Destinee Ross-Sutton: perché una galleria sbagliata è peggio di nessuna galleria

Oggi, per gli artisti, la visibilità non dipende più dall’essere scoperti da una galleria. I social media hanno abbattuto molte delle barriere che un tempo separavano gli artisti da collezionisti, curatori e pubblico, mentre le vendite dirette e le mostre auto-organizzate hanno reso sempre più possibile costruirsi una carriera al di fuori del tradizionale sistema delle gallerie.

Per Destinee Ross-Sutton, questo non significa che le gallerie siano diventate obsolete. Significa che devono dimostrare il loro valore. “Non credo che ogni artista abbia bisogno di una galleria”, dice a Hypeart la curatrice nata ad Harlem e fondatrice della Ross-Sutton Gallery. “Ma so che la galleria giusta può essere un partner essenziale”.

Nell’ultima edizione di ‘State of Art’, Ross-Sutton riflette su cosa significhi realmente la rappresentanza nel 2026, dal cambiamento delle dinamiche di potere tra artisti e mercanti alla sempre più contestata commissione del 50% delle gallerie.

I social media, sostiene, hanno fondamentalmente cambiato l’intero panorama. Gli artisti ora possono presentare il proprio lavoro a migliaia di persone senza aspettare che un mercante, un critico o un curatore conceda loro l’accesso. Possono osservare i propri mercati svilupparsi in tempo reale, identificare i collezionisti e, a un ritmo frenetico, vendere opere direttamente.

Artwork by Khari Turner, Courtesy Of Destinee Ross-Sutton

“Le gallerie non sono più i veri e propri guardiani” – Destinee Ross-Sutton

Ma la visibilità, sottolinea, non deve essere confusa con la longevità. Una carriera seria richiede un’infrastruttura che va ben oltre la ricerca di un acquirente. Al suo meglio, una galleria fornisce strategia, relazioni di fiducia, accesso alle istituzioni e una comprensione di come le decisioni prese oggi possano influenzare un artista a cinque o dieci anni di distanza.

“Una buona galleria pensa con anni di anticipo”, spiega. “Non si tratta semplicemente di dove verrà venduta la prossima opera. Riguarda il posto migliore per l’arte, le collezioni in cui entra, quali mostre e istituzioni hanno senso, come il mercato si sviluppa responsabilmente e come la pratica dell’artista viene protetta man mano che la sua presenza cresce”.

Questa distinzione è particolarmente importante quando gli artisti riconsiderano il motivo per cui dovrebbero continuare a cedere fino alla metà di una vendita a una galleria, quando potrebbero già avere accesso diretto a collezionisti interessati. Per Ross-Sutton, la percentuale ha senso solo quando la galleria fa molto di più che facilitare una transazione. Mostre, produzione, spedizioni, fiere, stampa, sviluppo dei collezionisti e relazioni con i musei sono tutti parte del pacchetto della galleria. La vera misura, afferma, non è la vendita immediata, ma ciò che quella vendita aiuta a costruire intorno all’artista.

Anche le carriere indipendenti sono sempre più sostenibili. Ma Ross-Sutton fa notare che molti artisti che operano con successo senza una rappresentanza convenzionale hanno di fatto costruito delle proprie gallerie, circondandosi di manager di studio e team responsabili dell’amministrazione, delle mostre, dei collezionisti e delle istituzioni.

“Indipendenza non significa fare tutto da soli”

La preoccupazione più pressante, quindi, potrebbe essere cosa succede quando la rappresentanza diventa transazionale piuttosto che di sviluppo. Ross-Sutton distingue tra le gallerie che restano fedeli a un artista attraverso le inevitabili fluttuazioni di una carriera e quelle che arrivano quando la domanda raggiunge il picco, capitalizzano sulle vendite e scompaiono quando lo slancio diminuisce. Per lei, la rappresentanza comporta l’obbligo di comprendere non solo l’opera, ma anche la persona e il contesto culturale che ne è alla base.

Ricorda un’artista sudafricana con una carriera internazionale di quasi tre decenni che ha detto a Ross-Sutton che la sua è stata la prima galleria a viaggiare effettivamente in Sudafrica per incontrarla e comprendere meglio la sua pratica.

Courtesy Of Destinee Ross-Sutton

“Come si può difendere adeguatamente un artista se non si è fatto lo sforzo di capire da dove proviene il lavoro?”

Questa filosofia si estende anche oltre il programma stesso di una galleria. Nel 2020, Ross-Sutton ha curato ‘BLACK VOICES/BLACK MICROCOSM‘ a Stoccolma, riunendo 31 artisti di tutta la diaspora nera e dissolvendo intenzionalmente le distinzioni tra artisti emergenti e affermati, pratiche formali e autodidatte e diversi livelli di riconoscimento sul mercato.

Lì, e in seguito curando ‘Unapologetic WomXn: The Dream Is the Truth’ a Venezia, ha riscontrato un problema ricorrente: artisti che volevano partecipare ma le cui gallerie facevano resistenza a permetterglielo. Quest’ultima mostra ha infine riunito più di 30 artiste durante la 60ª Biennale di Venezia.

Per Ross-Sutton, proteggere la carriera di un artista non dovrebbe mai diventare sinonimo di controllarla. “C’è una differenza tra rappresentare un artista e possedere un artista”, afferma. “A volte un’opportunità fuori dalle proprie mura può essere esattamente ciò che è giusto per la carriera di quell’artista”.

Questo porta alla domanda al centro della sua argomentazione: “La relazione è lì per servire la carriera dell’artista, o l’artista è lì per servire la galleria?”. Se Ross-Sutton fosse ora un’artista emergente, la rappresentanza sarebbe ancora un obiettivo, ma solo nelle giuste circostanze. Vorrebbe sapere se una galleria comprende il lavoro, chi sono i suoi collezionisti, quali relazioni istituzionali può offrire, se accoglie opportunità esterne e, cosa cruciale, se rimarrebbe investita quando le vendite non sono immediate.

“Preferirei non avere una galleria piuttosto che la galleria sbagliata”, afferma. “Ma la relazione giusta può ancora essere trasformativa”.