Potere, ego e rovina cosmica in «Akira»

Nel 1988, Katsuhiro Otomo ha dato vita a un labirinto psicologico. Quasi quattro decenni dopo,Akira rimane il punto di riferimento assoluto per il world-building cinematografico: un delirio febbrile, viscerale e dipinto a mano, fatto di degrado urbano e ascesa divina. Entrare in Neo-Tokyo significa assistere a una civiltà che vibra alla stessa frequenza della propria rovina.

Il genio del film risiede nella sua assoluta audacia tecnica. Anche nel 2026, l’animazione fluida ad alto frame rate, con scie di luce che fendono il buio, resta ineguagliata. Il mondo ha peso, sostanza: sembra che ogni grattacielo e ogni condotta fognaria siano stati disegnati con un’intenzione precisa, quasi dolorosa. Da semplice sfondo si trasforma in un personaggio vivo e pulsante, più reale dei paesaggi digitali dei blockbuster contemporanei. Lo stridio della gomma sull’asfalto, il ronzio del neon e il silenzio del vuoto catturano tutta la frizione della metropoli.

Altrettanto fondamentale è il paesaggio sonoro. La colonna sonora di Shōji Yamashiro, una perturbante fusione di canti tribali e sintetizzatori digitali, genera un senso di inquietudine rituale. Incornicia il conflitto centrale del film: la terrificante trasformazione dell’ego umano in qualcosa di cosmico e incontrollabile.Akira è un’autopsia del potere, che indaga le macerie lasciate quando agli emarginati viene improvvisamente concessa la forza di un sole morente. Mentre attraversiamo le nostre realtà urbane sempre più complesse, il capolavoro di Otomo resta un monito costante: le cose più belle spesso germogliano dalle rovine del vecchio mondo.