Binabalikan ng James Fuentes Gallery ang Transpacific Abstraction ni Teruko Yokoi

Nagbabalik sa Los Angeles ang ilang dekadang sining ni Teruko Yokoi sa pamamagitan ng A Pacific Line, isang bagong exhibition sa James Fuentes Gallery na sumusubaybay sa natatanging landas ng Japanese-Swiss painter sa postwar abstraction. Bilang unang solo presentation niya sa siyudad sa loob ng mahigit apat na dekada, nagdadala ang show na ito ng espesyal na kahulugan sa West Coast: unang nakarating si Yokoi sa Estados Unidos sakay ng barko noong 1954, ilang sandali matapos ang U.S. occupation sa Japan, bago siya nag-enroll sa California School of Fine Arts sa San Francisco. Ang desisyong iyon ang naging simula ng isang karerang hinubog ng patuloy na paglipat-lipat sa Japan, Estados Unidos, France, at Switzerland, habang nananatiling malaya sa anumang iisang eskwelahan o kilusan. Sa pagsasama-sama ng mga likha mula 1954 hanggang 2005, ipinapakita ng A Pacific Line ang sining ni Yokoi bilang isang patuloy na diyalogo sa pagitan ng tradisyonal na Japanese aesthetics at postwar Western modernism.

Ang mga unang taon ni Yokoi sa U.S. ay nagdulot ng malaking pagbabago mula sa figuration patungo sa highly personal abstraction na siyang magbibigay-kahulugan sa kaniyang mga likha. Ang “Pose” mula 1954 ay pinapanatili pa rin ang hugis ng isang nakaupong pigura ng tao, ngunit unti-unti nang natutunaw ang katawan nito sa mga bloke ng orange, gray, at brown, na nagpapahiwatig ng kaniyang papatinding ritmikong paghawak sa porma at kulay.

Matapos lumipat sa New York noong 1955, nag-aral siya sa ilalim ni Hans Hofmann, pumasok sa Art Students League, at naging bahagi ng sirkulo na kinabibilangan nina Joan Mitchell, Kenzo Okada, at Mark Rothko, habang naninirahan sandali sa Chelsea Hotel kasama ang painter na si Sam Francis. Gayunpaman, nanatiling bukod-tangi ang kaniyang mga likha mula sa dominanteng wika ng Abstract Expressionism. Ang mga painting na tulad ng “Shizen–Natur” mula 1960, kasama ang malalim nitong berdeng field, matitingkad na asul na porma, at mga guhit ng pula at puti, ay nagpapakita ng bokabularyong nakaugat pareho sa Japanese calligraphy, haiku, at obserbasyon sa kalikasan, pati na rin sa gestural abstraction. Inilarawan mismo ni Yokoi ang kaniyang mga painting bilang “mga tulang isinulat sa kulay,” isang damdaming nagmula sa kaniyang mga paglalakad noong bata pa sa landscape ng Kiso River at mga maagang aralin sa calligraphy at tula mula sa kaniyang ama.

Sinusundan din ng exhibition ang materyal na ebolusyon ni Yokoi matapos siyang permanenteng manirahan sa Bern noong 1962, kung saan napanatili niya ang pambihirang consistency sa kaniyang studio practice hanggang sa kaniyang pagpanaw noong 2020. Ang mga likhang tulad ng “Herbstwald” (1965) at “Lauschen II (Nocturne)” (1969) ay gumagamit ng pahabang vertical formats at malalalim na espasyo ng pula, itim, at asul upang gawing atmospheric at halos musikal ang isang landscape, habang unti-unting ine-explore ng kaniyang mga mas bagong gawa ang paggamit ng papel at egg tempera.

Pagsapit ng kalagitnaan ng dekada ‘70, tuluyan nang niyakap ni Yokoi ang mabusising medium na ito, kung saan kinalaunan ay isinama niya ang mga hand-mixed pigment, pearlescent minerals, at metallic elements na nagbabago-bago depende sa ilaw at anggulo ng tumitingin. Halimbawa, ang 1993 diptych na “Ohne Titel” ay nagpapalawak ng ganitong approach sa mga nagliliwanag na espasyo ng dilaw, asul, berde, at pilak, habang pinapanatili ang mga calligraphic lines at natural na ritmo na nag-uugnay sa kaniyang pinakauna hanggang sa kaniyang pinakahuling mga painting. Inorganisa sa pakikipagtulungan ng Emerald Room | Emerald Editions at Kent Fine Art, ang Teruko Yokoi: A Pacific Line ay matutunghayan sa James Fuentes Gallery, 5015 Melrose Avenue sa Los Angeles, hanggang Nobyembre 7, 2026.