Transmediale torna a Berlino e “ri-cabla” una rete che abbraccia il mondo

Testo di Will Allstetter per Hypeart

Alla fine di gennaio, Transmediale è tornato a Berlino per la sua 39ª edizione. Il festival di arte e cultura digitale ha attraversato la città e messo radici in un mix eclettico di location, dal Berghain all’Ambasciata canadese. Orientarsi nel programma significava passare da tram a metro, da autobus ad auto, oltre a procedere a piccoli passi sui marciapiedi ghiacciati.

Anche se in parte effetto collaterale della logistica, la rete geografica che il festival ha intessuto nella città centrava perfettamente il tema di quest’anno: “By the Mango Belt & Tamarind Road”. Nella loro bussola tematica, le curatrici Neema Githere e Juan Pablo García Sossa scrivono: “il festival viene reinventato come una rete portante ricorsiva e vivente — un’amaca di tecnologie relazionali in pratica che si tende attraverso latitudini, ritmi e sistemi”. Il titolo è un omaggio alla “One Belt One Road” della Cina, un’iniziativa economica che, nelle loro parole, “si propone spesso come un’alternativa allo sviluppo ma perpetua strutture di dipendenza”.

Inquadrato così, il festival riconosce che le reti, soprattutto quelle digitali, sono strutture complesse. Sono al contempo effimere e digitali, ma anche fisiche e infrastrutturali. Ideologicamente, i loro ideali collettivi e utopici tendono spesso a piegarsi verso l’estrazione e lo sfruttamento. In “Infrastructure Anxiety” — mentre GIF di icone pop, tra cui Paris Hilton, Minecraft e Serial Experiments Lain scorrevano in loop, Cade Diehm ha battezzato l’inquietante matrimonio tra digitale e fisico “para-reale”. La “psicopatica corsa alla preservazione dei dati” della cibernetica si infiltra nel nostro mondo materiale e genera sfocati effetti para-reali. Diehm cita sintomi come la paranoia ansiosa che permea le interazioni online e l’ammissione dell’ex capo della NSA: “uccidiamo persone sulla base dei metadata”.

La computazione, hanno ricordato i partecipanti, non è soltanto il software e l’hardware a cui ci siamo abituati.

Questa consapevolezza non significa, però, che gli artisti di Transmediale abbiano rinunciato al potenziale della rete. Al contrario, la comunità si è data appuntamento a Berlino (e altrove, con “netting groups” satelliti in Thailandia, Papua Nuova Guinea e sulla Swahili Coast) per avviarne di proprie. Come spiegano le curatrici, il festival non voleva solo esplorare come diversificare e migliorare i modelli esistenti, ma guardava ai “tropici e oltre” in cerca di nuove “ricette e architetture di relazione che sopravvivano alla standardizzazione e all’universalità”.

In questa prospettiva, la computazione, come ci hanno ricordato i partecipanti, non è soltanto il software e l’hardware a cui siamo abituati. In “Kolams” (che potete provare online), Aarati Akkapeddi ha rielaborato l’arte Tamil e Telugu di tracciare disegni algoritmicamente complessi usando farina di riso e curcuma. Come gesto di lutto per la nonna che praticava questa forma d’arte, Akkapeddi ha creato un programma informatico per codificare testi all’interno di questi motivi. La computazione non è solo silicio e cavi, a volte è farina e spezie.

Presentando QT.Bot, Lucas LaRochelle ha proposto una cornice per immaginare la rete di partecipanti della settimana: “nella differenza, insieme”. QT.Bot è un’intelligenza artificiale addestrata sui dati del progetto di LaRochelle, “Queering The Map,” un sito che permette agli utenti di condividere esperienze queer geolocalizzate. “Queering The Map” non è il classico database. È volutamente anonimo e opaco. Le singole voci galleggiano da sole, il testo racchiude solo l’istante individuale. LaRochelle limita il modello prima che diventi troppo bravo a imitare. Il risultato è una rappresentazione “dissociativa” che spesso allucina, si contraddice e produce pseudo-nonsense, con frasi come “quattro donne trans alte 17 piedi in tute gialle hanno fatto l’autostop fuori da casa nostra alle 8 del mattino a Midtownhattan”. Contestando una visione riassuntiva della rete e rivendicando la pluralità, hanno invitato il pubblico ad accettare “molteplici realtà”. La voce di LaRochelle è stata distorta oltre il riconoscibile per incarnare una forza non umana che canalizza la rete, mentre narrava l’output del LLM. Anche se, ad ascoltare bene, l’accento canadese trapelava.

Senza giudizio, i partecipanti al festival sono stati invitati a riconsiderare i propri concetti: non come oggetti da cui spremere valore d’uso, ma come nodi in una trama di pensiero in continua tessitura.
Più tardi, Tsige Tafesse ha guidato la meditazione “Embodied Citation”. A occhi chiusi, il pubblico ha seguito la genealogia di un concetto a scelta. In questo caso, la rete era temporale e interpersonale. Davanti alla platea, ci ha invitati a pensare a come i nostri concetti (io ho scelto un detto tramandato da mia madre) siano stati modellati nel tempo e attraverso la comunicazione. Mentre immaginavamo, proponeva spunti su come le “grammatiche del potere” abbiano manipolato questi concetti. Senza giudizio, i partecipanti sono stati spronati a riformulare le proprie idee: non come oggetti da cui estrarre valore d’uso, ma come nodi in una trama di pensiero intrecciata.

Oltre alle performance, il festival ha ospitato anche installazioni. “LAWALAWA,” un cesto intrecciato Isola Tong, era sospeso sopra l’ingresso del Silent Green, la casa-base del festival. Alludendo alla sua capacità di contenere, quell’intreccio era una metafora dello spazio che introduceva: un ambiente accogliente in cui fermarsi, riflettere e rigenerarsi. All’interno, la “Tilapia Shrine” affrontava il pensiero sistemico da un’altra angolazione. Su uno scaffale in fondo a una stanza buia, Hoo ha collocato un acquario luminoso. A illuminare l’acqua, un pannello a matrice LED lampeggiava freneticamente grafiche e la scritta “Tilapia Shrine (Closed System for Care and Circulation)”, mentre pesci giocattolo si muovevano senza meta. Per Hoo, la Tilapia è una specie al crocevia di molte reti: impatto economico, contributi ambientali e simbolismo culturale malese-cinese. Con luci aggressive e pesci artificiali, un altare così celebra le trame culturali sfumate in cui stiamo nuotando oggi, accettando che un futuro sostenibile possa essere meno bucolico di quanto immaginiamo. Dall’altra parte della città, al Dong Xuan Center, un’insegna LED simile si è aggiunta alla rete. Sopra una bancarella nel centro all’ingrosso asiatico di 500 acri, un nastro poetico di Ben Okri illuminava merci da tutto il mondo: “In principio c’era un fiume. Il fiume è diventato una strada e la strada si è diramata verso tutto il mondo. E poiché la strada era stata un fiume, era sempre affamata.”

In reti globalizzate come queste, lo spettatore non solo partecipa alla rete, ma ne diventa parte, interiorizzandola.

 

In mezzo a tutta questa speculazione, il festival non ha però perso di vista la concretezza economica. In “Current·Seas”, gli artisti hanno raccontato come le loro pratiche siano sostenute da strutture economiche alternative. Gladys Kalichini ha spiegato come le Chilimbas — un sistema zambiano di risparmio comunitario basato sul credito — abbiano reso possibile la realizzazione delle sue opere. Kalichini non ha presentato le Chilimbas come un’alternativa utopica alle strutture finanziarie esistenti, perché “le banche usano la stessa logica”. Eppure, grazie alle loro reti comunitarie organiche fondate sulla fiducia, prendendo in prestito dalle Chilimbas non solo aveva accesso ai fondi, ma, forte di quell’investimento, ha potuto coinvolgere i membri della comunità nel lavoro artistico.

Il commercio si svolgeva persino all’interno del festival stesso: la sera di apertura ho inserito sei euro nell’installazione di Kathleen Bomani, “Deera World” in cambio di un capo. Si è radunato subito un piccolo gruppo, incuriosito da quelle confezioni compatte e riflettenti nel distributore automatico. Ne è uscita una Deera meravigliosamente profumata e colorata, un indumento femminile swahili. Bomani spiega che “il capo circola attraverso un’economia informale di relazioni. Quasi la metà di tutte le Deera viene regalata, prestata, si sposta tra le case più che essere acquistata”. Usa questo contesto per mettere in luce “una rete non estrattiva di solidarietà femminile, protezione e condivisione di risorse”. Prodotto della circolazione, tuttavia, il tessuto è anche un promemoria dell’ingovernabile espansione della rete. Pensato come una “potente tecnologia di sovversione femminile swahili”, il peso semiotico dell’oggetto diventa molto meno evidente una volta acquistato da un uomo bianco americano a Berlino.

In reti globalizzate come queste, lo spettatore non solo partecipa, ma diventa parte della rete, interiorizzandola. I contenuti che consumo e il lavoro che svolgo circolano nelle reti economiche, sociali e digitali al centro del festival. In riconoscimento di ciò, il festival ha proposto anche opere commestibili. Per “Liquid Assets”, Gosia Lehmann, Sarah Friend e Arkadiy Kukarkin hanno trasformato banconote statunitensi in sciroppo per preparare cocktail per i partecipanti. Vestiti con jumpsuit, il trio serviva le loro miscele in becher, con nomi come “Legal Tender” e “Pyramid Scheme”, ognuna con regole proprie per essere guadagnata e consumata.

Attraverso la trama di arte, performance e workshop presentati a Transmediale non è emersa una conclusione univoca. Le linee tra i nodi non puntavano verso un’informazione centrale. Il che, in molti sensi, era proprio l’obiettivo. Le visioni estrattive e finite delle reti cercano di ridurle a un deliverable di valore. Le trame, le reti e le strutture di sostegno presentate, invece, accoglievano con gioia la pluralità della loro comunione.