Adapter une licence cyberpunk iconique, au rayonnement culturel mondial colossal, exige un studio qui n’a pas peur de faire exploser les codes — et c’est précisément pour cela que voir Science SARU s’attaquer à Ghost in the Shell tombe sous le sens. Bien avant que le grand public de l’animation ne le découvre vraiment lors de la diffusion, en 2024, de DAN DA DAN, le studio rassemblait déjà depuis longtemps une fanbase cinéphile au culte quasi religieux.

Co-fondé en 2013 par le visionnaire excentrique Masaaki Yuasa et Eunyoung Choi, le studio s’est forgé une esthétique à part entière, portée par un style graphique éclectique, d’une expressivité flamboyante et faussement « lâchée ». À une époque où l’esthétique digitale ultra léchée et aseptisée devenait la norme, Science SARU est resté fidèle à ses penchants expérimentaux — une lignée créative rebelle qui s’étend du feu d’artifice dopé à l’adrénaline qu’est Space Dandy, au délire fiévreux, arty et fantasque de The Night Is Short, Walk On Girl jusqu’aux ténèbres viscérales, encensées par la critique, de Devilman Crybaby.

Aujourd’hui, le studio déploie sa patte si caractéristique sur l’une des franchises les plus révérées de toute l’histoire de l’animation. Après des décennies d’adaptations cultes au cinéma et en série — notamment le film de 1995, sombre et légendaire, signé Mamoru Oshii, et Stand Alone Complex — la franchise opère ici une transformation radicale de ton. Tout juste lancée dans le monde entier, cette nouvelle adaptation télévisée s’éloigne résolument du registre stoïque de ses prédécesseurs. À la place, la série s’impose comme une adaptation directe et vibrante, qui capte avec précision l’esprit, les sous-entendus comiques et le rythme ultra nerveux du manga original de 1989 signé Masamune Shirow.

Dirigé par le réalisateur Mokochan, épaulé par les producteurs Kengo Abe de Bandai Namco et Kohei Sakita de Science SARU, le projet fait également appel à l’écrivain de science-fiction EnJoe Toh pour le character design. À cela s’ajoute une pluie de collaborations aussi inattendues que prestigieuses : Hajime Sorayama signe le logo-titre métallique façon chrome, King Gnu offre le générique d’ouverture, tandis que MILLENNIUM PARADE interrompt une pause de deux ans pour livrer un morceau collaboratif avec Saya Gray et Daniel Caesar.

À la veille de la sortie de l’anime, Hypebeast a échangé avec Mokochan de Science SARU pour décrypter son approche de ce nouveau GHOST IN THE SHELL en version animée.

Ghost in the Shell a eu un impact culturel mondial absolument immense. Lorsque l’opportunité s’est présentée à Science SARU, qu’est-ce qui a donné envie au studio d’endosser un héritage aussi légendaire ?

Mokochan : J’ai découvert Ghost in the Shell au lycée — je suis tombé à la fois sur le manga de Masamune Shirow et sur le film de 1995 réalisé par Mamoru Oshii à peu près à la même période. Depuis, je suis un fan absolu de la franchise. Alors quand la proposition est arrivée jusqu’à nous, j’étais absolument ravi.

Quelles ont été tes premières pensées, tes premières émotions en apprenant que tu allais travailler sur ce projet ?

Au-delà de l’excitation des premiers instants, j’ai tout de suite ressenti un immense sentiment de responsabilité et de pression. Ce projet représente une occasion rarissime d’adapter directement le manga original en série animée, et j’avais pleinement conscience des attentes colossales qui pesaient sur nous de la part des fans.

Les précédentes adaptations — comme le film de 1995 ou Stand Alone Complex — sont vénérées par la communauté pour leur tonalité très sombre et sérieuse. Mais l’atmosphère de cette nouvelle version semble se rapprocher davantage du manga original de 1989 de Masamune Shirow. Peux-tu nous en dire plus sur ce changement de ton ?

En tant que créateurs évoluant dans l’industrie anime actuelle, nous avons été, bien sûr, profondément marqués et nourris, presque spirituellement, par les adaptations monumentales qui nous ont précédés. Mais la philosophie centrale de ce projet précis était d’entrer en confrontation directe avec le manga original. Pour nous, il ne s’agissait pas seulement de conserver les décors ou les rebondissements en surface ; l’enjeu vital était de saisir l’esprit véritable des pages de Shirow.

Pour le public qui n’a découvert Ghost in the Shell qu’à travers le prisme de ces versions à l’écran plus sombres et stoïques, cette énergie plus lumineuse et dynamique pourra surprendre, voire dérouter au premier abord. Mais rassurez-vous, les thèmes de fond, eux, n’ont pas bougé d’un iota. J’espère vraiment que les spectateurs sauront se laisser porter par ces contrastes — et savourer les différences d’atmosphère que chaque époque de la franchise a à offrir.

« Pour nous, il ne s’agissait pas seulement de préserver les décors en surface ou les points d’intrigue ; il était vital de capturer le véritable esprit des pages originales de Shirow. »

Selon toi, qu’est-ce qui distingue le plus cette adaptation précise de toutes les précédentes ?

Comparée aux précédentes versions animées, la narration du manga original porte une humanité beaucoup plus affirmée — on y ressent un véritable souffle de chaleur, un pouls humain très tangible. Même si la série montre frontalement des technologies du futur et une société ultra avancée, son noyau thématique reste arrimé à une question classique, intemporelle : comment un individu choisit-il de vivre dans le monde ? C’est une interrogation existentielle qui résonne profondément chez l’être humain, quelle que soit l’époque à laquelle il appartient.

Dans le manga original, la Major Motoko Kusanagi est bien plus impulsive et expressive que les versions stoïques que l’on a vues à l’écran jusqu’ici. Comment as-tu abordé la mise en avant de cette énergie-là dans son animation ?

Je pense que la plus grande force du manga réside dans sa capacité à saisir des impressions psychologiques très vives. Motoko étant un cyborg intégral, sa peau pourrait, en théorie, paraître plus dure que celle d’un humain, et sa température corporelle totalement froide. Mais en tant qu’animateurs, notre priorité n’était pas d’insister sur cette enveloppe mécanique glaciale. Nous voulions au contraire projeter son intériorité et sa personnalité directement à l’écran. Pour atteindre cette esthétique, le recours à la « déformation » visuelle et à une exagération poussée s’est avéré absolument essentiel dans notre langage de design.

Les pages du manga original de Masamune Shirow sont célèbres pour être saturées de concepts techniques, d’idées et de notes d’auteur. Comment avez-vous abordé la traduction de cette énergie hyper dense en animation ?

C’est justement l’un des aspects que nous aimions le plus dans le manga original. Préserver cette atmosphère foisonnante, à multiples strates, saturée d’informations, sans la diluer au passage à l’animation, a été l’un des plus grands défis créatifs de toute la production. Nous avons dû nous appuyer sur une somme considérable d’expérimentations et de trouvailles, dans chaque département — des palettes de couleurs et des décors ultra détaillés, aux rythmes du montage, au sound design, jusqu’aux performances de doublage.

Science SARU est largement reconnu pour son animation très fluide et expressive. Y a-t-il eu des aspects particulièrement complexes dans la mise en scène du monde cyberpunk de Ghost in the Shell ?

L’un des fils conducteurs essentiels du matériau original, c’est le mystère même de la vie. Pour moi, l’animation traditionnelle dessinée à la main, en tant que forme d’art, a toujours suscité exactement ce même sentiment d’émerveillement. Une image dessinée à la main n’est pas qu’une simple expression visuelle ; c’est la trace physique du corps de l’animateur, laissée sur la feuille. En raison de ce lien, raconter cette histoire à travers des mains humaines était quelque chose d’absolument central pour nous. Nous avons investi une énergie et des efforts immenses dans cette fabrication artisanale, parce qu’elle fait écho aux thèmes mêmes de la philosophie de Ghost in the Shell.

« Je vois ce projet comme un “retour aux origines” pleinement calculé — une remise à zéro qui n’a pu exister que précisément grâce à l’époque contemporaine dans laquelle nous vivons aujourd’hui. »

Sans rien divulgâcher, quelle est la scène ou l’élément de ces premiers épisodes qui t’enthousiasme le plus ?

La scène où Daisuke Aramaki et Motoko Kusanagi se rencontrent pour la première fois est un moment dans lequel nous avons, en tant que créateurs, littéralement mis toute notre âme. Toute la série s’embrase à partir du choc de leurs deux mondes, et la narration globale devient une étude de la manière dont leur relation évolue à partir de cet instant. C’est un segment fondateur que nous avons abordé avec un soin extrême.

De quel type d’expérience les nouveaux venus comme les fans de longue date peuvent-ils s’attendre avec ce nouveau Ghost in the Shell version anime ?

Notre mission fondamentale était de traduire fidèlement le manga sérialisé de 1989 dans un format anime contemporain. Les plus de trente années écoulées depuis sa première publication nous semblent porteuses d’un sens énorme. En ce sens, je conçois ce projet comme un « retour aux origines » parfaitement réfléchi — une remise à zéro qui n’a pu voir le jour que parce que nous vivons précisément dans cette époque actuelle.

Pour les fans historiques de la franchise, je pense que redécouvrir ce versant brut, encore jamais adapté du matériau original, sera l’aspect le plus gratifiant. Parallèlement, pour celles et ceux qui plongent pour la première fois dans cet univers, le fait que cette série agisse comme un véritable reset — détachant totalement le worldbuilding et l’intrigue de surface des anciennes versions — en fait, à mes yeux, une porte d’entrée idéale dans la franchise.