Sommario

Dal debutto di Zaha Hadid nel 2000 fino ai progetti più recenti: scopri tutte le edizioni del Serpentine Pavilion, anno per anno, e verifica quanti padiglioni conosci davvero.

In un certo senso, il Serpentine Pavilion è la versione architettonica di un’edizione limitata. Ogni anno viene affidata una sola commissione a un architetto che non ha mai costruito nel Regno Unito – il che significa che ogni edizione è, di fatto, il debutto britannico di qualcuno.

La struttura viene montata a giugno sul prato di Kensington Gardens, rimane fino a ottobre, poi viene venduta e scompare. Questa formula di rarità l’ha trasformata in una tappa imperdibile, ed è quasi come se il periodo limitato in situ del padiglione fosse l’equivalente di una finestra di disponibilità programmata.

Dal 2000 sono state commissionate 25 edizioni del Serpentine Pavilion – una non è mai stata realizzata e un anno è andato perso a causa della pandemia. Tutte le altre oggi si trovano in qualche tenuta privata, in un campus universitario o nel giardino di un museo.

L’ultima arriva da Lanza Atelier, studio con base a Città del Messico, che ha inaugurato il suo padiglione all’inizio del mese e ci ha spinti a tornare negli archivi. Qui trovi tutte le edizioni, dal passato al presente.

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Zaha Hadid, 2000

Il programma nasce da un’esigenza pratica: la Serpentine aveva bisogno di una struttura per ospitare la cena di raccolta fondi del suo trentesimo anniversario e chiese a Hadid di progettarla. Il risultato fu una copertura di 600 mq in acciaio e alluminio, con un tetto triangolato che si scomponeva in taglienti piani geometrici a diverse altezze e angolazioni.

Fu il primo progetto realizzato da Hadid nel Regno Unito, costruito in sole sei settimane. La regola secondo cui ogni padiglione successivo avrebbe segnato il debutto britannico del suo architetto nasce qui, quasi per caso.

Daniel Libeskind, 2001

Il padiglione di Libeskind, intitolato Eighteen Turns, era composto da una serie di sottili superfici metalliche ripiegate tra loro in una sequenza dal ritmo origamico. Man mano che i visitatori attraversavano la struttura, i pannelli inclinati comprimevano e aprivano lo spazio attorno a loro, offrendo ogni volta un’esperienza diversa a seconda del punto di vista.

Toyo Ito con Cecil Balmond, 2002

Ito e l’ingegnere Cecil Balmond generarono la forma del padiglione usando un algoritmo applicato a un cubo in rotazione. Ne risultò un guscio in acciaio e vetro composto da pannelli triangolari, che catturavano la luce in modo diverso a ogni ora del giorno.

Oscar Niemeyer, 2003

Niemeyer, all’epoca novantacinquenne, disegnò un volume essenziale in calcestruzzo bianco, sollevato di 1,5 metri dal suolo su un unico pilastro centrale, raggiunto da una lunga rampa curva e da una scala. La forma sopraelevata creava uno spazio esterno ombreggiato al di sotto e un’aula semplice e aperta al di sopra — perfettamente in linea con il linguaggio formale che Niemeyer andava sviluppando dagli anni Quaranta.

MVRDV (non realizzato), 2004

Allo studio olandese MVRDV fu affidata la commissione, ma il loro progetto (una grande struttura montuosa che si innalzava di diversi metri sopra il prato) non poteva essere realizzato entro il budget del programma e i sei mesi di cantiere previsti. Rimane l’unica commissione, nella storia del padiglione, a non essere mai stata costruita.

Álvaro Siza & Eduardo Souto de Moura, 2005

I due architetti portoghesi svilupparono il padiglione a partire da una griglia rettangolare, progressivamente piegata e deformata fino a ottenere una struttura lignea curva, simile a un’onda. Le travi incrociate a diverse angolazioni disegnavano in alto un soffitto a traliccio che filtrava la luce e cambiava carattere lungo il percorso. Il progetto era pensato come risposta diretta all’edificio neoclassico della Serpentine Gallery adiacente.

Rem Koolhaas con Cecil Balmond, 2006

Questo padiglione era articolato in due parti: un volume circolare a livello del suolo con pareti in policarbonato e una grande copertura ovoidale gonfiabile sospesa sopra, che poteva essere sollevata per fluttuare sullo spazio o abbassata per racchiuderlo completamente. Di notte la copertura era illuminata dall’interno, e Koolhaas utilizzò lo spazio per condurre programmi di interviste non-stop con artisti, politici e architetti.

Olafur Eliasson & Kjetil Thorsen, 2007

Eliasson e Thorsen realizzarono un’ampia rampa a spirale in legno che si avvolgeva verso l’alto dal suolo fino a una piattaforma a circa sei metri d’altezza, regalando alla struttura, vista dall’esterno, un aspetto dinamico, quasi giroscopico. Chi saliva in cima poteva guardare indietro verso la Serpentine Gallery incorniciata sotto di sé – ribaltando il consueto rapporto tra un edificio e il suo padiglione.

Frank Gehry, 2008

Il padiglione di Gehry era una struttura in legno e acciaio con grandi falde di copertura sovrapposte, impostate ad altezze e angolazioni irregolari e sorrette da un telaio d’acciaio a vista. A una delle estremità, un pannello riflettente in legno curvo era studiato per migliorare l’acustica del programma di concerti serali. Pur essendo un architetto prolifico da decenni, questo fu il suo primo edificio completato in Inghilterra.

SANAA, 2009

SANAA portarono una sorta di quiete rarefatta con il loro padiglione, disegnando un’unica grande copertura in alluminio lucidata a specchio, così da riflettere il parco e il cielo sopra i visitatori mentre camminavano al di sotto. Il tetto poggiava su sottili colonne d’acciaio disposte senza un ordine apparente ed era aperto su tutti i lati, senza alcuna parete perimetrale.

Jean Nouvel, 2010

Nouvel dipinse l’intero padiglione in un unico rosso saturo – ispirato, disse, agli iconici bus e alle cabine telefoniche di Londra – e lo costruì come una composizione di falde di copertura a sbalzo, colonne di diverse altezze, pareti e tetto in vetro rosso. Il colore creava un contrasto netto con il verde di Kensington Gardens, rendendo l’edificio visibile da ogni punto del parco.

Peter Zumthor con Piet Oudolf, 2011

Il padiglione di Zumthor, intitolato “A Garden in a Garden”, era una struttura rettangolare in legno scuro che racchiudeva al centro un luminoso giardino all’aperto. I visitatori entravano da una stretta fessura nel muro esterno, percorrevano un corridoio coperto in penombra ed emergevano in una corte interna rigogliosa, piantata dal garden designer Piet Oudolf con una densa miscela di perenni ed erbe che cambiava nel corso dell’estate, via via che le diverse specie entravano in fioritura.

Herzog & de Meuron & Ai Weiwei, 2012

Invece di costruire verso l’alto, Herzog & de Meuron e Ai Weiwei scavarono nel sito, asportando porzioni di prato per esporre gli strati di terreno sottostanti e rivelare le fondazioni compattate lasciate da ogni padiglione precedente. Dal piano scavato si innalzavano dodici colonne d’acciaio, una per ciascuna edizione passata, che sorreggevano una copertura circolare piatta posizionata all’altezza degli occhi. Il risultato era uno spazio parzialmente sotterraneo che rendeva la storia del programma tangibile, quasi fisica.

Sou Fujimoto, 2013

Il padiglione di Fujimoto era una sorta di nuvola reticolare formata da sottili aste in acciaio bianco, ciascuna con il diametro di un dito. La struttura era permeabile allo sguardo da ogni prospettiva, senza pareti né un interno definito, e si assottigliava verso i bordi fino a dissolversi nel paesaggio circostante invece di chiudersi in un limite netto.

Smiljan Radić, 2014

Per il suo padiglione, Radić bilanciò un grande guscio cilindrico in vetroresina bianca translucida su un insieme di rocce grezze, non lavorate, da cava. La vetroresina era abbastanza sottile da lasciar filtrare una luce diffusa attraverso le pareti, avvolgendo l’interno in un bagliore morbido e uniforme. All’interno, lo spazio era organizzato attorno a un patio centrale all’aperto, con sedute coperte disposte ad anello.

SelgasCano, 2015

Probabilmente il padiglione più colorato della lista, quello di SelgasCano era una struttura a tunnel formata da archi d’acciaio avvolti in due strati di membrane in ETFE – uno bianco translucido all’interno e uno stampato a colori all’esterno. Quando la luce del sole attraversava i due strati, i colori si mescolavano e mutavano nel corso della giornata, trasformando l’interno dal giallo al verde al blu a seconda dell’angolo della luce.

Bjarke Ingels Group, 2016

BIG immaginò una struttura a zip, impilando 1.800 mattoni cavi in vetroresina in un unico muro continuo che si sdoppiava in due ali curve e si inarcava sopra le teste dei visitatori. Poiché i mattoni erano cavi e aperti a entrambe le estremità, il muro appariva pieno se guardato frontalmente e trasparente se osservato in diagonale. L’edizione 2016 introdusse anche quattro piccoli Summerhouse firmati da altri architetti e disseminati nel parco, segnando la prima espansione del programma oltre la singola commissione.

Diébédo Francis Kéré, 2017

Kéré si ispirò al grande albero comunitario al centro della sua città natale, Gando, in Burkina Faso, sotto il quale le persone si radunano nelle ore più calde. La struttura aveva un’ampia copertura in acciaio color indaco a forma di imbuto, che si estendeva ben oltre le pareti sottostanti per creare ombra lungo tutto il perimetro, con un’apertura centrale che raccoglieva l’acqua piovana convogliandola lungo il pilastro principale, secondo una tecnica mutuata dai metodi costruttivi tradizionali della regione.

Frida Escobedo, 2018

Escobedo costruì una corte racchiusa da muri realizzati con le comuni tegole in calcestruzzo usate sui tetti nel Regno Unito, impilate in modo da creare una superficie reticolare di pieni e vuoti che lasciava filtrare luce e aria in modo frammentato. Un soffitto a specchio sulla porzione coperta rifletteva dall’alto il disegno delle tegole, mentre a un’estremità una bassa vasca triangolare rifletteva il cielo.

Junya Ishigami, 2019

Portando un frammento del nord dell’Inghilterra a Londra, Ishigami rivestì il tetto del padiglione con circa 61 tonnellate di ardesia grezza del Cumbria, disposta in strati sovrapposti su una superficie dolcemente inclinata che, al margine più basso, sembrava emergere direttamente dal terreno del parco. Sotto l’ardesia, 106 sottilissime colonne d’acciaio sorreggevano la copertura — collocate in un ordine irregolare, quasi boschivo, senza alcun pattern ripetuto. Da lontano, il pesante tetto in pietra sembrava fluttuare, mentre lo spazio al di sotto era basso, scuro e raccolto come una grotta.

Sumayya Vally / Counterspace, 2021

Il padiglione di Vally era realizzato in multistrato tagliato a controllo numerico e rivestito in microcemento rosa e grigio, organizzato non come un unico edificio chiuso ma come una costellazione di elementi frammentati disseminati sul prato. Forme e geometrie nascevano da una ricerca sugli spazi informali di aggregazione a Londra, come moschee, librerie indipendenti, venue per sound system e bancarelle di mercato.

Theaster Gates, 2022

L’artista Theaster Gates realizzò un cilindro di 16 metri di diametro composto da travi lignee annerite impilate orizzontalmente, con una copertura conica aperta in sommità. All’interno, un’unica sala circolare con sedute lungo il perimetro e un oculo sopra le teste, aperto verso il cielo. Gates progettò lo spazio specificamente per il suono, calibrando la forma cilindrica e il rivestimento in legno per le performance dal vivo. Nel corso della sua permanenza nel parco, la “Black Chapel” ha ospitato musica, letture e momenti collettivi, e Gates l’ha descritta come uno spazio che si inserisce nella tradizione delle piccole cappelle non conformiste.

Lina Ghotmeh, 2023

“À Table” di Ghotmeh era un padiglione a nove lati con pareti realizzate in pannelli lignei traforati da sagome a forma di foglia, che filtravano la luce del parco in disegni mutevoli sul pavimento interno. All’interno, lo spazio era organizzato attorno a un’unica lunga tavola comune. Ghotmeh ha descritto il padiglione come una riflessione sull’atto di riunirsi attorno a un tavolo, la forma più fondamentale di architettura umana.

Minsuk Cho / Mass Studies, 2024

Questo padiglione era organizzato in cinque volumi chiusi o semi-chiusi disposti attorno a una corte centrale all’aperto, volutamente lasciata vuota. Un dettaglio che rimanda al madang — lo spazio a cielo aperto al centro delle case tradizionali coreane, considerato il cuore sociale della casa più che un vuoto inutilizzato. Ciascuna delle cinque strutture era sviluppata in collaborazione con un artista, un compositore o un archivista diverso, assumendo un carattere proprio e facendo percepire l’insieme più come un piccolo villaggio che come un singolo edificio.

Marina Tabassum, 2025

Un albero preesistente diventava il fulcro del padiglione di Tabassum, una lunga navata rettangolare ad arco rivestita da pannelli in policarbonato translucido. Poiché la struttura non era mai davvero “chiusa”, rimaneva sempre aperta verso il parco su tutti i lati e, dopo la sua vita nel verde londinese, era destinata a trasformarsi in una biblioteca altrove. «L’architettura ha sempre inseguito la permanenza», dichiarò allora Tabassum. «Nel mio padiglione, l’idea di eternità cambia definizione.»

Lanza Atelier, 2026

All’inizio di questo mese, Lanza Atelier ha svelato il padiglione 2026, ispirato a un elemento architettonico noto come “serpentine”: un tipo di muro in mattoni diffuso nella contea inglese del Suffolk, ma in realtà erede di un dettaglio formale che affonda le radici nell’antico Egitto. Composta da oltre 30.000 mattoni in sfumature di rosso, l’installazione serpeggia tra i giardini ed è arredata con elementi disegnati anch’essi dallo studio.