M+ CHANEL Senior Curator Silke Schmickl sa Pagbuo ng Bagong Panahon para sa Asian Avant-Garde Cinema
“Nakikita ng pioneer generation ang patuloy na kabuluhan ng kanilang mga obra, at natutuklasan naman ng mas batang artists ang sarili nilang kasaysayan.”
Ang ikatlong edisyon ng M+ Asian Avant-Garde Film Festival (AAGFF), na suportado ng CHANEL, ay nagtapos noong Mayo 31 matapos ang tatlong araw ng pelikula, musika at performance na nagsiyasat sa konsepto ng espasyo bilang parehong prinsipyong artistiko at paksa sa heopolitika. Kabilang sa mga tampok ang world premiere ng ‘Lamya Gargash × Vivian Wang: Tracking Nomadism (Live)’, isang bagong komisyong live cinema collaboration na sinuportahan ng CHANEL, kasama ang interactive na ping-pong installation ni Rirkrit Tiravanija at mga screening ng mahahalagang obra nina Nam June Paik at Xu Bing.
Ngayong nasa ikatlong taon na nito, ang AAGFF ay tuluyan nang naitatag bilang isa sa pinakamahalagang plataporma sa Asia para sa experimental film at moving image art, na nagtitipon ng independent filmmakers, artists at mga creative community mula sa iba’t ibang panig ng rehiyon sa iisang espasyo. Ang tema ng edisyong ito ay nakasandig sa nakaraang taon na tumuon sa konsepto ng oras, at ngayo’y ibinabaling ang pansin sa espasyo bilang paksa na tumatawid sa komposisyon at perspektiba sa paglikha ng sining, sa ebolusyon ng mga lens-based technology, at sa mga heopolitikal na realidad na muling humuhubog sa mundo ngayon. Sa ibaba, ibinabahagi ni Silke Schmickl, CHANEL Senior Curator at Head of Moving Image sa M+ sa Hong Kong, ang kaniyang pagninilay sa programming.
“Ang espasyo ay isang kritikal na prinsipyo sa paglikha ng sining sa lahat ng uri ng midya, at lalo nang kapana-panabik sa mga lens-based media kung saan hinahamon ng mga artist ang mismong frame sa pamamagitan ng expanded cinema at ngayon, ng ‘frameless’ immersion.”
Medyo bukas sa maraming interpretasyon ang pamagat ng festival na “Space Enter Shift.” Paano ninyo ito napili?
Ang pamagat, higit sa lahat, ay isang imbitasyon para sa mga audience na pumasok sa festival space at hayaang mabago sila ng anumang mararanasan nila. Kinikilala nito ang kahalagahan ng teknolohiya sa paglikha at pagtanggap ng mga time-based art form at isa rin itong mapaglarong pagbanggit sa tatlong mahalagang susi sa keyboard: ang ‘space’, na naglalagay ng blangkong karakter; ang ‘enter’, na nagkukumpirma ng input o nagsisimula ng bagong linya; at ang ‘shift’, na nagbabago sa tungkulin ng iba pang mga key. Ang espasyo ay isang kritikal na prinsipyo sa paglikha ng sining sa lahat ng midya, at partikular na kapana-panabik sa mga lens-based media kung saan hinahamon ng mga artist ang frame sa loob ng imahe, sa pamamagitan ng expanded cinema at ngayon, ng “frameless” immersion. Ang tema ay nagsisilbi ring paksa para pagnilayan ang mga pandaigdigang heopolitikal na pagbabago na nasasaksihan natin sa kasalukuyan.
Ang pelikula ni Larissa Sansour ay tungkol sa isang Palestinian na pirata na muling inaangkin ang mga koloniyal na artefact. Ano ang nagtulak sa inyo na dalhin ang gawaing iyon sa M+?
Sinusuri ng praktis ni Sansour ang politikal, panlipunan, pang-ekonomiya at kultural na dimensiyon ng espasyo, na nakaugat sa personal niyang karanasan ng pagkatapon. Ang pinakabago niyang pelikula, ‘A Sunken Tale of Losses Delayed’, ay naging napakagandang pagkakataon para i-premiere ang kaniyang trabaho sa Asia. Ang pagbabalik ng mga ninakaw na bagay ay isang mahalagang paksa sa konteksto ng post-kolonyal na kasaysayan ng mga institusyon sa Asia, at partikular kaming naengganyo sa motibo ng barko bilang isang heterotopia sa diwa ni Foucault. Ang posisyon ng pangunahing karakter bilang pirata ay nagdadala ng radikal na pagbaligtad ng perspektiba. Sa edisyong ito, tampok din ang ilang presentasyon ng mga babaeng artist mula sa West Asia, kabilang sina Sansour, Samia Halaby, Basma Al-Sharif at Lamya Gargash.
Binuo ni Xu Bing angDragonfly Eyes nang buo mula sa surveillance footage. Saan mo nakikita ang pinakakapana-panabik na pagbasag ng mga hangganan sa moving image sa ngayon?
Ang ‘Dragonfly Eyes’ ay isang pangunahing halimbawa kung paanong ang mga conceptual artist ay maaaring hindi na lumikha ng sarili nilang mga imahe, kundi humanap ng mga bagong paraan para i-recontextualise at suriin nang kritikal ang napakalalaking dami ng visual data na nalilikha araw-araw—gaya ng surveillance camera footage sa kaso ni Xu Bing. Ang ganitong mga self-reflexive na pamamaraan, na nagbubukas ng bagong pagtingin sa labis na produksiyon ng mga imahe at sa potensiyal nitong maging kasangkapan, ay kabilang sa pinakanagbabakod-hangganang tugon ng mga kontemporanyong artist ngayon.
AngWrap Around the World ay isang live global broadcast noong 1988. Ano ang pakiramdam na i-screen iyon sa 2026?
Matindi ang naging epekto ng pagbabalik sa kaniyang techno-optimism sa isang mundong hindi pa ganap na globalised. Ang utopian na himig, ang malaya at eksentrikong mga performance ng ilan sa pinakakahanga-hangang lumikha noong huling bahagi ng ika-20 siglo, ay nagpaalala sa atin kung ano ang nawala nang maging market-driven utility ang internet—ngunit ipinakita rin nito kung ano ang laging posible kapag pinagsasama natin ang mga tao para mag-usap at sabay-sabay lumikha.
Tatlong taon nang sinusuportahan ng CHANEL ang festival na ito. Paano ninyo hinahawakan ang relasyong iyon kung madalas na sinasadyang hindi komersiyal ang programming?
Ang ugnayang pangtrabaho sa pagitan ng M+ at CHANEL ay palaging magiliw, bukas at nagbibigay-inspirasyon. May ganap na awtonomiya ang M+ pagdating sa curatorial content, habang tinutulungan naman kami ng CHANEL na maikuwento ang mga ito nang mas matindi ang dating at mapagbuklod ang mga artist, filmmaker, cultural practitioner at audience — na kritikal sa tagumpay ng festival sa pagpoposisyon sa sarili bilang isang mahalagang plataporma para sa artists’ moving images.
