Roy Lichtenstein Like New: Panayam sa Curator ng Whitney Museum

Wala tayong magagawa: nasa lahat ng dako si Roy Lichtenstein. Mula sa mga pixel na bumubuo sa mga imahe sa screen at sa makakapal at matatapang na linya ng pinakamahuhusay na manlilikha ngayon hanggang sa mabilisang kuha ng isang luhuang bida, halos imposibleng iwaksi ang kanyang impluwensya. Mabilis ito, prangka ito. Ngunit paano nahigitan ng kanyang pamilyar na istilong komiks-at-tuldok ang isang mas malalim na kuwento?

“Hindi porke’t nakikilala natin ang isang bagay ay lubos na natin itong nauunawaan,” ani Meg Onli, isa sa mga curator ng Roy Lichtenstein: Like New. Sa pagbubukas nito sa Whitney Museum sa New York noong Oktubre 11, pinagsasama-sama ng palabas ang mahigit 130 obra ng Pop master, kabilang ang mga painting, drawing, collage, print, at sculpture na ginawa sa loob ng anim na dekada ng karera ni Lichtenstein. At habang marami ang kanyang mga canvas na hango sa komiks, tinutuklas din nito ang hindi gaanong kilalang mga bahagi na sumasalamin sa artist, kung paano niya nakita ang kanyang sarili at kung paano ang kanyang noon ay radikal na pagmamahal sa high-low art ay babagay sa mga reyalidad na nakatutok sa screen ng mga manonood ngayon.

Mula sa seryoso, at talagang nakapagtatakang mga aral ni Hoyt Sherman sa Ohio State University na kalaunan ay naghubog sa pananaw ni Lichtenstein sa sining hanggang sa mga obrang ginawa noong huling taon ng kanyang buhay, na umaabot sa 1997 na eksibisyon sa itaas, nagbibigay-liwanag ang Like New sa artist na nakaintindi sa kinabukasan ng mga imahe at may malalim na pagpapahalaga sa walang-hanggang paglikha at pagwasak ng kahulugan. Ang panimulang halos 100-talampakang recreasyon ng kanyang “Greene Street Mural” (1983), isa sa apat na mural na muling nilikha ng studio ng co-curator at artist na si Alex Da Corte, ang eksaktong nagtatakda ng tamang tono.

Ang isang makasaysayang tampok ay isang literal na pagbabalik sa New York ni Lichtenstein: isang gallery-within-a-gallery na rekonstruksyon ng unang solo debut ng artist noong 1962 sa Leo Castelli gallery. Ito ang unang pagsasama-sama ng lahat ng mga likha mula noon, hanggang sa “Laughing Cat” (1961), na orihinal na pag-aari ni Andy Warhol. Naroon din ang ilan sa kanyang mga pinakakilalang bida — “Drowning Girl” (1963), “Crying Girl” (1963), at “Girl in Window (Study for World’s Fair Mural)” (1963), na pinalaki rin nang higit sa natural sa labas ng balkonahe. Sa tabi ng mga ito ay ang halos magkakatulad na mga kopya at pinagkunan, tulad ng duplicate ni Elaine Sturtevant, kung saan si Lichtenstein ang nagbigay ng mga stencil. Pinirmahan pa niya ang isang painting ni Raymond Pettibone na parang ito ang orihinal. Higit pa sa isang kopya, minahal ni Lichtenstein ang isang kopya ng kopya – isang obsesyon na patuloy na naging pundasyon ng ating kontemporaryong kultura ng pagre-repost, at ng mga bagong kahulugang nakukuha ng isang imahe sa bawat pag-share nito.

Roy Lichtenstein Like New Panayam sa Curator ng Whitney Museum Meg Onli Alex Da Corte Mga Eksibisyon sa New York Retrospective Sining Mga Likhang Sining

“Ang pabagalin ang paraan ng pagtingin mo kay Lichtenstein ang naging layunin namin mula sa simula.” — Alex Da Corte

Dahil sa napakalinis na mga hagod ng brush, maiintindihan kung iisipin mong gawa ng makina ang mga ito, gayunpaman, ang konseptwal na yaman ng mga likha ni Lichtenstein ay madalas na natatabunan ng kanyang teknikal na husay (at kung may anumang pagdududa tungkol sa lakas ng tatak ni Lichtenstein, tingnan ang Ben-Day-dotted Gap fleece). “Ang pabagalin ang paraan ng pagtingin mo kay Lichtenstein,” isang artist na kilala dahil sa kanyang kalinawan, “ang aming pagnanais mula sa umpisa,” paliwanag ni Da Corte. Ang “Tiyak na gawa ng kamay” ay isang paglalarawang patuloy na umaalingawngaw sa buong palabas ng Whitney, at sa loob nito, ang pag-asa na gawing mas makatao ang ugnayan sa mga obra at ibalik ang personal na katangian sa pagkakayari nito.

Inamin nina Onli at Da Corte na hindi sila mga “Pop specialist” nang una nilang pangasiwaan ang Like New. Si Onli, na nag-curate ng 2024 Biennial ng Whitney, ay dati nang namuno sa Underground Museum ni Noah Davis, habang si Da Corte, isang Venezuelan-American conceptual artist at 2019 Venice Biennale alum, ay kilala sa kanyang nakaka-engganyo at puno ng kulay na pagtingin sa American pop culture. Ngunit ang kanilang mga karanasan ay maaaring umapela sa bagong henerasyon ng mga nagpapahalaga sa sining, na nagpapahintulot sa kanila na bigyang-konteksto ang mga kasanayan ni Lichtenstein sa mga hindi pa natutuklasang teritoryo. Tulad ng naka-istilong pagpisil ng ketchup na idinadagdag ni Da Corte sa isang inibang “Hot Dog” billboard sa tapat ng kalye, alam nila kung paano kunin ang panlasa ng kanilang mga manonood, habang hinahamon tayong unawain ang artist sa isang bagong pananaw. Bago magbukas ang mga pinto, ipinaliwanag sa atin nina Onli at Da Corte ang maraming detalye sa loob ng Like New, at kung paano ito pag-uugnay-ugnayin.

Paano nakaapekto ang inyong mga natatanging karanasan sa curatorial approach ng palabas?

Meg Onli: Hindi namin pinasok ang mga likha ni Lichtenstein bilang mga Pop specialist. Mayroon kaming kani-kaniyang mga pinagtutuunan ng pansin, kaya gusto talaga naming dalhin ang sarili naming mga karanasan at interes bilang paraan upang tingnan si Lichtenstein sa ibang paraan.

Alex Da Corte: Bilang isang artist na aktibong gumagawa sa studio, mahalagang mahanap at igalang si Roy at ang kanyang obra sa oras na nililikha niya ito at alamin kung paano siya nagpapahayag sa pamamagitan ng kanyang sining. Naging mahalagang bahagi ito para sa amin ni Meg sa pag-curate ng palabas upang maunawaan at mabanggit kung paano siya naglapat ng mga salita sa obra sa panahong ginagawa niya ito.

Ano ang mga hamon sa pag-curate sa isang artist na kasing-tanyag ni Lichtenstein? Anong mga oportunidad ang naibibigay nito?

Da Corte: Ang nakakawiling bagay tungkol kay Lichtenstein ay makikita siya kahit saan. Nasa paligid natin ang kanyang impluwensya, kahit na hindi natin alam na maaaring sa kanya nagmula ang tinitingnan natin. Iyan ang naging hamon sa pagbuo ng palabas na ito: ito ay agaran, mabilis, graphic, at matapang. Gayunpaman, ang kanyang mga ideya sa paligid ng obra ay napakabagal at konseptwal at, sa totoo lang, napakakakaiba, tulad ng aming natuklasan. Ang pabagalin ang paraan ng pagtingin mo kay Lichtenstein ang naging layunin namin mula sa simula.

Onli: Talagang nagbigay ito ng pagkakataon sa amin ni Alex na lumingon pabalik at unawain ang ilan sa mga mahahalagang bagay na gumagana nang higit pa sa kanyang sarili, o lagpas sa mga canvas. Kabilang na rito ang kanyang maagang pagsasanay sa Ohio State University. Siya ay labis na interesado sa mga ideya ng siyensya; maaga pa lamang noong ‘65, nagsimula na siyang magsalita tungkol sa kanyang mga tuldok kaugnay ng datos. Hindi ito lubusang nakatuon sa kuwento ng print na palagi nating nakikita sa isang artist na katulad niya.

“Hindi ito lubusang nakatuon sa kuwento ng print na palagi nating nakikita sa isang artist na katulad niya.” — Meg Onli

Mayroon bang anumang hindi inaasahang mga kuwento o bahagi na tumatak sa inyo sa pamamagitan ng karanasang ito?

Onli: Ang kaibahan ng palabas na ito sa mga nakaraang eksibisyon ay ang pagtingin nito kung paano siya nakakakuha ng mga source image — na paminsan-minsan ay lumilitaw sa dyaryo, comic book, o kahit sa isang libro sa art history — at hindi lamang pinapalaki ito sa sukat ng mga canvas, kundi nagbibigay talaga ng ideya sa arkitektural na sukat. May 4 na hand-painted mural sa buong palabas. Ito ay isang bagay na pinaglaanan talaga namin ng pansin ni Alex upang isama at maging isang natatanging karanasan sa eksibisyong ito.

Da Corte: Bilang karagdagan doon, ang obra ni Roy ay gawa ng kamay, kaya madalas kapag nakikita mong inilalabas ang mga kopyang ito, mayroon itong makintab na finish; hindi mo nakikita na karamihan dito ay may mga marka ng lapis, bura, at palimpsest na nagpapatunay sa kanyang koneksyon sa pagbuo ng obra. Para sa akin, iyon ay isang napakagandang pagtuklas at isang bagay na nagtuturo pa rin tungkol sa paglikha at paggugol ng oras sa isang obra.

Paano hinubog ni Lichtenstein ang ating kontemporaryong mundo ng mga imahe at kung paano natin ito tinatrato?

Da Corte: Sinimulan namin ang eksibisyon sa “Greene Street Mural.” Ang scroll na ito ng mga simbolo at imahe na ginamit ni Roy noong 1983 ay parang walang katapusang agos ng mga imahe na nakikita natin sa ating mga social media feed. Ang kanyang tendensiyang magpatong-patong at kopyahin ang kanyang sarili sa kanyang mga obra, pati na rin ang ideya ng self-referentiality, ay natural na sa kung paano natin nauunawaan ang ating sarili kaugnay sa mundo at sa mga imahe ngayon. Sumasalamin ang eksibisyon sa parehong aspetong iyon at sa mga nakababatang henerasyon na nabubuhay sa ganitong paraan ng komunikasyon.

Ang 'Roy Lichtenstein: Like New' Ay Hindi Pop Art ng mga Magulang Mo

Filipino

Account

Mga Seksyon

Higit Pa

Tindahan

Sa Ibang Lugar

Tungkol sa Amin