Cultura é Código: como 10 designers estão desconstruindo a “asiaticidade” no Clockenflap

Quando a ancestral técnica de tingimento Kyo-Yuzen encontra o workwear militar e o rap de rua vietnamita colide com a alta-costura, o FASHION ASIA HONG KONG 2025 se une ao Clockenflap sob o tema “The Fashion Compass” para traçar o futuro da moda asiática ao lado de 10 nomes em destaque no ano.

Recém-chegada ao Central Harbourfront para o Clockenflap Music & Arts Festival, a exposição “10 Asian Designers To Watch” — sob o tema “The Fashion Compass” — funcionou como a principal plataforma para esses visionários. Dentro dessa mostra diversa, um projeto colaborativo especial contou com a consagrada stylist local Chloe Mak, que garimpou looks prontos para festival nas coleções dos vencedores, depois transformados em ilustrações por Jenny Chui.

A Hypebeast entrevistou os 10 designers selecionados deste ano para mergulhar em como eles estão redefinindo a “asiaticidade” no cenário da moda contemporânea, por meio de perspectivas culturais únicas, savoir-faire ancestral e referências musicais.

Recusando Rótulos: “Cultura é Código, Não Fantasia”

No palco global, o design asiático é frequentemente reduzido a dragões, fênix ou totens tradicionais. Para os homenageados deste ano, desafiar esses estereótipos é a prioridade número um.

Hung La, a mente por trás da marca de herança vietnamita LỰU ĐẠN, escolheu um caminho “perigoso”. Profundamente marcado pela infância nos EUA nos anos 80 e pelo cinema de gangues, ele se dedica a ressignificar a masculinidade asiática e a estética das gangues. “Não quero o exotismo comportado de dragões, lanternas ou bambu. Vejo cultura como Código, não como Fantasia”, dispara Hung La. Ele ressalta que o núcleo de LỰU ĐẠN está no poder, na atitude e na sobrevivência, chegando a imaginar um “país compartilhado” com seus próprios rituais.

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Penultimate

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Penultimate

Quem também provoca os símbolos culturais é a marca chinesa Penultimate. A designer Xiang Gao compartilha uma observação instigante: por que usamos camisetas estampadas com a Rainha da Inglaterra ou Kurt Cobain, mas não com nossas próprias figuras heroicas? Assim, em sua coleção SS23, ela estampou ousadamente o retrato de Shennong — um sábio mítico das lendas chinesas — em moletons com capuz. “Isso me fez pensar: por que não vestimos nossos próprios heróis culturais?”

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Oscar Ouyang

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Oscar Ouyang

Oscar Ouyang, por sua vez, encarna a perspectiva clássica de “Third Culture Kid”. Formado em moda no Ocidente, mas enraizado no anime do Leste Asiático e em técnicas artesanais, ele usa esse background híbrido para criar uma nova linguagem estética que soa, ao mesmo tempo, familiar e estranha.

Som e Imagem: De Ryuichi Sakamoto às Fitas Cassete de Hip Hop
Com o retorno da exposição ao Clockenflap, a música se tornou uma linguagem comum de inspiração para os designers, influenciando diretamente sua abordagem de estrutura e materiais.

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Khoki

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Khoki

Koki Abe, designer da marca japonesa KHOKI, revela que a música é sua fuga da realidade durante o processo criativo. Recentemente imerso na obra de Ryuichi Sakamoto, essa fluidez sem fronteiras entre o clássico e o pop inspirou sua abordagem de unir o tingimento artesanal Kyoto Shibori (tie-dye) ao uniforme militar ocidental. É justamente nessa fusão tensionada entre ritual e funcionalidade que KHOKI encontra seu espaço único.

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LỰu ĐẠn

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LỰu ĐẠn

Em contraste, o ritmo de LỰU ĐẠN vem do Hip Hop dos anos 90 e do Cantopop. “Toda coleção de LỰU ĐẠN começa com uma playlist — seja de Canto-pop antigo ou de baladas vietnamitas New Wave que parecem estar sendo devoradas por chiado”, descreve Hung La. Esse compasso pulsa dentro das silhuetas, como uma linha de baixo de 2Pac ou Mobb Deep escondida sob o jeans oversized.

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Tamme

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Tamme

Tatsuya Tamada, da marca japonesa Tamme, é profundamente influenciado pelo rock Shoegaze. Sua atmosfera imersiva dialoga diretamente com a estética estrutural do designer, centrada em desconstruir e reorganizar peças. Inspirado na capacidade de adaptação e reinvenção do Japão do pós-guerra, ele responde à sociedade por meio da reconfiguração das formas das roupas.

ShaSha Wong, da swaying/knit, é fã do pianista experimental Hauschka, cujos sons de piano preparado — entre o mecânico e o manual — espelham a “força na delicadeza” de suas malhas. Ela incorpora a filosofia oriental do “Liubai” (deixar o espaço em branco) em seu tricô, usando a noção de espaço para expressar silêncio e contenção, criando uma linguagem visual única.

Identidade Fluida: Do Ofício para o Mundo
Para este grupo de designers, geografia não é limite: é alimento criativo.

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Act N°1

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Act N°1

Luca Lin, da ACT N°1, cresceu na Itália, filho de pais chineses. Esse duplo repertório permite que ele traduza com naturalidade elementos da pintura a tinta chinesa e da porcelana em estampas fluidas. Já a young n sang faz questão de usar teares tradicionais em seu ateliê na Coreia para tecer os tecidos à mão, tratando o bordado artesanal como “pequenas instalações de arte” injetadas nas peças. O coletivo persegue uma filosofia “Ageless”, que atravessa gerações, recusando a mera reprodução da tradição para criar algo que realmente se encaixe no agora.

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Kit Wan Studios

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Kit Wan Studios

O estúdio de Hong Kong KIT WAN STUDIOS se posiciona como um “contador de histórias”. Frequentemente responsável por figurinos de palco para músicos, o trabalho de Kit carrega uma “beleza caótica”, mesclando referências de Hong Kong, da Escandinávia e até do espaço sideral. Ele se recusa a ser definido apenas pelo lugar onde nasceu: “Não imagino Helmut Lang apenas como um designer austríaco. Eu sou Kit Wan, um criador que conta histórias em diferentes frentes.”

A designer chinesa Zhong Zixin se inspira no trançado de rattan e nas cortinas de miçangas de madeira de sua cidade natal no sul, transformando memórias de casas frescas no verão em detalhes de moda.

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Zhong Zixin

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Zhong Zixin

Indústria e Comunidade: Do “OEM” à “Voz”

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Swaying Knit

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Swaying Knit

Para além da pesquisa estética, esses designers estão repensando o papel da Ásia na cadeia de produção da moda. A marca japonesa KHOKI propõe uma visão crítica ao “heroísmo individual”, defendendo que a singularidade asiática está em valorizar a conexão comunitária entre equipes e artesãos, em vez da reverência ocidental ao “Gênio Individual”.

Essa reflexão sobre “fabricação” também aparece entre designers chineses. A swaying/knit acredita que criadores asiáticos vivem um momento crucial de virada, deixando de ser apenas “receptores de cultura” para se tornarem “exportadores de cultura”, na tentativa de ressignificar a cadeia de valor do “Made in Asia”. Já Zhong Zixin ressalta que, por estarem no maior polo têxtil do mundo, os designers precisam assumir as responsabilidades ambientais que vêm acopladas à cadeia produtiva.

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Young N Sang

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Young N Sang

Do projeto de LỰU ĐẠN de erguer um “país compartilhado” à busca da young n sang por uma filosofia “Ageless”, essas visões mostram que os designers asiáticos já não se contentam com o simples ato de criar roupas: eles querem disputar o poder de definir o futuro.

Esses 10 designers usam suas próprias linguagens para provar ao mundo que o design asiático deixou de ser uma via de mão única de exportação e se tornou um diálogo global sobre ofício, música e identidade.