Este terno Y/Project é a definição de “Costume Art” no Met

Embora alguns possam achar “Costume Art” um nome um tanto literal para a próxima grande exposição de moda do Met, assim como o tema de gala “Fashion Is Art”, o título transmite com clareza a ideia central do evento: a relação inseparável entre o corpo vestido e a história da arte.

Falando sobre a futura exposição em fevereiro passado, o curador-chefe Andrew Bolton afirmou que “queria enfatizar a centralidade do corpo vestido dentro do Museu, conectando as representações artísticas do corpo à moda como uma forma de arte incorporada”. Bolton acrescentou que, em vez de dar primazia à “visualidade” da moda, “que muitas vezes acontece em detrimento do corporal”, Costume Art irá se concentrar na “materialidade e na conexão indivisível entre nossos corpos e as roupas que vestimos”. A exposição de 2026 marca, de forma bastante emblemática, a inauguração oficial das Condé M. Nast Galleries, um espaço de 12 mil pés quadrados que passará a abrigar as próximas mostras do Costume Institute.

Courtesy Of The Met

Courtesy Of The Met

“Em vez de priorizar a visualidade da moda, que muitas vezes ocorre em detrimento do corporal, Costume Art privilegia sua materialidade e a conexão indivisível entre nossos corpos e as roupas que vestimos.” — Andrew Bolton

Se os temas deste ano já parecem bastante evidentes, o terno da Y/Project visto nos previews é ainda mais incisivo em sua mensagem. Criado em colaboração entre o então diretor criativo Glenn Martens e Jean Paul Gaultier para o FW22, o trompe-l’oeil reaproveita o clássico terno masculino de duas peças como tela em branco para a figura nua em meio-tom.

Durante todo o período da mostra, o terno nu ficará posicionado ao lado de uma estátua de mármore de Diadoumenos, datada entre os séculos I e II d.C., traçando paralelos entre suas representações idealizadas do “Corpo Clássico”. Outras peças em destaque serão divididas em categorias como “O Corpo Nu”, “O Corpo que Envelhece” e “O Corpo Anatômico”.

Com sua representação fotográfica franca do corpo masculino, o terno se destaca de outros looks mostrados nos previews, incluindo os vestidos intrincados de Dilara Findikoglu e Rei Kawakubo. Enquanto muitas das outras obras exibem intervenções de forma e um foco em silhuetas femininas, o terno da Y/Project aposta na ilusão de ótica e em uma forma declaradamente masculina.

Jean Paul Gaultier Wears Ss96 (getty Images)

Sem uma análise mais atenta, é fácil descartar o terno da Y/Project como uma contradição à proposta curatorial de Bolton. O terno não estaria justamente focado na visualidade da moda, com seus gráficos bidimensionais? A visualidade de fato assume o primeiro plano no método do trompe-l’oeil — a expressão, literalmente, significa “enganar o olho”.

No entanto, isso não acontece em detrimento do corporal; ao contrário, o terno devolve a atenção ao corpo, cumprindo o objetivo de “conectar as representações artísticas do corpo à moda como uma forma de arte incorporada”, como descreve Bolton. De forma mais ampla, ele coloca a proposta da exposição — a “conexão indivisível entre nossos corpos e as roupas que vestimos” — em chave metafórica: o corpo escapa debaixo da roupa e se reafirma na própria superfície do tecido.

Apresentado pouco antes da saída de Glenn Martens e do encerramento subsequente da marca, o terno era apenas um entre vários looks de Y/Project FW22 que retomavam as estampas trompe-l’oeil dos anos 1990 de Jean Paul Gaultier. As peças colaborativas faziam referência direta à coleção SS96 de Gaultier, “Pin Up Boys”na qual torsos musculosos em meio-tom apareciam estampados em camisas sociais (usadas, famosamente, por Robin Williams).

Getty Images

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A releitura da dupla em 2022 foi além, exibindo corpos nus masculinos e femininos em toda a sua extensão, genitália incluída. E, como se a ideia ainda não tivesse chegado ao limite, a estreia de Duran Lantink na SS26 de Jean Paul Gaultier, para dizer o mínimo, quebrou a quarta parede com uma estampa fotográfica de nudez em cobertura total.

Para Gaultier, e talvez também para seus pares mais jovens, a roupa se torna um espaço de provocação e subversão, em sintonia com o trabalho ilusório de artistas surrealistas do século XX. Nos anos 1930, a perturbadora obra “Object” de Méret Oppenheim cobria uma modesta xícara de chá com peles luxuosas, e os relógios derretidos de Salvador Dalí transformavam objetos sólidos em massas viscosas. Pode-se dizer que esses artistas visionários e seus contemporâneos prepararam o terreno para a entrada do Surrealismo no universo da moda. Ainda assim, Elsa Schiaparelli já criava seu suéter trompe-l’oeil Bow Knot anos antes de essas obras serem sequer concluídas.

Bow Knot Sweater, Moma

Gaultier pode ter sido o pai da interpretação contemporânea do trompe-l’oeil de nudez como motivo, mas certamente não foi o primeiro a usar o método em sentido amplo. Em 1927, Elsa Schiaparelli começou a produzir o icônico Bow Knot e outras peças com detalhes trompe-l’oeil. O status da estilista italiana como “surrealista” só se fortaleceria quando ela colaborou com Salvador Dalí no Lobster Dress em 1937. Em outro momento, a Hermès adotou uma abordagem mais sutil nos anos 1950, emprestando pinceladas que delineavam os supostos bolsos, golas e botões de seus vestidos.

O que diferenciou o desenvolvimento posterior de Gaultier foi a própria representação da nudez. Em vez de a ilusão recair sobre as qualidades da roupa, o sujeito do vestuário é praticamente eliminado, e o olhar é enganado a ponto de “ver através” da peça. Além disso, os corpos inicialmente revelados por Gaultier e, depois, por Martens para a Y/Project não eram quaisquer corpos; eram musculosos e em forma de ampulheta — refletindo ideais específicos de imagem corporal. Inserido no contexto do “Corpo Clássico” e posicionado ao lado do mármore Diadoumenos, o trabalho evoca como os antigos gregos glorificavam o corpo humano nu em sua cultura visual, especialmente a figura masculina.

Jean Paul Gaultier, Ss26

Considerando o tom frequentemente irônico adotado por Gaultier e por seus sucessores, pode-se dizer que esses designers provavelmente estão menos interessados em promover um tipo físico específico e mais em implodir esses ideais por completo. Em um desvio radical do idealismo grego, os nus trompe-l’oeil de Duran Lantink para Jean Paul Gaultier SS26 não eram excepcionalmente sexies, mas sim bastante comuns. Em vez de corpos musculosos e depilados, Lantink expôs corpos mais magros e peludos, que transitavam com fluidez entre modelos masculinos e femininos. Ao enxergar o terno da Y/Project como parte dessa linha do tempo sinuosa, o look se torna apenas um nó em uma narrativa mais ampla sobre a representação do corpo na arte e no vestuário.

A roupa, em seu sentido mais amplo, de fato precede as concepções modernas de “arte”, um campo que começou a florescer nas primeiras civilizações, quando as necessidades básicas de comida, roupa e abrigo passaram a ser atendidas em larga escala. Com foco principal na “arte ocidental, da pré-história ao presente” na exposição deste ano, o corpo vestido pode carregar significados que vão da classe econômica às normas de gênero — e o corpo nu também.

Se, fora dos muros do museu, a nudez costuma ser rejeitada, lá dentro as imagens de corpos nus são celebradas, entalhadas em antigos mármores brancos sobre pedestais e pintadas com hiper-realismo. A colaboração Jean Paul Gaultier x Y/Project — e todo o seu legado ampliado — inverteu essa dinâmica, tirando a nudez do contexto museológico e levando-a para o cotidiano.

Peter White/Getty Images

Ela desafia tanto os convidados quanto o público a enxergar a moda para além das aparências, aproximando-os de sua essência viva: o corpo.

Assim como o foco no Black Dandyism no ano passado colocou a alfaiataria masculina no centro das atenções, o Met Gala 2026 deve definir o tom da moda para o ano que vem. Diferentemente de outras edições, esta exposição não está atrelada a uma cultura ou sensibilidade visual específica. Ela desafia tanto os convidados quanto o público a enxergar a moda para além das impressões superficiais, aproximando-os de sua essência viva no corpo. Nesse sentido, a criação conjunta de Glenn Martens e Jean Paul Gaultier funciona como ilustração literal e figurativa do tema.

Historicamente, a moda foi colocada em um compartimento à parte da arte, vista como uma prática menos profunda e mais comercial, abaixo do status elevado da pintura e da escultura. Ao abrir as portas das novas Condé M. Nast Galleries — um espaço expositivo dedicado ao Costume Institute —, a mostra se prepara para tornar o tema de gala “Fashion Is Art” uma realidade que vai muito além da próxima segunda-feira.