Questo completo Y/Project incarna alla perfezione la mostra “Costume Art” del Met

Se per alcuni “Costume Art” potrà sembrare un titolo fin troppo letterale per la prossima grande mostra di costumi del Met, proprio come il tema di gala “Fashion Is Art”, il nome esprime invece con estrema chiarezza il concept dell’evento: il legame indissolubile tra il corpo vestito e la storia dell’arte.

Parlando lo scorso febbraio della futura mostra, il curatore responsabile Andrew Bolton ha dichiarato di “voler mettere al centro il corpo vestito all’interno del museo, collegando le rappresentazioni artistiche del corpo con la moda come forma d’arte incarnata”. Bolton ha aggiunto che, invece di dare priorità alla “visualità” della moda, “che spesso va a scapito del corporeo”, Costume Art si concentrerà sulla “materialità e sul legame indivisibile tra i nostri corpi e gli abiti che indossiamo”. La mostra del 2026 segna inoltre l’inaugurazione ufficiale delle Condé M. Nast Galleries, uno spazio di circa 12.000 piedi quadrati destinato a ospitare le future esposizioni del Costume Institute.

Courtesy Of The Met

Courtesy Of The Met

“Invece di privilegiare la visualità della moda, che spesso va a scapito del corporeo, Costume Art mette al centro la sua materialità e il legame indivisibile tra i nostri corpi e i vestiti che indossiamo.” — Andrew Bolton

Se i temi di quest’anno possono sembrare già di per sé evidenti, il completo Y/Project mostrato nelle anteprime è ancora più esplicito nella sua dichiarazione. Disegnato in collaborazione tra l’allora direttore creativo Glenn Martens e Jean Paul Gaultier per la FW22, il trompe-l’œil trasforma un classico completo maschile due pezzi in una tela bianca per una figura nuda stampata in mezzatinta.

Per tutta la durata della mostra, il completo nudo sarà esposto accanto a una statua marmorea di Diadoumenos del I–II secolo d.C., tracciando un parallelismo tra le rispettive rappresentazioni idealizzate del “Classical Body”. Altri capi in mostra saranno suddivisi in ulteriori categorie come “The Naked Body”, “The Aging Body” e “The Anatomical Body”.

Con la sua cruda rappresentazione fotografica del corpo maschile, il completo si distingue dagli altri look presentati nelle anteprime, tra cui gli abiti finemente lavorati di Dilara Findikoglu e Rei Kawakubo. Se molte delle altre opere mettono in scena interventi sulla forma e un’attenzione particolare alle silhouette femminili, il completo Y/Project punta invece tutto sull’illusione ottica e su una forma dichiaratamente maschile.

Jean Paul Gaultier Wears Ss96 (getty Images)

Senza un’analisi più attenta, è facile liquidare il completo Y/Project come una contraddizione rispetto alle intenzioni curatoriali di Bolton. Non è forse un capo che punta tutto sulla visualità della moda, con le sue grafiche bidimensionali? La visualità, in effetti, è al centro del metodo del trompe-l’œil — l’espressione stessa significa letteralmente “ingannare l’occhio”.

Tuttavia, questo non avviene a scapito del corporeo; al contrario, il completo riporta l’attenzione sul corpo, riuscendo a “connettere le rappresentazioni artistiche del corpo con la moda come forma d’arte incarnata”, come afferma Bolton. Più in generale, trasforma la proposta della mostra — il “legame indivisibile tra i nostri corpi e i vestiti che indossiamo” — in una metafora: il corpo sfugge da sotto l’abito e viene riaffermato sulla sua superficie.

Presentato poco prima dell’uscita di Glenn Martens e della successiva chiusura del brand, il completo era solo uno dei tanti look Y/Project FW22 che riprendevano le stampe trompe-l’œil anni ’90 di Jean Paul Gaultier. I pezzi realizzati in collaborazione erano un chiaro riferimento alla collezione SS96 di Gaultier, “Pin Up Boys” in cui analoghi busti muscolosi in mezzatinta comparivano sulle camicie (rese celebri, tra gli altri, da Robin Williams).

Getty Images

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La riedizione del 2022 da parte del duo ha spinto il concetto ancora oltre, mostrando corpi nudi sia maschili sia femminili in ogni dettaglio, genitali inclusi. E, come se l’idea non avesse già oltrepassato ogni limite, la SS26 di debutto di Duran Lantink per Jean Paul Gaultier, per usare un eufemismo, ha “sfondato la quarta parete” con una stampa fotografica di nudo a copertura totale.

Per Gaultier, e forse anche per i suoi omologhi più giovani, il capo diventa uno spazio di provocazione e sovversione, in dialogo con il lavoro illusorio degli artisti surrealisti del XX secolo. Negli anni ’30, la sconvolgente “Object” ricopriva una umile tazzina da tè con un lussuoso rivestimento di pelliccia, mentre gli orologi che si sciolgono di Salvador Dalí trasformavano oggetti solidi in masse viscide. Si potrebbe dire che questi artisti visionari e i loro contemporanei abbiano gettato le basi per l’ingresso del Surrealismo nel mondo della moda. Eppure, Elsa Schiaparelli realizzava già il suo trompe-l’œil Bow Knot sweater anni prima che queste opere venissero persino portate a termine.

Bow Knot Sweater, Moma

Se è vero che Gaultier ha di fatto dato i natali all’interpretazione contemporanea del trompe-l’œil di nudo come motivo, non è certo stato il primo a utilizzare il metodo in senso più ampio. Nel 1927, Elsa Schiaparelli iniziava a produrre l’iconico Bow Knot e altri capi con dettagli trompe-l’œil. Lo status della designer italiana come “surrealista” si sarebbe consolidato ulteriormente con la collaborazione con Salvador Dalí per la Lobster Dress nel 1937. Altrove, Hermès adottava un approccio più sottile negli anni ’50, disegnando pennellate che suggerivano tasche, colletti e bottoni sui loro abiti.

Ciò che distingueva l’evoluzione successiva di Gaultier era la rappresentazione della nudità. Invece che simulare le qualità del capo, l’illusione elimina del tutto il soggetto del vestito e inganna l’occhio facendogli credere di vedere attraverso il tessuto. Inoltre, i corpi esibiti da Gaultier e poi da Martens per Y/Project non erano corpi qualsiasi: erano muscolosi, a clessidra — la proiezione di ideali specifici di body image. Collocato nel contesto del “Classical Body” e posizionato accanto al marmo del Diadoumenos, il completo richiama il modo in cui gli antichi Greci glorificavano il corpo umano nudo nella loro cultura visiva, in particolare la fisicità maschile.

Jean Paul Gaultier, Ss26

Considerando il tono spesso ironico di Gaultier e dei suoi colleghi più giovani, si può dire che questi designer siano probabilmente meno interessati a promuovere un determinato tipo di corpo e più desiderosi di scardinare del tutto tali ideali. In netta controtendenza rispetto all’idealismo dell’antica Grecia, i nudi trompe-l’œil di Duran Lantink per Jean Paul Gaultier SS26 non erano eccezionalmente sexy, ma piuttosto medi. Al posto di corpi muscolosi e perfettamente depilati, Lantink ha mostrato fisicità pelose, più asciutte, che scorrono con naturalezza da modelli maschili a femminili. Se si guarda al completo Y/Project come a una tappa di questa linea temporale sinuosa, il look diventa solo uno dei tanti nodi in una storia più ampia sulla rappresentazione del corpo nell’arte e nel costume.

L’abbigliamento, nel senso più ampio del termine, in effetti precede le concezioni moderne di “arte”, un ambito che ha iniziato a fiorire nelle prime civiltà, quando i bisogni primari di cibo, vestiti e riparo venivano soddisfatti su larga scala. Con un focus principale sulla “Western art from prehistory to the present” in questa edizione della mostra, il corpo vestito può incarnare molteplici significati, dalla classe economica alle norme di genere — e lo stesso vale per il corpo nudo.

Se la nudità viene generalmente respinta al di fuori delle mura museali, all’interno le sue rappresentazioni sono celebrate, scolpite in antichi marmi bianchi su piedistalli o dipinte con una dimensionalità iperrealistica. La collaborazione Jean Paul Gaultier x Y/Project, e l’intera genealogia che l’accompagna, ribalta questa dinamica, portando la nudità fuori dal contesto museale e dentro la quotidianità.

Peter White/Getty Images

Invita tanto gli ospiti quanto il pubblico a guardare alla moda oltre le impressioni di superficie, avvicinandoli alla sua essenza vitale nel corpo.

Così come l’attenzione al Black Dandyism dello scorso anno ha riportato in primo piano la sartoria maschile, il Met Gala 2026 è destinato a dettare il tono della moda dell’anno a venire. A differenza delle edizioni passate, questa mostra non è legata a una specifica cultura o sensibilità visiva. Invita tanto gli ospiti quanto il pubblico a guardare alla moda oltre le impressioni di superficie, avvicinandoli alla sua essenza vitale nel corpo. In questo senso, la creazione congiunta di Glenn Martens e Jean Paul Gaultier diventa una rappresentazione del tema al tempo stesso letterale e metaforica.

La moda è stata storicamente tenuta ai margini rispetto all’arte, considerata una pratica meno profonda e più commerciale, inferiore allo status elevato di pittura e scultura. Con l’apertura delle nuove Condé M. Nast Galleries — uno spazio espositivo dedicato al Costume Institute — la mostra si prepara a trasformare il tema di gala “Fashion Is Art” in una realtà che andrà ben oltre il prossimo lunedì.