Stuart Vevers e Kyle Ng: criando um universo de curiosidade, nostalgia e diversão

O que torna um objeto de luxo realmente significativo? Para o diretor criativo da Coach, Stuart Vevers, a resposta não está em manter uma bolsa impecável dentro de um saco de proteção; ela vive nos arranhões, nas memórias acumuladas e na liberdade absoluta de customização. Essa filosofia encontra sua expressão máxima – e mais radical – na nova colaboração da Coach com a Brain Dead, um projeto que vira de cabeça para baixo as fronteiras tradicionais entre o luxo de herança e a crueza das subculturas, trocando a sinergia corporativa por uma curiosidade genuína e compartilhada sobre como as pessoas colecionam, interagem e criam vínculos emocionais com os objetos que possuem ao longo do tempo.

Centrada em um parque temático fictício, a coleção funciona como uma série de souvenirs surreais de um lugar que não existe. Ela canaliza uma energia bem Harajuku do fim dos anos 1990, inspirando-se diretamente nas camadas milimetricamente pensadas e na customização registrada no arquivo da revista de TóquioFRUiTS . A coleção estreou em uma apresentação surpresa em Nova York, onde os convidados se deixaram levar por completo por esse universo de parque de diversões. O ápice dessa proposta lúdica veio em um desfile relâmpago de 80 segundos, em formato de flashmob, que atravessou a plateia como um cortejo pelo parque Coach x Brain Dead.

Depois do lançamento, a Hypebeast conversou com Stuart Vevers sobre mergulhar no universo de Kyle Ng, criar “merchandise” para um cenário imaginário e por que as melhores colaborações são justamente aquelas que não se pode prever.

Matthew Yoscary

Matthew Yoscary

Como essa colaboração entre Coach e Brain Dead começou? Qual foi o estalo por trás dessa parceria?

Stuart Vevers:Começou de um jeito bem orgânico. Eu já conhecia o Kyle e o que ele tinha construído com a Brain Dead há algum tempo, e sempre admirei o quanto o trabalho dele parece conectado a comunidades criativas de verdade. Quando começamos a conversar, ficou claro muito rápido que estávamos interessados em algumas das mesmas ideias. Ambos nos importamos com individualidade e autoexpressão, mas também com a relação emocional que as pessoas criam com aquilo que possuem. Não só comprar algo, mas colecionar, customizar e viver com esse objeto ao longo do tempo. Acho que foi isso que tornou a colaboração empolgante desde o início. Nunca pareceu uma parceria forçada; dava a sensação de que aquela curiosidade em comum já existia, e a coleção foi crescendo naturalmente a partir daí.

Toda parceria tem seus momentos de atrito ou de divergência criativa. Como vocês navegaram por isso durante o processo de criação?

O interessante é que o Kyle trouxe referências do street style de Tóquio logo de cara, especialmente o universo registrado naFRUiTS . Nós já estávamos explorando ideias parecidas no nosso próprio trabalho, então a conexão foi imediata. O que eu amo nesse estilo específico é a individualidade crua — o cuidado absurdo que as pessoas colocam em cada detalhe. O jeito como tudo é sobreposto, customizado e transformado em algo intensamente pessoal. Nada parece excessivo, mas tudo é profundamente pensado. O Kyle nos empurrou para uma sensação maior de espontaneidade, irreverência e diversão, e eu estava animado para explorar como essas ideias mais subversivas poderiam se encontrar com a herança de savoir-faire da Coach e com a nossa crença central de que a moda precisa ser pessoal. Acho que as melhores colaborações não existem para encontrar um meio-termo seguro. Elas servem para criar algo totalmente novo, a que nenhum dos lados teria chegado sozinho. Quando olho para a coleção agora, é disso que eu mais me orgulho.

“Acho que as melhores colaborações não se tratam de encontrar um meio-termo seguro. Elas existem para criar algo inteiramente novo, a que nenhum dos parceiros teria chegado sozinho.”

A coleção se estrutura em torno desse tema incrível de parque de diversões fictício. O que fez um parque parecer o cenário perfeito para essa colaboração?

Há algo em um parque de diversões que junta perfeitamente brincadeira, fantasia e uma sensação real de escapismo. Também nos interessava muito a ideia de uma cultura de souvenirs — colecionar objetos que carregam um significado específico, que remetem a um lugar preciso ou capturam um momento fugaz. Coisas que são pessoais, imperfeitas e carregadas de emoção. A ideia de criar merchandise para um lugar que nem existe de verdade foi extremamente estimulante para nós. Isso nos permitiu construir um mundo que soa familiar, mas é completamente imaginado. Foi daí que nasceram nossos personagens Kachi, Xerx e Zilly, e o motivo de a coleção ter se tornado muito maior do que apenas roupas ou bolsas.

Uma das minhas partes favoritas do projeto foi a forma como, no fim, demos vida a esse mundo. Construímos um parque de diversões imersivo em Nova York, com brinquedos, jogos, mascotes, barraquinhas de merch, música e comida. E então, exatamente no meio da noite, paramos tudo e lançamos um desfile de 80 segundos bem no centro da multidão. Adorei que tivesse um certo caos. As pessoas não estavam sentadas em filas certinhas esperando começar; simplesmente aconteceu em volta delas. Em um momento em que a moda pode parecer muito polida e excessivamente coreografada, havia algo muito empolgante em fazer exatamente o oposto. A ambição não era criar o maior espetáculo, o mais exclusivo. Era criar um mundo no qual as pessoas realmente quisessem entrar, mesmo que só por algumas horas.

Matt Weinberger/Garret Bruce

Matt Weinberger/Garret Bruce

Matt Weinberger/Garret Bruce

Matt Weinberger/Garret Bruce

Matt Weinberger/Garret Bruce

Matt Weinberger/Garret Bruce

Matt Weinberger/Garret Bruce

Há um foco enorme em customização aqui, com charms, pins e patches. Por que foi importante para você dar esse tipo de liberdade criativa ao consumidor com as suas bolsas icônicas?

Sempre me interessou, de forma muito profunda, a relação que as pessoas constroem com aquilo que possuem. As bolsas que se tornam mais significativas para nós nem sempre são as que ficam intactas dentro de uma caixa. São as que acumulam memórias, histórias reais e marcas visíveis de quem as leva pelo mundo. O que eu gostei nos charms, patches e adornos foi que eles deixaram a coleção inteira mais aberta e colaborativa. As pessoas podiam interagir com ela, acrescentar camadas e torná-la mais conectada às suas próprias vidas. Ver como as pessoas se ligaram tão rápido às bolsas e aos charms só reforçou algo em que venho pensando há um tempo: acho que as pessoas estão buscando objetos que pareçam mais pessoais, mais emocionalmente conectados. Não apenas algo para ter, mas algo a que elas possam, de fato, se apegar.

“A ideia de criar merchandise para um lugar que, na prática, não existe foi muito empolgante para nós. Isso nos permitiu construir um mundo que soa familiar, mas é completamente imaginado.”

Você enxerga esse universo Coach x Brain Dead como um projeto pontual ou existem planos de expandir essa parceria no futuro?

Sinceramente, não criamos nada pensando no que poderia vir depois. Estávamos totalmente focados em fazer algo que nos empolgasse naquele momento e em construir esse mundo específico da forma mais completa possível. O mais gratificante tem sido ver como as pessoas reagiram. Os personagens, o evento ao vivo, as bolsas, a customização — tudo isso parece ter se conectado de verdade ao espírito cru do projeto, algo que você nunca consegue prever ou fabricar. Eu não tenho um plano-mestre rígido sobre para onde isso vai a partir daqui, mas adorei trabalhar com o Kyle. A colaboração foi muito natural e muito criativa. Então, embora eu ache que este projeto se sustente muito bem sozinho, aprendi a nunca dizer nunca.