บทสัมภาษณ์ภัณฑารักษ์นิทรรศการ Roy Lichtenstein: Like New ที่ Whitney Museum

ปฏิเสธไม่ได้เลยว่า Roy Lichtenstein อยู่ทุกที่รอบตัวเรา ตั้งแต่พิกเซลบนหน้าจอและลายเส้นหนาเตอะอันโดดเด่นของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ในยุคนี้ ไปจนถึงภาพชั่วพริบตาของนางเอกเจ้าน้ำตา อิทธิพลของเขานั้นสลัดออกได้ยาก ผลงานของเขารวดเร็วและพุ่งชนเราอย่างจัง แต่ทำไมสไตล์ลายจุดและคอมิกส์ที่คุ้นตาของเขาถึงบดบังเรื่องราวที่ซับซ้อนกว่านั้นไปได้ล่ะ?

“แค่เพราะเราจำบางสิ่งได้ ไม่ได้หมายความว่าเราเข้าใจสิ่งนั้นอย่างถ่องแท้” Meg Onli หนึ่งในภัณฑารักษ์ของนิทรรศการ Roy Lichtenstein: Like New กล่าว นิทรรศการนี้จะเปิดให้เข้าชมที่ Whitney Museum ในนิวยอร์กวันที่ 11 ตุลาคม โดยรวบรวมผลงานของปรมาจารย์แห่งป๊อปอาร์ตไว้กว่า 130 ชิ้น ทั้งภาพวาด ภาพสเก็ตช์ คอลลาจ ภาพพิมพ์ และประติมากรรมที่สร้างสรรค์ขึ้นตลอดเส้นทางอาชีพกว่าหกทศวรรษของ Lichtenstein แม้จะมีภาพวาดที่ได้แรงบันดาลใจจากคอมิกส์อยู่มากมาย แต่นิทรรศการนี้ยังเผยให้เห็นแง่มุมที่คนไม่ค่อยรู้เกี่ยวกับตัวศิลปิน ทั้งในมุมมองที่เขามีต่อตัวเอง และความหลงใหลในการผสมผสานศิลปะชั้นสูงเข้ากับวัฒนธรรมป๊อปที่เคยถือว่าขบถในยุคนั้น ซึ่งกลับเข้ากันได้อย่างลงตัวกับไลฟ์สไตล์ติดจอของผู้ชมในยุคปัจจุบัน

นิทรรศการ Like New ฉายภาพให้เห็นศิลปินผู้เข้าใจอนาคตของภาพและการชื่นชมอย่างลึกซึ้งต่อการสร้างและทำลายความหมายที่ไม่มีวันสิ้นสุด ตั้งแต่คำสอนที่จริงจัง (และแปลกประหลาดเอามากๆ) ของ Hoyt Sherman ที่ Ohio State University ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นรากฐานมุมมองของ Lichtenstein ไปจนถึงผลงานที่เขาสร้างสรรค์ขึ้นในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต ซึ่งเชื่อมโยงไปถึงนิทรรศการปี 1997 ที่ชั้นบน เมื่อก้าวเข้ามา สิ่งแรกที่ดึงดูดสายตาและเซ็ตมู้ดของงานได้อย่างยอดเยี่ยมคือการจำลองผลงาน “Greene Street Mural” (1983) ความยาวเกือบ 100 ฟุต ซึ่งเป็นหนึ่งในภาพจิตรกรรมฝาผนังสี่ชิ้นที่สตูดิโอของ Alex Da Corte ศิลปินและภัณฑารักษ์ร่วมได้สร้างขึ้นมาใหม่

ไฮไลต์ทางประวัติศาสตร์คือการพาย้อนกลับไปสู่นิวยอร์กของ Lichtenstein อย่างแท้จริง ด้วยการจำลองแกลเลอรีซ้อนแกลเลอรีจากนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของเขาในปี 1962 ที่ Leo Castelli gallery นี่คือการกลับมารวมตัวกันครั้งแรกของผลงานทั้งหมดนับตั้งแต่นั้น รวมถึง “Laughing Cat” (1961) ที่ Andy Warhol เคยเป็นเจ้าของ ถัดมาคือเหล่าผลงานนางเอกที่โด่งดังที่สุดของเขาอย่าง “Drowning Girl” (1963), “Crying Girl” (1963) และ “Girl in Window (Study for World’s Fair Mural)” (1963) ซึ่งถูกขยายขนาดให้ใหญ่โตตระการตาบนระเบียงด้านนอก ข้างๆ กันนั้นคือผลงานจำลองที่แทบจะเหมือนกันทุกประการ รวมถึงผลงานที่ใช้เป็นต้นแบบ เช่น ภาพทำซ้ำของ Elaine Sturtevant ที่ Lichtenstein เป็นคนให้สเตนซิลไป เขาถึงขั้นเซ็นชื่อบนภาพวาดของ Raymond Pettibone ราวกับว่าเป็นของจริง Lichtenstein หลงใหลในการก็อปปี้ของการก็อปปี้มากกว่าแค่การทำสำเนาทั่วไป ซึ่งความหมกมุ่นนี้ยังคงเป็นรากฐานของวัฒนธรรมการรีโพสต์ในยุคปัจจุบัน รวมถึงความหมายใหม่ๆ ที่ภาพแต่ละภาพได้รับเพิ่มขึ้นจากการแชร์ทุกครั้ง

นิทรรศการ Roy Lichtenstein Like New ที่ Whitney Museum บทสัมภาษณ์ภัณฑารักษ์ Meg Onli และ Alex Da Corte นิวยอร์ก งานศิลปะ

“ความตั้งใจของเราตั้งแต่แรกคือการทำให้คุณใช้เวลาดื่มด่ำกับผลงานของ Lichtenstein ช้าลง” — Alex Da Corte

ด้วยรอยแปรงที่เนี้ยบจนคุณอาจเผลอคิดไปว่าใช้เครื่องจักรทำ ความลุ่มลึกเชิงคอนเซปต์ในผลงานของ Lichtenstein จึงมักถูกบดบังด้วยความสมบูรณ์แบบทางเทคนิค (และหากยังมีใครสงสัยในพลังแบรนด์ของ Lichtenstein ลองไปดูเสื้อฟลีซลายจุด Ben-Day ของ Gap สิ) Da Corte อธิบายว่า “ความตั้งใจของเราตั้งแต่แรกคือการทำให้คุณใช้เวลาดื่มด่ำกับผลงานของ Lichtenstein ช้าลง” ทั้งที่เขาเป็นศิลปินที่ขึ้นชื่อเรื่องความฉับไว คำว่า “งานทำมืออย่างแท้จริง” เป็นสิ่งที่ถูกเน้นย้ำตลอดนิทรรศการที่ Whitney แห่งนี้ โดยมีความหวังที่จะสร้างความเป็นมนุษย์ในความสัมพันธ์ระหว่างผู้ชมกับผลงาน และคืนชีวิตชีวาให้กับสัมผัสของศิลปินลงในนั้น

ต้องยอมรับว่าตอนที่รับทำนิทรรศการ Like New ทั้ง Onli และ Da Corte ไม่ได้เป็น “ผู้เชี่ยวชาญด้านป๊อปอาร์ต” Onli ซึ่งเป็นภัณฑารักษ์ของงาน Whitney Biennial ปี 2024 เคยเป็นผู้นำ Underground Museum ของ Noah Davis มาก่อน ในขณะที่ Da Corte ศิลปินคอนเซปชวลลูกครึ่งเวเนซุเอลา-อเมริกันและศิษย์เก่าเวนิสเบียนนาเล่ปี 2019 เป็นที่รู้จักจากผลงานอเมริกันป๊อปคัลเจอร์ที่จัดจ้านและดึงดูดใจ แต่ประสบการณ์ของพวกเขาก็สามารถตอบโจทย์ผู้รักศิลปะรุ่นใหม่ได้ โดยช่วยให้พวกเขาสามารถเชื่อมโยงผลงานของ Lichtenstein เข้ากับดินแดนที่ยังไม่เคยถูกสำรวจมาก่อน เช่นเดียวกับการบีบซอสมะเขือเทศสุดเก๋ที่ Da Corte เติมแต่งลงบนป้ายโฆษณา “Hot Dog” ฝั่งตรงข้ามถนน พวกเขารู้ดีว่าจะดึงดูดรสนิยมของผู้ชมได้อย่างไร ในขณะเดียวกันก็ท้าทายให้เราทำความเข้าใจศิลปินในมุมมองใหม่ ก่อนที่นิทรรศการจะเปิด Onli และ Da Corte ได้มาพูดคุยถึงจุดต่างๆ มากมายใน Like New และวิธีปะติดปะต่อเรื่องราวเหล่านั้น

ภูมิหลังที่ไม่เหมือนใครของพวกคุณแต่ละคนช่วยกำหนดแนวทางในการเป็นภัณฑารักษ์อย่างไรบ้าง?

Meg Onli: เราไม่ได้เข้ามาศึกษาผลงานของ Lichtenstein ในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านป๊อปอาร์ต เราต่างมีความเชี่ยวชาญเฉพาะด้านของตัวเอง เราเลยอยากนำเอาความสนใจและประสบการณ์ส่วนตัวมาประยุกต์ใช้เพื่อมอง Lichtenstein ในมุมที่ต่างออกไป

Alex Da Corte: ในฐานะศิลปินที่ยังทำงานในสตูดิโอ ผมรู้สึกว่าสิ่งสำคัญคือการค้นหาและให้เกียรติ Roy รวมถึงผลงานของเขาในห้วงเวลาที่เขาสร้างสรรค์มันขึ้นมา และค้นหาว่าเขากำลังสื่อสารอะไรผ่านงานเหล่านั้น สำหรับผมและ Meg การทำความเข้าใจและอ้างอิงถึงวิธีที่เขาถ่ายทอดคำพูดลงในผลงาน ณ เวลานั้นกลายมาเป็นแกนหลักสำคัญในการจัดนิทรรศการนี้

การเป็นภัณฑารักษ์จัดนิทรรศการให้กับศิลปินที่มีผลงานเป็นที่รู้จักอย่างแพร่หลายอย่าง Lichtenstein มีความท้าทายอย่างไรบ้าง? และมันเปิดโอกาสอะไรให้คุณบ้าง?

Da Corte: สิ่งที่น่าสนใจเกี่ยวกับ Lichtenstein คือเขาอยู่ทุกที่ อิทธิพลของเขาอยู่รอบตัวเรา แม้ว่าบางครั้งเราอาจจะไม่รู้เลยว่าสิ่งที่เรากำลังมองอยู่นั้นอาจมีที่มาจากเขาก็ตาม นั่นคือความท้าทายในการทำนิทรรศการนี้ ผลงานของเขามันฉับไว รวดเร็ว โดดเด่นด้วยกราฟิกและเตะตา แต่ในขณะเดียวกัน แนวคิดเบื้องหลังผลงานของเขากลับต้องใช้เวลาตีความ มีความลุ่มลึก และถ้าพูดตามตรง เราก็พบว่ามันแปลกประหลาดมากทีเดียว ความตั้งใจของเราตั้งแต่แรกคือการทำให้คุณใช้เวลาดื่มด่ำกับผลงานของ Lichtenstein ช้าลง

Onli: มันเปิดโอกาสให้ Alex และฉันได้มองย้อนกลับไปและทำความเข้าใจถึงแก่นแท้บางอย่างที่ขับเคลื่อนตัวเขาหรือผลงานของเขา ซึ่งรวมถึงการฝึกฝนในช่วงแรกที่ Ohio State University เขาหลงใหลในเรื่องวิทยาศาสตร์อย่างมาก พอถึงช่วงต้นปี ‘65 เขาก็เริ่มพูดถึงจุดต่างๆ ในงานของเขาว่ามันเชื่อมโยงกับข้อมูล เขาไม่ได้ยึดติดอยู่กับเรื่องราวของภาพพิมพ์ที่เรามักจะเห็นจากศิลปินแบบเขาเสมอไป

“เขาไม่ได้ยึดติดอยู่กับเรื่องราวของภาพพิมพ์ที่เรามักจะเห็นจากศิลปินแบบเขาเสมอไป” — Meg Onli

มีเรื่องราวหรือแง่มุมไหนที่คาดไม่ถึงและโดนใจคุณเป็นพิเศษจากการทำนิทรรศการนี้ไหม?

Onli: สิ่งที่นิทรรศการนี้แตกต่างไปจากงานอื่นๆ ก่อนหน้าก็คือ การที่เราได้เห็นว่าเขาสามารถหยิบเอาภาพต้นฉบับ ไม่ว่าจะเป็นจากหนังสือพิมพ์ หนังสือการ์ตูน หรือแม้แต่หนังสือประวัติศาสตร์ศิลปะ มาขยายขนาดไม่เพียงแค่ให้พอดีกับผืนผ้าใบ แต่ขยายใหญ่จนได้สเกลเทียบเท่ากับสถาปัตยกรรม ภายในงานนี้มีภาพจิตรกรรมฝาผนังวาดมือถึง 4 ชิ้น นี่คือสิ่งที่ Alex และฉันตั้งใจมากที่จะนำเสนอเพื่อมอบประสบการณ์ที่ไม่เหมือนใครให้กับนิทรรศการนี้

Da Corte: นอกจากนี้แล้ว ผลงานของ Roy ล้วนเป็นงานทำมือ ดังนั้นเวลาที่คุณเห็นภาพจำลองของงานเหล่านี้ มันมักจะดูเงางาม คุณจะไม่เห็นรอยดินสอ รอยลบ และร่องรอยการแก้ไขที่แสดงให้เห็นถึงความผูกพันของเขากับการสร้างสรรค์ผลงาน สำหรับผม นั่นคือการค้นพบที่ยิ่งใหญ่และยังเป็นสิ่งที่สอนให้เราได้เรียนรู้เกี่ยวกับการสร้างสรรค์และใช้เวลากับผลงานศิลปะอีกด้วย

Lichtenstein มีอิทธิพลต่อโลกของภาพถ่ายในยุคปัจจุบันและวิธีที่เราจัดการกับภาพเหล่านั้นอย่างไร?

Da Corte: เราเปิดนิทรรศการด้วย “Greene Street Mural” ม้วนสัญลักษณ์และรูปภาพที่ Roy สร้างสรรค์ขึ้นในปี 1983 นี้ คล้ายกับสายธารภาพที่เราพบเห็นอยู่ตลอดเวลาบนหน้าฟีดโซเชียลมีเดีย ความชอบของเขาในการซ้อนทับและทำซ้ำตัวเองในผลงาน ตลอดจนแนวคิดเรื่องการอ้างอิงถึงตัวเอง ล้วนเป็นธรรมชาติของวิธีที่เราทำความเข้าใจตัวเราเองในความสัมพันธ์กับโลกและรูปภาพในทุกวันนี้ นิทรรศการนี้บอกเล่าเรื่องราวทั้งสองมุมและสื่อสารกับคนรุ่นใหม่ที่มีวิถีชีวิตเชื่อมโยงกับการสื่อสารในรูปแบบนี้

นิทรรศการ ‘Roy Lichtenstein: Like New’ พิสูจน์ให้เห็นว่านี่ไม่ใช่แค่ป๊อปอาร์ตยุคคุณพ่อคุณแม่

ภาษาไทย

บัญชี

หมวดหมู่

เพิ่มเติม

ร้านค้า

ที่อื่น

เกี่ยวกับเรา