Anime ‘THE GHOST IN THE SHELL’, do Science SARU, resgata as origens da franquia

Adaptar uma IP cyberpunk icônica, com um impacto cultural global gigantesco, exige um estúdio que não tenha medo de quebrar todas as regras — e é exatamente por isso que a Science SARU assumir Ghost in the Shell faz todo sentido. Antes de o grande público de anime realmente perceber isso, durante a estreia em 2024 de DAN DA DAN, o estúdio já cultivava, há muito tempo, uma base de fãs cinéfilos com status de culto.

Cofundado em 2013 pelo visionário excêntrico Masaaki Yuasa ao lado de Eunyoung Choi, o estúdio lapidou uma estética própria por meio de um estilo de arte eclético, expressivo, ousado e aparentemente “solto”. Numa época em que visuais digitais hiperpolidos e assépticos se tornaram o padrão da indústria, a Science SARU manteve intacta sua veia experimental — uma linhagem criativa rebelde que vai do espetáculo alucinante que é Space Dandy, ao devaneio artsy e lúdico de The Night Is Short, Walk On Girl até a escuridão visceral, aclamada pela crítica, de Devilman Crybaby.

Agora, o estúdio está aplicando sua assinatura estilística a uma das franquias mais reverenciadas do anime em escala global. Depois de décadas de adaptações icônicas para cinema e TV — sobretudo o lendário e melancólico longa-metragem de 1995 de Mamoru Oshii e Stand Alone Complex — a franquia acaba de passar por uma transformação tonal radical. Recém-lançada mundialmente, a nova adaptação para TV se afasta com coragem do tom estoico de suas antecessoras. Em vez disso, a série funciona como uma adaptação direta e vibrante, que canaliza com precisão o espírito, as camadas de humor e o ritmo frenético do mangá original de 1989 de Masamune Shirow.

Sob a direção de Mokochan, ao lado dos produtores Kengo Abe, da Bandai Namco, e Kohei Sakita, da Science SARU, o projeto ainda convoca o aclamado autor de ficção científica EnJoe Toh para o design de personagens. Além disso, o anime está repleto de colaborações surpreendentes e de peso — Hajime Sorayama assina o logo metálico e cromado do título, King Gnu entrega a música de abertura, enquanto MILLENNIUM PARADE rompe uma pausa de dois anos para lançar uma faixa colaborativa com Saya Gray e Daniel Caesar.

Pouco antes da estreia do anime, a Hypebeast conversou com Mokochan, da Science SARU, para falar sobre sua abordagem para o novo GHOST IN THE SHELL anime.

©2026 Shirow Masamune/Kodansha/The Ghost In The Shell Committee

©2026 Shirow Masamune/Kodansha/The Ghost In The Shell Committee

©2026 Shirow Masamune/Kodansha/The Ghost In The Shell Committee

Ghost in the Shell teve um impacto cultural tão grande no mundo todo. Quando a oportunidade surgiu pela primeira vez para a Science SARU, o que fez o estúdio querer assumir uma herança tão lendária?


Mokochan: Eu tive meu primeiro contato com Ghost in the Shell quando eu estava no ensino médio — por acaso li o mangá de Masamune Shirow e assisti ao filme de 1995 de Mamoru Oshii praticamente na mesma época. Desde então, sou um fã absoluto da franquia. Então, quando o convite chegou até nós, eu fiquei completamente empolgado.

Quais foram seus primeiros pensamentos e sentimentos quando você descobriu que trabalharia neste projeto?

Para além da empolgação inicial, eu senti imediatamente um enorme senso de responsabilidade e pressão. Este projeto representa uma oportunidade raríssima de adaptar diretamente o mangá original para uma série de anime, e eu estava muito consciente das enormes expectativas que os fãs depositariam em nós.

As adaptações anteriores — como o filme de 1995 ou Stand Alone Complex — são reverenciadas pela comunidade por serem muito sombrias e sérias. Mas o tom e o clima da nova adaptação parecem estar mais próximos do mangá original de 1989, de Masamune Shirow. Você pode falar mais sobre essa mudança de tom?


Como criadores atuando na indústria de anime atual, é natural que tenhamos sido profundamente moldados e espiritualmente influenciados pelas adaptações monumentais que vieram antes de nós. No entanto, a filosofia central deste projeto específico foi encarar o mangá original de frente. Para nós, não se tratava apenas de preservar cenários ou pontos de trama na superfície; era vital capturar o espírito genuíno das páginas originais de Shirow.

Para o público que só conheceu Ghost in the Shell pela lente dessas versões mais sombrias e estoicas nas telas, essa energia mais luminosa e dinâmica pode causar um certo choque no começo. Mas podem ficar tranquilos: os temas centrais não mudaram em nada. Eu realmente espero que o público abrace esses contrastes — e consiga aproveitar as diferenças de atmosfera que cada era da franquia coloca à mesa.

“Para nós, não se tratava apenas de preservar cenários ou pontos de trama na superfície; era vital capturar o espírito verdadeiro das páginas originais de Shirow.”

Na sua opinião, o que mais diferencia esta adaptação específica das anteriores?


Em comparação com as versões anteriores em anime, a narrativa do mangá original tem uma humanidade muito mais evidente — você sente de fato um calor, um pulso humano palpável atravessando tudo. Embora a série retrate de forma explícita tecnologias do futuro e uma sociedade hiperavançada, o núcleo temático continua ancorado em uma pergunta clássica e atemporal: como um indivíduo escolhe viver no mundo? Essa é uma questão existencial que ressoa profundamente com os seres humanos, independentemente da época em que vivem.

No mangá original, a Major Motoko Kusanagi é muito mais esquentada e expressiva do que as versões estoicas que vimos até hoje nas telas. Como vocês abordaram o desafio de trazer essa energia específica para a animação dela?


Acredito que a maior força da arte do mangá está na capacidade de capturar uma impressão psicológica vívida. Como a Motoko é um ciborgue de corpo inteiro, a pele dela poderia, realisticamente, parecer mais rígida que a de um humano comum, e a temperatura corporal poderia ser totalmente fria. Mas, como animadores, nosso objetivo não era enfatizar esse exterior frio e mecânico. Em vez disso, queríamos projetar seu eu interior e sua personalidade diretamente na tela. Para chegar a essa estética, o uso de “deformação” visual e de uma exageração acentuada se tornou absolutamente essencial na nossa linguagem de design.

©2026 Shirow Masamune/Kodansha/The Ghost In The Shell Committee

©2026 Shirow Masamune/Kodansha/The Ghost In The Shell Committee

©2026 Shirow Masamune/Kodansha/The Ghost In The Shell Committee

As páginas do mangá original de Masamune Shirow são famosas por serem abarrotadas de conceitos técnicos, ideias e notas de rodapé do autor. Como vocês abordaram a tarefa de traduzir essa energia hiperdensa para a animação?

Esse, na verdade, é um dos aspectos de que mais gostamos no mangá original. Preservar essa atmosfera multifacetada e rica em informação, sem diluí-la no processo de adaptação, foi um dos maiores desafios criativos de toda a produção. Precisamos recorrer a uma quantidade enorme de experimentação e de resolução criativa de problemas em todos os departamentos — desde o cuidado em sobrepor detalhes nas paletas de cores, layouts de cenários, ritmos de montagem, desenho de som, até as próprias atuações de voz.

A Science SARU é amplamente conhecida por um estilo de animação muito fluido e expressivo. Houve desafios específicos na hora de dar vida ao mundo cyberpunk de Ghost in the Shell?

Um dos temas mais importantes que atravessam o material original é o mistério da própria vida. Para mim, a animação tradicional desenhada à mão, como forma de arte, sempre despertou exatamente esse mesmo tipo de encantamento. Um quadro desenhado à mão é mais do que uma expressão visual; é um rastro físico do corpo do animador deixado no papel. Por causa dessa conexão, contar essa história explicitamente por meio de mãos humanas era algo extremamente importante para nós. Colocamos uma energia e um cuidado imensos nessa execução artesanal justamente porque ela espelha os próprios temas de Ghost in the Shell.

“Eu enxergo este projeto como um ‘retorno às origens’ calculado — um reset que só pôde acontecer justamente por causa da era contemporânea em que vivemos hoje.”

Sem entregar nenhum spoiler, qual é uma cena ou elemento destes primeiros episódios que mais te empolga?

A cena em que Daisuke Aramaki e Motoko Kusanagi se cruzam pela primeira vez é algo em que nós, como criadores, colocamos nossas almas inteiras. A série inteira, em essência, se acende a partir do momento exato em que os mundos deles colidem, e a narrativa como um todo funciona como um estudo de como essa relação evolui dali em diante. É um segmento fundamental, que tratamos com um cuidado imenso.

Que tipo de experiência os novos fãs e os já antigos podem esperar do novo anime de Ghost in the Shell?


Nossa missão fundamental foi traduzir com fidelidade o mangá seriado de 1989 para um formato de anime contemporâneo. Enxergamos os mais de 30 anos que se passaram desde sua estreia nas páginas impressas como algo extremamente significativo. Nesse sentido, eu encaro este projeto como um “retorno às origens” calculado — um reset que só pôde acontecer justamente por causa da era contemporânea em que vivemos hoje.

Para fãs antigos da franquia, acredito que descobrir esse lado mais cru e ainda não adaptado do material original será o aspecto mais recompensador. Ao mesmo tempo, para quem está entrando neste universo pela primeira vez, como isso funciona como um reset definitivo, toda a construção de mundo e a trama na superfície não estão amarradas às adaptações anteriores — o que, na minha visão, torna desta uma porta de entrada bem acessível para a franquia.