Adattare un’icona cyberpunk dal colossale impatto culturale globale richiede uno studio che non abbia paura di infrangere completamente le regole — ed è esattamente per questo che il fatto che Science SARU abbia deciso di prendersi carico di Ghost in the Shell ha perfettamente senso. Prima che il grande pubblico dell’animazione se ne accorgesse davvero con la première del 2024 di DAN DA DAN, lo studio vantava già da tempo un seguito cinefilo di culto.

Co-fondato nel 2013 dal visionario eccentrico Masaaki Yuasa insieme a Eunyoung Choi, lo studio si è ritagliato un’estetica inconfondibile grazie a uno stile grafico eclettico, espressivo e audace, volutamente “sciolto”. In un’epoca in cui estetiche digitali iper-rifinite e asettiche diventavano la norma del settore, Science SARU ha continuato senza tentennare nelle sue tendenze sperimentali — una linea creativa ribelle che va dallo spettacolo sfrenato che è Space Dandy, al visionario e stralunato sogno febbrile The Night Is Short, Walk On Girl fino all’oscurità viscerale e acclamata dalla critica di Devilman Crybaby.

Ora lo studio mette il suo inconfondibile tocco al servizio di uno dei franchise più venerati della storia dell’animazione giapponese. Dopo decenni di adattamenti iconici per il cinema e la TV — in primis il leggendario, cupo film del 1995 di Mamoru Oshii e Stand Alone Complex — il franchise affronta oggi una trasformazione tonale radicale. Appena debuttato a livello globale, il nuovo adattamento anime per la TV si allontana con decisione dal tono stoico dei suoi predecessori. Al contrario, la serie si propone come un adattamento diretto e vibrante che incanala lo spirito autentico, le sfumature comiche e il ritmo iper-cinetico del manga originale del 1989 di Masamune Shirow.

Guidato dal regista Mokochan insieme ai producer Kengo Abe di Bandai Namco e Kohei Sakita di Science SARU, il progetto affida inoltre il character design al celebre autore di sci-fi EnJoe Toh. Non solo: l’anime è costellato di collaborazioni sorprendenti ma di altissimo profilo — Hajime Sorayama firma il logo del titolo in metallo cromato, King Gnu cura la sigla di apertura, mentre MILLENNIUM PARADE interrompe una pausa di due anni per consegnare un brano collaborativo con Saya Gray e Daniel Caesar.

Poco prima della première dell’anime, Hypebeast ha parlato con Mokochan di Science SARU per approfondire il suo approccio al nuovo GHOST IN THE SHELL anime.

Ghost in the Shell ha avuto un impatto culturale enorme in tutto il mondo. Quando l’opportunità si è presentata per la prima volta a Science SARU, che cosa ha spinto lo studio a voler raccogliere un’eredità così leggendaria?


Mokochan: La mia prima volta con Ghost in the Shell risale al liceo — mi capitò di leggere il manga di Masamune Shirow e di vedere quasi in contemporanea il film per il cinema del 1995 di Mamoru Oshii. Da allora sono un fan sfegatato del franchise. Quindi, quando la proposta è arrivata da noi, ero assolutamente al settimo cielo.

Quali sono stati i tuoi primi pensieri e le tue prime sensazioni quando hai scoperto che avresti lavorato a questo progetto?

Oltre all’entusiasmo iniziale, ho avvertito subito un enorme senso di responsabilità e di pressione. Questo progetto rappresenta un’opportunità rarissima di adattare il manga originale direttamente in una serie anime, e avevo chiarissima la portata delle aspettative che il fandom riponeva in noi.

I precedenti adattamenti — come il film del 1995 o Stand Alone Complex — sono venerati dalla community per il loro tono molto cupo e serio. Ma il mood e l’atmosfera del nuovo adattamento sembrano avvicinarsi di più al manga originale del 1989 di Masamune Shirow. Puoi raccontarci meglio questo cambio di tono?


Come creatori che lavorano nell’industria anime contemporanea, siamo stati inevitabilmente plasmati e influenzati nel profondo dalle trasposizioni monumentali che ci hanno preceduto. Tuttavia, la filosofia centrale di questo progetto specifico era affrontare il manga originale a viso aperto. Per noi non si trattava solo di preservare le ambientazioni o gli snodi narrativi in superficie; era fondamentale catturare il vero spirito delle pagine originali di Shirow.

Per il pubblico che ha conosciuto Ghost in the Shell solo attraverso quelle versioni per lo schermo più cupe e stoiche, questa energia più luminosa e dinamica potrà inizialmente risultare un piccolo shock. Ma state tranquilli: i temi centrali non sono cambiati. Spero davvero che il pubblico sappia accogliere e apprezzare questi contrasti — gustandosi le differenze di atmosfera che ogni epoca del franchise porta in dote.

«Per noi non si trattava solo di preservare le ambientazioni di superficie o i punti della trama; era vitale catturare il vero spirito delle pagine originali di Shirow.»

Secondo te, qual è l’elemento principale che distingue questo adattamento in particolare dai suoi predecessori?


Rispetto alle precedenti versioni anime, la narrazione del manga originale possiede un’umanità molto più marcata — si percepisce davvero un calore, un battito umano tangibile che la attraversa. Pur mostrando in modo esplicito tecnologie del futuro e una società iper-avanzata, il cuore tematico resta ancorato a una domanda classica e senza tempo: come sceglie un individuo di vivere nel mondo? È un interrogativo esistenziale che risuona profondamente negli esseri umani, a prescindere dall’epoca a cui appartengono.

Nel manga originale, il Maggiore Motoko Kusanagi è molto più impulsiva ed espressiva rispetto alle versioni stoiche che abbiamo visto finora sullo schermo. In che modo avete lavorato per far emergere quella specifica energia nella sua animazione?


Credo che il potere più grande del manga risieda nella sua capacità di catturare un’impressione psicologica vivida. Poiché Motoko è una cyborg a corpo intero, la sua pelle, realisticamente, potrebbe risultare più dura di quella di un essere umano, e la temperatura del suo corpo potrebbe essere totalmente fredda. Ma, come animatori, il nostro obiettivo non era sottolineare quell’esterno freddo e meccanico: volevamo invece proiettare sullo schermo il suo io interiore e la sua personalità. Per ottenere quell’estetica, ricorrere alla “deformazione” visiva e a una forte esasperazione è diventato assolutamente essenziale nel nostro linguaggio di design.

Le pagine del manga originale di Masamune Shirow sono famose per essere ricolme fino all’orlo di concetti tecnici, idee e note d’autore. Come avete affrontato la traduzione di quell’energia iper-densa in animazione?

In realtà è proprio una delle cose che abbiamo amato di più del manga originale. Preservare quell’atmosfera stratificata e densissima di informazioni, senza diluirla nella trasposizione, è stata una delle sfide creative più grandi di tutta la produzione. Abbiamo dovuto affidarci a una quantità enorme di sperimentazione e a soluzioni creative in ogni reparto — dalla stratificazione minuziosa dei dettagli nelle palette cromatiche, ai layout di sfondo, ai ritmi di montaggio, al sound design, fino alle interpretazioni stesse dei doppiatori.

Science SARU è ampiamente conosciuto per uno stile di animazione molto fluido ed espressivo. Ci sono stati aspetti particolarmente complessi nel dare vita al mondo cyberpunk di Ghost in the Shell?

Uno dei temi più vitali che attraversano il materiale di partenza è il mistero stesso della vita. Per me, l’animazione tradizionale disegnata a mano, come forma d’arte, ha sempre evocato proprio quel senso di meraviglia. Un singolo frame disegnato a mano è più di un’espressione visiva: è una traccia fisica del corpo dell’animatore lasciata sulla pagina. Proprio per questo legame, raccontare questa storia esplicitamente attraverso mani umane era per noi di importanza cruciale. Abbiamo riversato un’enorme quantità di energia e impegno in questa realizzazione artigianale, perché rispecchia gli stessi temi della filosofia di Ghost in the Shell.

«Inquadro questo progetto come un “ritorno alle origini” calcolato — un reset che può esistere proprio grazie all’epoca contemporanea in cui viviamo oggi.»

Senza fare spoiler, qual è una scena o un elemento di questi primi episodi che ti entusiasma di più?

La scena in cui Daisuke Aramaki e Motoko Kusanagi si incrociano per la prima volta è qualcosa in cui, come creatori, abbiamo riversato tutta la nostra anima. Di fatto, l’intera serie si accende in quel preciso istante in cui i loro mondi collidono, e la narrazione complessiva diventa uno studio di come la loro relazione evolve da quel momento in poi. È un segmento fondativo che abbiamo trattato con una cura immensa.

Che tipo di esperienza possono aspettarsi i nuovi fan e quelli di lunga data dal nuovo anime di Ghost in the Shell?


La nostra missione fondamentale era tradurre fedelmente il manga serializzato del 1989 in un formato anime contemporaneo. Consideriamo i più di trent’anni trascorsi dal suo debutto in stampa come qualcosa di estremamente significativo. In questo senso, inquadro il progetto come un “ritorno alle origini” calcolato — un reset che può esistere proprio grazie all’epoca contemporanea in cui viviamo oggi.

Per i fan storici del franchise, credo che scoprire quel lato grezzo e mai davvero adattato del materiale originale sarà l’aspetto più gratificante. Allo stesso tempo, per chi entra per la prima volta in questo universo, proprio perché questo progetto funziona come un reset definitivo, tutto il worldbuilding in superficie e la storia non sono legati alle versioni precedenti — e penso che rappresenti quindi una porta d’accesso semplice e ideale al franchise.