adidas brinda alla cultura dello skate latina

La cultura è uno sport di squadra, e adidas lo sa bene. Lo scorso mese è tornata Nuestra Cultura Al Mundo, la piattaforma creativa del brand che celebra i changemaker ispanici e latino/a/e, e con essa si sono accesi i riflettori su una nuova generazione di voci che stanno lasciando il segno nelle loro comunità, dimostrando che anche un angolo di cultura può contenere un intero universo a sé.

Protagonisti quest’anno sono Jenn Soto e Diego Nájera, due skater che incarnano cosa significhi muoversi con passione, orgoglio e uno scopo, sulla tavola e oltre. Provenienti da coste opposte, i due sono uniti da un impegno ardente verso le persone e i luoghi che li hanno cresciuti, e lo skateboard è tanto un veicolo di espressione di sé, appartenenza e racconto quanto di velocità. Più che un semplice trick, ogni curva, grind e slide è parte di un racconto più ampio: da dove vengono e dove sono diretti.

Per dare vita ai loro racconti, adidas ha coinvolto la regista messicano-americana Gabi Lamb per un cortometraggio e una serie fotografica. Attraverso il suo linguaggio visivo tenero ed evocativo, Lamb ha ritratto Soto e Nájera con la baldanza conquistata sul campo di chi gioca in casa. “La cultura non si muove senza comunità”, racconta a Hypebeast: un ethos cucito nel tessuto del progetto e, più in generale, della sua pratica. Insieme a Andres Norwood e alla sua lente cruda ed empatica, la campagna racchiude la magia quieta del fare ciò che ami e tracciare un futuro nuovo per chi ti ha portato fin qui.

Al centro dei progetti di Lamb c’è la nostalgia, per i ricordi vissuti e per quelli ancora da venire. Lavorando principalmente su pellicola analogica, rinuncia alla lucentezza patinata del classico gloss editoriale a favore del perfettamente imperfetto, ruvido e onesto: un modo per fermare il tempo e assaporare le molteplici trame di un istante. Sulla scia della sua campagna adidas da costa a costa, abbiamo incontrato Lamb per saperne di più sul progetto, sul legame con la comunità e su cosa significhi celebrare il patrimonio culturale per il futuro dell’arte e della moda. Continua a leggere per l’intervista completa.

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“In questo campo, a volte accetti lavori semplicemente per disciplina, ma quando arriva qualcosa che senti allineato… ti risveglia.”

Questa è la tua seconda collaborazione con adidas per Nuestra Cultural Al Mundo. Cosa ti ha attirato inizialmente in questo progetto e in che modo ha risuonato personalmente con te?

Sono in una fase in cui sto davvero radicandomi nel mio “perché” — ponendomi domande oneste su scopo, identità e su cosa significhi davvero, per me come creativa, sentirmi appagata. Quel processo è diventato la mia bussola, guidandomi verso progetti che sento significativi a un livello dell’anima. In questo campo, a volte prendi lavori semplicemente per disciplina, ma quando arriva qualcosa che senti in linea con te, come è successo con questa campagna, ti risveglia. Non si trattava solo di creare immagini: si trattava di raccontare storie che rispecchiano la comunità da cui vengo e la cultura che continua a plasmarmi. C’era una comprensione non detta, un’energia condivisa che era rassicurante e unificante.

Quali sono stati alcuni momenti salienti del tuo lavoro con Jenn e Diego?

La famiglia è centrale per Jenn, quindi volevo abbracciare quella vulnerabilità e andare dritta alla fonte. Abbiamo guidato fino in Pennsylvania e abbiamo passato una giornata a casa di sua sorella — cucinando, trascorrendo del tempo con le sue nipotine e il nipote, catturando tutto in stile documentaristico. Quei piccoli momenti erano tutto: restituivano il calore e il ritmo della vita vera in una casa portoricana.

Con Diego, sono stata profondamente ispirata dalla sua umiltà e da una mentalità radicata nella gratitudine. La sua è una storia di resilienza e cuore — dalla piccola città di frontiera al diventare pro skater, viaggiare per il mondo e trovare uno scopo nella sua passione. Tutto questo richiede coraggio e determinazione. Abbiamo appena scalfito la superficie del suo lavoro creativo. Sono andata via pensando che si potrebbe realizzare un’intera docuserie sulla sua vita.

Avendo lavorato principalmente su progetti di moda e musica in precedenza, com’è stato riprendere degli skater? Da regista, ci sono stati momenti particolarmente impegnativi o gratificanti?

Girare lo skate a New York è stato un sogno. Quella città è la cultura dello skate — ruvida, iconica, ribelle e allo stato puro. La cosa incredibile è che quella mattina ci siamo svegliati sotto un acquazzone, che per lo skate è un no assoluto. Quel giorno mi ha ricordato che dirigere è davvero questione di adattabilità — restare con i piedi per terra, risolvere i problemi e fidarsi del proprio team.

Ma, indipendentemente dal tipo di progetto su cui sto lavorando, che sia moda, skate o musica, da regista devi trovare una connessione con il tuo soggetto per ottenere la sua versione migliore e più onesta. Fai ricerca, ti presenti preparata e crei un ambiente che permetta loro di abbassare le difese, di mostrarsi in modo autentico.

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“L’analogico ti rallenta; ti costringe a essere presente. Forse ho un’anima antica, ma per me l’atemporalità della pellicola custodisce qualcosa di speciale che il digitale non potrà mai davvero replicare.”

Quando inizi un nuovo progetto, in che modo la narrazione complessiva guida la direzione visiva? È qualcosa di più deliberato o spontaneo?

Per me, tutto parte dalla connessione. Una volta che riesco a sentire qual è la storia, le immagini iniziano a formarsi nella mia testa. Amo esplorare come strumenti diversi possano cambiare l’atmosfera; tutte quelle piccole decisioni costruiscono il mondo emotivo dell’opera. Ovviamente è importante arrivare con un piano, ma è altrettanto importante restare aperti e lasciare spazio alla spontaneità, farsi guidare dal momento — spesso è proprio da lì che nascono quegli scatti magici.

Cosa ti spinge a usare la pellicola analogica? In che modo si collega ai temi ricorrenti del tuo lavoro, come identità e nostalgia?

Ho sempre amato l’intenzionalità dello scatto in analogico; sembra una collaborazione con la luce. Ogni fotogramma porta con sé un’impronta organica che lo rende imprevedibile e bellissimo. Oggi sento un’urgenza ancora più profonda di preservare questo tipo di forma d’arte perché il nostro mondo si muove così in fretta — tutto sembra troppo comodo, troppo perfetto. L’analogico ti rallenta; ti costringe a essere presente. Forse ho un’anima antica, ma per me l’atemporalità della pellicola custodisce qualcosa di speciale che il digitale non potrà mai davvero replicare.

In che modo vedi il tuo processo creativo come uno strumento per rafforzare le narrazioni culturali esistenti, mettendone in discussione altre?

Il mio processo creativo vive tra preservazione e progressione. C’è una parte di me che onora sempre da dove vengo — le mie radici, i miei ricordi, le trame della mia formazione — ma sono altrettanto interessata a come quelle sensibilità evolvono. Mi piace fondere mondi che non sempre si incontrano e, in questo modo, il mio processo diventa uno spazio per ampliare le narrazioni invece di limitarmi a entrarci. Si tratta di trovare la bellezza in quella tensione.

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“…il mio processo diventa uno spazio per ampliare le narrazioni invece di limitarmi a entrarci. Si tratta di trovare la bellezza in quella tensione.”

In che modo fotografia e cinema sono diventati per te un modo di connetterti con la tua comunità?

Penso al mio lavoro come a un atto di servizio, qualcosa che preserva e celebra storie che altrimenti potrebbero passare inosservate. È un grande onore e una responsabilità che non prendo alla leggera. Attraverso questo percorso ho incontrato tante persone incredibili che mi hanno plasmata, ispirata e ricordato perché faccio tutto questo: creare opere che ci riconnettano tra noi, anche solo per un secondo.

Allo stesso tempo, è una pratica profondamente personale. Il mio lavoro riflette come mi muovo nel mondo, ciò a cui do valore, ciò che mi incuriosisce, ciò che trovo cool.

Come immagini che i progetti guidati dall’eredità culturale stiano plasmando il panorama della moda e dell’arte?

La celebrazione dell’identità culturale nella moda e nell’arte è ciò che sta plasmando il futuro proprio adesso — sta dando alle persone il permesso di presentarsi pienamente per ciò che sono. Per tanto tempo, la cultura è stata qualcosa che ci si sentiva di dover diluire o far rientrare in uno stampo per essere accettati negli spazi creativi, ma ora c’è un’enfasi più forte sull’onestà e sull’individualità. Quando abbracciamo da dove veniamo, che si tratti delle nostre radici, dei nostri quartieri o delle esperienze vissute, si apre la porta a narrazioni più stratificate e significative. Per me non si tratta di restare su un solo binario o di essere definiti da un’unica identità — si tratta di farla evolvere, mescolare influenze e creare nuovi linguaggi visivi che riflettano chi siamo oggi.