Destinee Ross-Sutton sobre por que a galeria errada é pior do que nenhuma galeria

Para os artistas de hoje, a visibilidade não depende mais de serem descobertos por uma galeria. As redes sociais derrubaram muitas das barreiras que antes separavam os artistas de colecionadores, curadores e do público, enquanto as vendas diretas e as exposições auto-organizadas tornaram cada vez mais possível construir uma carreira fora do sistema tradicional de galerias.

Para Destinee Ross-Sutton, isso não significa que as galerias se tornaram obsoletas. Significa que elas precisam provar o seu valor. “Não acho que todo artista precise de uma galeria”, diz a curadora nascida no Harlem e fundadora da Ross-Sutton Gallery à Hypeart. “Mas eu sei que a galeria certa pode ser uma parceira essencial.”

Na edição mais recente do ‘State of Art’, Ross-Sutton avalia o que a representação realmente significa em 2026, desde a mudança na dinâmica de poder entre artistas e marchands até a cada vez mais contestada comissão de 50% das galerias.

As redes sociais, argumenta ela, mudaram fundamentalmente todo o cenário. Os artistas agora podem apresentar seu trabalho para milhares de pessoas sem esperar que um marchand, crítico ou curador lhes conceda acesso. Eles podem observar seus próprios mercados se desenvolverem em tempo real, identificar colecionadores e, em um ritmo acelerado, vender obras diretamente.

Artwork by Khari Turner, Courtesy Of Destinee Ross-Sutton

“As galerias não são mais as verdadeiras guardiãs do acesso” – Destinee Ross-Sutton

Mas a visibilidade, ela ressalta, não deve ser confundida com longevidade. Uma carreira sólida exige uma infraestrutura que vai muito além de encontrar um comprador. No seu melhor, uma galeria oferece estratégia, relacionamentos de confiança, acesso institucional e uma compreensão de como as decisões tomadas hoje podem afetar um artista daqui a cinco ou dez anos em sua carreira.

“Uma boa galeria está pensando vários anos à frente”, explica ela. “Não se trata simplesmente de onde a próxima obra vai ser vendida. Trata-se do melhor lugar para a arte, em quais coleções ela entra, quais exposições e instituições fazem sentido, como o mercado se desenvolve de forma responsável e como a prática do artista é protegida à medida que sua presença cresce.”

Essa distinção é particularmente importante à medida que os artistas reconsideram por que deveriam continuar abrindo mão de até metade de uma venda para uma galeria quando já podem ter acesso direto a colecionadores interessados. Para Ross-Sutton, a porcentagem só faz sentido quando a galeria está fazendo significativamente mais do que facilitar uma transação. Exposições, produção, transporte, feiras, imprensa, desenvolvimento de colecionadores e relacionamentos com museus fazem parte do pacote da galeria. A verdadeira métrica, diz ela, não é a venda imediata, mas o que essa venda ajuda a construir em torno do artista.

Carreiras independentes também são cada vez mais viáveis. Mas Ross-Sutton aponta que muitos artistas operando com sucesso sem representação convencional efetivamente construíram suas próprias galerias, cercando-se de gerentes de estúdio e equipes responsáveis pela administração, exposições, colecionadores e instituições.

“Independência não significa fazer tudo sozinho”

A preocupação mais urgente, então, pode ser o que acontece quando a representação se torna transacional em vez de voltada ao desenvolvimento. Ross-Sutton distingue entre as galerias que continuam comprometidas com um artista durante as flutuações inevitáveis de uma carreira e aquelas que chegam quando a demanda atinge o pico, lucram com as vendas e desaparecem quando o impulso diminui. Para ela, a representação traz a obrigação de entender não apenas o trabalho, mas a pessoa e o contexto cultural por trás dele.

Ela relembra uma artista sul-africana com uma carreira internacional de quase três décadas que contou a Ross-Sutton que a dela foi a primeira galeria a realmente viajar para a África do Sul para conhecê-la e entender melhor sua prática.

Courtesy Of Destinee Ross-Sutton

“Como você pode defender adequadamente um artista se não fez o esforço de entender de onde vem o trabalho?”

Essa filosofia também se estende além da própria programação de uma galeria. Em 2020, Ross-Sutton foi a curadora de ‘BLACK VOICES/BLACK MICROCOSM‘ em Estocolmo, reunindo 31 artistas de toda a diáspora negra e dissolvendo intencionalmente as distinções entre artistas emergentes e consagrados, práticas formais e autodidatas e diferentes níveis de reconhecimento do mercado.

Ela encontrou um problema recorrente lá, e mais tarde ao fazer a curadoria de ‘Unapologetic WomXn: The Dream Is the Truth’ em Veneza: artistas que queriam participar, mas cujas galerias relutavam em permitir que o fizessem. A última exposição acabou reunindo mais de 30 artistas mulheres durante a 60ª Bienal de Veneza.

Para Ross-Sutton, proteger a carreira de um artista nunca deve se tornar sinônimo de controlá-la. “Há uma diferença entre representar um artista e possuir um artista”, diz ela. “Às vezes, uma oportunidade fora de suas próprias paredes pode ser exatamente a certa para a carreira daquele artista.”

Isso leva à questão central de seu argumento: “O relacionamento existe para servir à carreira do artista ou o artista está lá para servir à galeria?” Se Ross-Sutton fosse uma artista emergente agora, a representação ainda seria um objetivo, mas apenas nas circunstâncias certas. Ela iria querer saber se uma galeria entendia o trabalho, quem eram seus colecionadores, quais relações institucionais poderia oferecer, se recebia bem oportunidades externas e, crucialmente, se permaneceria investindo quando as vendas não fossem imediatas.

“Eu preferiria não ter galeria a ter a galeria errada”, diz ela. “Mas o relacionamento certo ainda pode ser transformador.”