Transmediale Festival Berlin 2026 em Berlim: arte e cultura digital

Texto de Will Allstetter para a Hypeart

No fim de janeiro, Transmedialevoltou a Berlim para sua 39ª edição. O festival de arte e cultura digital se entranhou pela cidade e fincou raízes em uma mistura eclética de espaços, indo do Berghain à Embaixada do Canadá. Acompanhar a programação exigia baldear entre bondes, metrô, ônibus e carros, além de se arrastar pelas calçadas congeladas.

Embora em parte seja um subproduto logístico, a rede geográfica que o festival desenhou na cidade dialogava com precisão com o tema: “By the Mango Belt & Tamarind Road”. Em sua bússola temática, os curadores Neema Githere e Juan Pablo García Sossa escrevem: “o festival é reimaginado como uma rede transportadora recursiva e viva — uma rede de descanso feita de tecnologias relacionais em prática que se estendem por latitudes, ritmos e sistemas”. O título faz referência à iniciativa chinesa “One Belt One Road”, um projeto econômico que, nas palavras deles, “frequentemente se apresenta como alternativa ao desenvolvimento, mas perpetua estruturas de dependência”.

Colocado dessa forma, o festival reconhece que as redes, sobretudo as digitais, são estruturas escorregadias. São ao mesmo tempo etéreas e digitais, e fisicamente infraestruturais. No plano ideológico, seus ideais coletivos utópicos frequentemente se curvam em direção à extração e à exploração. Em “Infrastructure Anxiety” — enquanto GIFs de ícones da cultura pop, incluindo Paris Hilton,Minecraft e Serial Experiments Lainse repetiam em loop — Cade Diehm batizou o casamento inquietante entre o digital e o físico de “para-real”. A “busca psicopata por preservar dados” da cibernética se infiltra em nosso mundo físico e cria efeitos para-reais borrados. Diehm aponta sintomas como a paranoia ansiosa que permeia as interações online e a admissão do ex-chefe da NSA: “matamos pessoas com base em metadados”.

Transmediale Festival Berlin 2026 obras de arte e instalações

A computação, lembraram os participantes, não se resume ao software e ao hardware aos quais nos acostumamos.

Esse entendimento não significa, porém, que os artistas da Transmediale tenham desistido do potencial da rede. Pelo contrário, o coletivo convergiu para Berlim (e para outros lugares, com “netting groups” na Tailândia, Papua-Nova Guiné e na Costa Suaíli) para criar suas próprias redes. Segundo os curadores, o festival buscou explorar não apenas como diversificar e aprimorar modelos existentes, mas olhar para os “trópicos e além” em busca de novas “receitas e arquiteturas de relação que sobrevivam à padronização e à universalidade”.

Nessa mesma linha, a computação, como nos lembraram os participantes, não é apenas o software e o hardware a que nos acostumamos. Em “Kolams” (que você pode experimentar online), Aarati Akkapeddi adaptou a arte Tamil e Telugu de desenhar padrões algoritmicamente complexos usando farinha de arroz e cúrcuma. Como um gesto de luto por sua avó, que praticava essa arte, Akkapeddi criou um programa de computador para codificar texto nesses desenhos. Computação não é só silício e cabos; às vezes é farinha e especiarias.

Ao apresentar QT.Bot, Lucas LaRochelle ofereceu um framework para conceituar a teia de participantes da semana: “na diferença, juntos”.QT.Boté uma inteligência artificial treinada com dados do projeto de LaRochelle, “Queering The Map,”um site que permite a usuárias e usuários compartilharem experiências queer geolocalizadas. “Queering The Map”não é um banco de dados qualquer. É propositalmente anônimo e opaco. As entradas flutuam sozinhas, o texto encapsulando apenas aquele momento individual. LaRochelle freia o modelo antes que ele fique bom demais em imitar. Em vez disso, cria uma representação “dissociativa” que frequentemente alucina, se contradiz e produz um quase-nonsense, com frases como “quatro mulheres trans de 17 pés de altura em macacões amarelos pegaram carona do lado de fora da nossa casa às 8h em Midtownhattan”. Ao tensionar a visão resumida da rede e defender a pluralidade, LaRochelle convidou o público a se sentir confortável com “múltiplas realidades”. A voz de LaRochelle foi distorcida até se tornar irreconhecível, encarnando uma força não humana que canaliza a rede ao narrar a saída da LLM. Embora, para quem prestasse atenção, o sotaque canadense ainda escapasse.

Photo: Mirka Pflüger / Laura Fiorio

Sem julgamento, quem circulava pelo festival foi convidado a ressignificar seus conceitos: não como objetos dos quais se extrai valor de uso, mas como nós em uma linhagem em constante tecelagem de pensamento.
Mais tarde, Tsige Tafesse conduziu a meditação “Embodied Citation”. De olhos fechados, o público rastreou a genealogia de um conceito à sua escolha. A rede, nesse caso, era temporal e interpessoal. De frente para a plateia, ela nos instigou a pensar em como nossos conceitos (eu escolhi um dito popular herdado da minha mãe) foram moldados ao longo do tempo e da comunicação. Enquanto imaginávamos, ela lançava provocações sobre como “gramáticas de poder” manipulam esses conceitos. Sem julgamento, as pessoas presentes foram estimuladas a reformular seus conceitos: não como objetos dos quais se extrai valor de uso, mas como nós em uma linhagem de pensamento em permanente tecedura.

Para além das performances, o festival também apresentou instalações. “LAWALAWA,”— um cesto trançado Isola Tong — pairava sobre a entrada do Silent Green, a base do festival. Em alusão à sua capacidade de conter, a trama era uma metáfora do espaço que apresentava: um ambiente de acolhimento, pausa, reflexão e regeneração. Já lá dentro, a obra “Tilapia Shrine”abordava o pensamento sistêmico por outro viés. Numa estante ao fundo de uma sala escura, Hoo posicionou um aquário luminoso. Iluminando a água, um painel de matriz de LED piscava freneticamente gráficos e o texto “Tilapia Shrine (Closed System for Care and Circulation)”, enquanto peixes de brinquedo boiavam sem rumo. Para Hoo, a tilápia é uma espécie que se encontra na interseção de várias teias: impacto econômico, contribuições ambientais e simbolismo cultural malaio-chinês. Com luzes estridentes e peixes artificiais, um santuário como esse é erguido para reverenciar as tramas culturais nuançadas em que hoje nadamos, aceitando que um futuro sustentável talvez seja menos bucólico do que imaginávamos. Do outro lado da cidade, no Dong Xuan Center, um letreiro de LED semelhante entrava na rede. Acima de uma banca no centro atacadista asiático de 500 acres, um poema em formato de “ticker tape”, de Ben Okri, iluminava mercadorias vindas de todo o mundo, dizendo: “No princípio havia um rio. O rio virou estrada e a estrada se ramificou até o mundo inteiro. E, porque a estrada um dia foi rio, ela estava sempre com fome.”

Em redes globalizadas como essas, quem observa não apenas participa, mas torna-se parte da própria rede, internalizando-a.

Em meio a tanta especulação, o festival não perdeu de vista a pragmática econômica. Em “Current·Seas”, artistas compartilharam como suas práticas são sustentadas por estruturas econômicas alternativas. Gladys Kalichini explicou como as Chilimbas — um sistema zambiano de poupança comunitária baseada em crédito — viabilizaram a realização de seu trabalho. Kalichini não apresentou as Chilimbas como uma alternativa utópica às estruturas financeiras vigentes, porque “os bancos usam a mesma lógica”. Ainda assim, com suas redes comunitárias orgânicas baseadas na confiança, ao recorrer às Chilimbas ela não só teve acesso a recursos como, impulsionada por esse investimento, conseguiu engajar membros da comunidade no próprio fazer artístico.

Havia comércio acontecendo até dentro do próprio festival: na noite de abertura, depositei seis euros em “Deera World”em troca de uma peça de roupa. Um grupo se formou ao redor, curioso para saber o que havia naquele pacote compacto e refletivo da máquina de venda automática. De lá saiu uma Deera deliciosamente perfumada e colorida — uma vestimenta feminina suaíli. Bomani explica que “a peça circula por uma economia informal de relações. Quase metade de todas as Deeras é dada de presente, emprestada, flutuando entre casas em vez de ser comprada”. Ela usa esse contexto para evidenciar uma “rede não extrativa de solidariedade femme, proteção e recursos compartilhados”. Produto da circulação, porém, o tecido também lembra o quanto essa rede pode se expandir de forma descontrolada. Pensada como uma “tecnologia potente de subversão femme suaíli”, a carga semiótica do objeto se torna bem menos óbvia quando é comprada por um homem branco americano em Berlim.

Em redes globalizadas como essas, quem assiste não apenas participa, mas torna-se parte da própria rede, internalizando-a. O conteúdo que consumo e o trabalho que exerço circulam nas malhas econômicas, sociais e digitais que ocuparam o centro das discussões do festival. Em reconhecimento disso, o evento também apresentou algumas obras comestíveis. Em “Liquid Assets”, Gosia Lehmann, Sarah Friend e Arkadiy Kukarkin transformaram dinheiro em espécie dos EUA em xarope e prepararam coquetéis para o público. Vestidos com macacões, o trio servia as misturas em béqueres, com nomes como “Legal Tender” e “Pyramid Scheme”, cada qual com suas próprias regras de como deveriam ser conquistadas e consumidas.

Ao longo da trama de arte, performances e oficinas apresentadas na Transmediale, nenhuma conclusão única emergiu. As linhas entre os nós não apontavam para uma informação central. O que, em muitos sentidos, era justamente a ideia. Visões extrativas e finitas de rede tentam reduzi-la a um produto valioso e simplificado. Já as teias, redes e estruturas de sustentação apresentadas ali acolhiam, com gosto, a pluralidade da própria comunhão.

Transmediale volta a Berlim e ‘reconecta’ uma web que hoje alcança o mundo todo

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