen Umgang mit Form und Farbe.

Nach ihrem Umzug nach New York im Jahr 1955 studierte sie bei Hans Hofmann, besuchte die Art Students League und bewegte sich in Kreisen um Joan Mitchell, Kenzo Okada und Mark Rothko. Eine Zeit lang lebte sie zusammen mit dem Maler Sam Francis im Chelsea Hotel. Dennoch unterschied sich ihr Werk deutlich von der dominierenden Formensprache des Abstrakten Expressionismus. Gemälde wie „Shizen–Natur“ aus dem Jahr 1960 offenbaren mit ihrer tiefgrünen Fläche, den satten blauen Formen sowie roten und weißen Streifen ein Vokabular, das in der japanischen Kalligrafie, in Haikus und Naturbeobachtungen ebenso verwurzelt ist wie in der gestischen Abstraktion. Yokoi selbst beschrieb ihre Bilder als „in Farben geschriebene Gedichte“ – ein Empfinden, das auf Spaziergänge in der Kindheit durch die Landschaft am Kiso-Fluss sowie auf frühe Kalligrafie- und Poesiestunden bei ihrem Vater zurückgeht.

Die Ausstellung verfolgt zudem Yokois materielle Entwicklung, nachdem sie sich 1962 endgültig in Bern niedergelassen hatte. Dort hielt sie bis zu ihrem Tod im Jahr 2020 eine außergewöhnlich beständige Atelierpraxis aufrecht. Werke wie „Herbstwald“ (1965) und „Lauschen II (Nocturne)“ (1969) nutzen langgestreckte vertikale Formate und konzentrierte Felder in Rot, Schwarz und Blau, um Landschaft in etwas Atmosphärisches, fast schon Musikalisches zu verwandeln, während spätere Arbeiten zunehmend den Umgang mit Papier und Eitempera erforschen.

Mitte der 1970er Jahre hatte sich Yokoi dieses anspruchsvolle Medium vollends zu eigen gemacht und integrierte schließlich handgemischte Pigmente, perlmuttartige Mineralien und metallische Elemente, deren Wirkung sich je nach Licht und Betrachtungswinkel verändert. Das Diptychon „Ohne Titel“ von 1993 beispielsweise weitet diesen Ansatz über leuchtende Felder in Gelb, Blau, Grün und Silber aus, wobei die kalligrafischen Linien und natürlichen Rhythmen erhalten bleiben, die ihre frühesten und spätesten Gemälde miteinander verbinden. Die in Zusammenarbeit mit Emerald Room | Emerald Editions und Kent Fine Art organisierte Ausstellung Teruko Yokoi: A Pacific Line ist noch bis zum 7. November 2026 in der James Fuentes Gallery, 5015 Melrose Avenue in Los Angeles, zu sehen.