Dozie Kanu homenageia a arquitetura da memória em “The Second Shadow”

Dozie Kanu volta com um novo diálogo imersivo na Fondazione ICA Milano. Com estreia em 19 de março, “The Second Shadow” coloca em diálogo o artista nascido em Houston e radicado em Portugal com o falecido Marc Camille Chaimowicz em uma exposição que desfoca as fronteiras entre escultura, domesticidade e memória. Com curadoria de Rita Selvaggio, o projeto rejeita o tradicional formato de cubo branco em favor de duas “salas” autônomas que funcionam como paisagens psicológicas.

Nesse ambiente paralelo, a contribuição de Kanu opera como um arquivo vivo, mesclando sua própria prática escultórica com seleções da Nicoletta Fiorucci Collection. Conhecido por extrair uma tensão de alta arte de materiais reaproveitados e objetos encontrados, Kanu usa essa intervenção site-specific para encurtar a distância entre design funcional e narrativa autobiográfica. É um olhar contundente sobre o “duplo”, em que a influência não é uma linhagem direta, mas um processo constante de refração.

A seguir, confira nosso Q&A com Dozie Kanu, em que ele destrincha a evolução de sua prática e a criação de The Second Shadow.

“Minha prática, em conversa com Chaimowicz, permite que o público transite entre dois entendimentos distintos de como os objetos podem carregar emoção, memória e identidade.”

Como colocar suas obras ao lado do quarto de Chaimowicz muda a forma como as pessoas devem usá-las ou olhar para elas?

Meu trabalho, em estreita proximidade com o quarto de Chaimowicz, que ele dedicou à sua admiração por Jean Cocteau, cria uma espécie de conversa que atravessa o tempo e lida com o espaço doméstico, o status social e a forma como o significado é capaz de se acumular pela proximidade. A obra de Marc é muito atmosférica. Ele presta atenção à disposição e exala uma sensibilidade apurada ao gosto e à vida interior. O meu trabalho parte de outro repertório de referências, mas também reflete profundamente sobre o espaço doméstico como um lugar onde valores culturais são ensaiados e performados. Então, basicamente, minha prática em diálogo com Chaimowicz permite que o público transite entre dois entendimentos distintos de como os objetos podem carregar emoção, memória e identidade.

O que levou você a escolher peças específicas da Nicoletta Fiorucci Collection para dialogar com seus novos trabalhos?

Procurei ao máximo não encarar as escolhas como um exercício curatorial tradicional, nem como uma forma de construir qualquer tipo de argumento histórico. O ponto de partida para mim foi, na verdade, a relação e a admiração de Marc Camille Chaimowicz por Jean Cocteau, que ele descrevia menos como uma referência direta e mais como uma espécie de companheiro fantasma que acompanhou sua formação. Essa ideia ficou muito presente. Mantive o foco em selecionar trabalhos da coleção de Nicoletta que pudessem operar de modo semelhante em relação à minha obra. Não como citações ou influências em sentido direto, mas como trabalhos que ecoam ou expandem certos aspectos da minha linguagem artística.

A seleção acabou sendo sobre identificar artistas e práticas específicas que tocam em questões presentes na minha própria prática, seja o mobiliário e o espaço doméstico tratados como escultura, questões de subjetividade ambígua ou construída, ou materiais que carregam memória — política, pessoal ou diaspórica. Eu não tentava ilustrar essas ideias de forma explícita, e sim permitir que as obras ocupassem o espaço quase como companheiras, para que o ambiente se tornasse um lugar onde essas diferentes sensibilidades coexistem e se influenciam silenciosamente.

Nesse estado mental, minha instalação é menos uma exposição curada e mais uma espécie de ambiente vivo ou interior construído, em que meu trabalho e essas obras selecionadas ajudam o próprio espaço a refletir sobre si. Elas não estão ali para serem comparadas diretamente, mas para criar uma arquitetura mental e emocional em torno da exposição, em que a influência é sentida espacial e atmosfericamente, em vez de ser entregue de forma didática e mastigada.

Apresentar seu trabalho em uma grande instituição de Milão como esta muda a história do metal sucateado e dos objetos encontrados que você utiliza?
Materiais encontrados ou resgatados carregam automaticamente uma vida anterior, uma função anterior, e, quando entram em uma galeria, passam a integrar outra economia de valor e de significado. Sempre me interessei por essa mudança. O mesmo objeto pode passar de algo descartado a algo preservado, e essa transição diz muito sobre como o valor é atribuído de modo geral.

“Se as pessoas levarem algo disso, espero que seja a ideia de que herança não é passiva. É algo que você constrói, edita e reinterpreta ao longo do tempo.

Como a mostra trata de herança e de transmissão, o que você espera que o público leve do arquivo que você construiu aqui?

Eu pensava em herança não apenas em termos de objetos, mas de conhecimento, referências e modos de ver. Para mim, existe uma questão mais ampla sobre o que significa herdar cultura quando sua relação com a história é fragmentada ou parcialmente apagada. Grande parte do meu trabalho é uma tentativa de construir uma linguagem visual que pareça pertencer à minha geração e ao meu contexto, mas que também reconheça o que veio antes. Então, o arquivo nesta exposição não é exatamente um arquivo no sentido tradicional. É mais um índice pessoal de influências, materiais e imagens que moldaram a forma como penso e sinto. Se as pessoas levarem algo disso, espero que seja a ideia de que herança não é passiva. É algo que você constrói, edita e reinterpreta ao longo do tempo. Muitas formas de expressão artística que amo não ressoam comigo no primeiro encontro, mas acabam encontrando uma forma de capturar meu interesse à medida que as revisito e as examino com mais atenção, ao longo de anos de reencontros.

Para além desta exposição, em que projetos você está trabalhando atualmente?
Neste momento, estou atuando em algumas frentes diferentes. Continuo desenvolvendo trabalhos escultóricos e projetos expositivos, mas também tenho dedicado mais tempo a pensar em cinema e arquitetura como projetos de longo prazo. O cinema me interessa porque permite construir um mundo completo e controlar o ritmo emocional de maneira muito precisa. A arquitetura me interessa porque opera na escala da vida cotidiana e da comunidade.

A longo prazo, me interessa como essas diferentes disciplinas podem se encontrar — criação de objetos, concepção de exposições, cinema e arquitetura — como modos distintos de moldar a forma como as pessoas se movem pelo espaço e compreendem seu entorno. A escultura é apenas uma parte dessa conversa ampliada para mim neste momento.

Fondazione ICA Milano
Via Orobia, 26, 20139
Milão MI, Itália