"Roy Lichtenstein: Like New" non è la Pop Art dei vostri genitori

Non possiamo farci niente: Roy Lichtenstein è ovunque. Dai pixel che compongono le immagini sullo schermo al tratto spesso e sfacciato dei più grandi creativi di oggi, fino allo scatto di una frazione di secondo di un’eroina in lacrime, il suo impatto è quasi impossibile da ignorare. È veloce, ti sbatte in faccia. Ma in che modo il suo familiare linguaggio fatto di fumetti e puntini ha eclissato una storia molto più complessa?

“Solo perché riusciamo a riconoscere qualcosa, non significa che ne comprendiamo appieno il senso”, ha affermato Meg Onli, una delle curatrici di Roy Lichtenstein: Like New. Inaugurata al Whitney Museum di New York l’11 ottobre, la mostra riunisce oltre 130 opere del maestro della Pop Art, tra cui dipinti, disegni, collage, stampe e sculture, create nell’arco della carriera sessantennale di Lichtenstein. E sebbene le sue tele ispirate ai fumetti siano numerose, l’esposizione porta alla luce anche filoni meno noti che riflettono l’artista, sia per come vedeva se stesso, sia per come il suo amore, allora radicale, per l’accostamento tra cultura alta e bassa si adatterebbe perfettamente alla realtà odierna del pubblico, sempre più incollato allo schermo.

Dagli insegnamenti seri, e decisamente singolari, di Hoyt Sherman alla Ohio State University, che in seguito si riveleranno formativi per la visione del segno da parte di Lichtenstein, fino alle opere create nel suo ultimo anno di vita, che si ricollegano alla mostra del 1997 al piano di sopra, Like New fa luce sull’artista che aveva compreso il futuro delle immagini e dimostra una profonda sensibilità per la continua costruzione e decostruzione del significato. La riproduzione introduttiva di quasi 30 metri del suo “Greene Street Mural” (1983), uno dei quattro murales ricreati dallo studio del co-curatore e artista Alex Da Corte, dà subito il tono giusto.

Uno dei momenti salienti dal punto di vista storico è un vero e proprio viaggio a ritroso nella New York di Lichtenstein: una ricostruzione, all’interno della galleria, della prima personale dell’artista nel 1962 presso la galleria Leo Castelli. È la prima volta che tutte le opere vengono riunite da allora, compreso “Laughing Cat” (1961), originariamente di proprietà di Andy Warhol. Ci sono poi alcune delle sue eroine più note: “Drowning Girl” (1963), “Crying Girl” (1963) e “Girl in Window (Study for World’s Fair Mural)” (1963), anch’essa ingrandita a dismisura sul balcone esterno. Accanto ad esse si trovano riproduzioni e fonti quasi identiche, come il duplicato di Elaine Sturtevant, per il quale Lichtenstein fornì gli stencil. Firmò persino un dipinto di Raymond Pettibone come se fosse quello autentico. Più che la singola copia, Lichtenstein amava la copia della copia: un’ossessione che continua a essere fondamentale per la nostra cultura contemporanea del repost e per le nuove associazioni che un’immagine accumula a ogni condivisione.

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“Rallentare il modo in cui si guarda a Lichtenstein era il nostro desiderio fin dall’inizio.” — Alex Da Corte

Con pennellate così nette che sareste perdonati se le pensaste realizzate a macchina, la ricchezza concettuale dell’opera di Lichtenstein viene spesso messa in ombra dalla sua finezza tecnica (e se ci fosse qualche dubbio sul potere del marchio Lichtenstein, date un’occhiata al pile Gap a pois Ben-Day). “Rallentare il modo in cui si guarda a Lichtenstein”, un artista celebrato per la sua immediatezza, “era il nostro desiderio fin dall’inizio”, ha spiegato Da Corte. “Enfaticamente fatto a mano” è una descrizione che riecheggia continuamente in tutta la mostra al Whitney, e in essa c’è la speranza di umanizzare il rapporto con le opere, restituendo un po’ di personalità al loro tocco.

Onli e Da Corte hanno ammesso di non essere “specialisti della Pop Art” quando hanno accettato di curare Like New. Onli, che ha curato la Biennale del Whitney del 2024, aveva precedentemente diretto l’Underground Museum di Noah Davis, mentre Da Corte, artista concettuale venezuelano-americano e già partecipante alla Biennale di Venezia del 2019, è noto per le sue interpretazioni immersive e sature di colore della cultura pop americana. Ma le loro esperienze potrebbero attrarre una nuova generazione di appassionati d’arte, consentendo loro di contestualizzare la pratica di Lichtenstein all’interno di territori finora inesplorati. Come l’elegante spruzzata di ketchup che Da Corte aggiunge su un cartellone pubblicitario riadattato di “Hot Dog” dall’altra parte della strada, sanno come assecondare i gusti del pubblico, sfidandoci al contempo a comprendere l’artista sotto una nuova luce. Prima dell’apertura, Onli e Da Corte ci hanno illustrato i tanti puntini presenti in Like New, e come collegarli.

In che modo i vostri rispettivi background hanno influenzato l’approccio curatoriale?

Meg Onli: Non ci siamo avvicinati all’opera di Lichtenstein in quanto specialisti della Pop Art. Ognuno di noi ha le proprie aree di interesse, quindi volevamo davvero portare le nostre storie e passioni personali come un modo per guardare a Lichtenstein sotto una luce diversa.

Alex Da Corte: Come artista che lavora attivamente in studio, ho ritenuto importante collocare e rispettare Roy e il suo lavoro nel momento in cui lo creava e scoprire in che modo si esprimesse attraverso di esso. È diventato un filo conduttore essenziale per me e Meg nella curatela della mostra capire e citare come lui stesso dava parola alle sue opere nel momento in cui le realizzava.

Quali sono le sfide nel curare una mostra di un artista onnipresente come Lichtenstein? E quali opportunità offre?

Da Corte: La cosa curiosa di Lichtenstein è che è ovunque. La sua influenza ci circonda, anche se non sappiamo che qualcosa che stiamo guardando potrebbe derivare da lui. Questa è stata la sfida nel realizzare questa mostra: è immediata, veloce, grafica e audace. Eppure, le sue idee intorno all’opera sono molto lente e concettuali e, francamente, molto singolari, come abbiamo scoperto. Rallentare il modo in cui si guarda a Lichtenstein era il nostro desiderio fin dall’inizio.

Onli: Ha davvero creato un’opportunità per me e Alex di guardare indietro e cogliere alcune di quelle questioni fondamentali che operavano oltre la sua persona, o oltre le tele. Alcune di queste includono la sua prima formazione alla Ohio State University. È profondamente interessato alle idee della scienza; già dal ‘65 inizia a parlare dei suoi puntini in relazione ai dati. Non si limita esclusivamente alla narrativa della stampa che abbiamo costantemente visto con un artista come lui.

“Non si limita esclusivamente alla narrativa della stampa che abbiamo costantemente visto con un artista come lui.” — Meg Onli

Ci sono stati fili conduttori o narrazioni inaspettate che vi hanno colpito particolarmente durante questa esperienza?

Onli: Ciò che la mostra fa di diverso rispetto ad altre esposizioni precedenti è osservare come potesse prendere immagini di partenza — che a volte apparivano su un giornale, un fumetto o persino un libro di storia dell’arte — e non solo ingrandirle su scala di tela, ma arrivare davvero a dare un senso di scala architettonica. Ci sono 4 murales dipinti a mano in tutta la mostra. Questa era una cosa a cui io e Alex tenevamo molto: introdurli e renderli un’esperienza unica di questa esposizione.

Da Corte: Per riallacciarmi a questo punto, il lavoro di Roy era fatto a mano, quindi molto spesso, quando si vede quest’opera riprodotta, ha una finitura lucida; non si nota che la maggior parte presenta segni di matita, cancellature e palinsesti che evidenziano il suo legame con il processo creativo dell’opera. Per me, è stata una grande scoperta e qualcosa che continua a insegnare molto sul creare e sul dedicare tempo a un’opera d’arte.

In che modo Lichtenstein ha plasmato il nostro mondo contemporaneo delle immagini e il modo in cui le trattiamo?

Da Corte: Iniziamo la mostra con “Greene Street Mural”. Questa sequenza di simboli e immagini che Roy utilizzò nel 1983 è molto simile al nostro flusso costante di immagini che viviamo sui feed dei social media. La sua tendenza a stratificare e duplicare se stesso nel suo lavoro e questa idea di autoreferenzialità è intrinseca al modo in cui oggi comprendiamo noi stessi in relazione al mondo e alle immagini. La mostra parla sia di questo sia al pubblico più giovane che vive quotidianamente questo tipo di comunicazione.

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