La galerie James Fuentes revisite l'abstraction transpacifique de Teruko Yokoi

L’œuvre de Teruko Yokoi, qui s’étend sur plusieurs décennies, fait son retour à Los Angeles avec A Pacific Line, une nouvelle exposition à la galerie James Fuentes retraçant le parcours singulier de la peintre nippo-suisse à travers l’abstraction d’après-guerre. Marquant sa première présentation en solo dans la ville depuis plus de quarante ans, l’événement revêt une résonance toute particulière sur la côte ouest : l’artiste est arrivée aux États-Unis par bateau en 1954, peu après la fin de l’occupation américaine du Japon, avant de s’inscrire à la California School of Fine Arts de San Francisco. Cette démarche personnelle a été le point de départ d’une carrière façonnée par des déménagements successifs entre le Japon, les États-Unis, la France et la Suisse, tout en échappant à toute classification aisée au sein d’une seule école ou d’un seul mouvement. Réunissant des œuvres créées entre 1954 et 2005, A Pacific Line présente le travail de Yokoi comme un dialogue permanent entre l’esthétique japonaise traditionnelle et le modernisme occidental d’après-guerre.

Les premières années de Yokoi aux États-Unis ont marqué un tournant décisif, la faisant passer de la figuration à l’abstraction très personnelle qui allait définir son travail. « Pose », datant de 1954, conserve encore les contours d’une figure humaine assise, mais son corps commence déjà à se dissoudre en blocs orange, gris et bruns, annonçant son traitement de plus en plus rythmique des formes et des couleurs.

Après s’être installée à New York en 1955, elle a étudié auprès de Hans Hofmann, fréquenté l’Art Students League et évolué dans des cercles réunissant Joan Mitchell, Kenzo Okada et Mark Rothko, tout en vivant un temps au Chelsea Hotel avec le peintre Sam Francis. Pourtant, son œuvre est restée distincte du langage dominant de l’expressionnisme abstrait. Des toiles comme « Shizen–Natur » (1960), avec son fond vert profond, ses formes bleues saturées et ses traînées rouges et blanches, révèlent un vocabulaire ancré tout autant dans la calligraphie japonaise, les haïkus et l’observation de la nature que dans l’abstraction gestuelle. Yokoi décrivait d’ailleurs ses peintures comme des « poèmes écrits en couleurs », un sentiment puisant ses racines dans ses promenades d’enfance à travers les paysages du fleuve Kiso et dans les premières leçons de calligraphie et de poésie dispensées par son père.

L’exposition retrace également l’évolution matérielle de l’artiste après son installation définitive à Berne en 1962, où elle a maintenu une pratique d’atelier exceptionnellement régulière jusqu’à sa mort en 2020. Des œuvres telles que « Herbstwald » (1965) et « Lauschen II (Nocturne) » (1969) utilisent des formats verticaux allongés et des champs concentrés de rouge, de noir et de bleu pour transformer le paysage en une expérience atmosphérique et presque musicale, tandis que ses créations ultérieures explorent de plus en plus le papier et la tempera à l’œuf.

Au milieu des années 1970, Yokoi avait adopté ce médium exigeant, finissant par y incorporer des pigments mélangés à la main, des minéraux nacrés et des éléments métalliques qui varient selon la lumière et la position du spectateur. Le diptyque « Ohne Titel » de 1993, par exemple, déploie cette approche à travers des champs lumineux jaunes, bleus, verts et argentés, tout en préservant les lignes calligraphiques et les rythmes naturels qui relient ses toutes premières et ses dernières peintures. Organisée en collaboration avec Emerald Room | Emerald Editions et Kent Fine Art, Teruko Yokoi: A Pacific Line est à découvrir à la James Fuentes Gallery, située au 5015 Melrose Avenue à Los Angeles, jusqu’au 7 novembre 2026.