在中環置地廣場地庫 BELOWGROUND，這象徵著奢華與潮流交匯的地下空間，一輛不鏽鋼製的「板車」突兀地停在展場中央，與周圍 Hypebeast Twenty T-shirt 展覽形成了一種奇異的張力。這不是工作人員遺留下的工具，而是 Orange Terry 對潮流文化的一次精準「介入」。

本次展覽特別邀請本地設計師 Orange Terry 進行藝術裝置創作，並由新銳設計事務所 STUDIO SPLASH 操刀整體空間規劃。Orange Terry 擅長將日常物件化成雕塑，隱喻香港獨有的建築美學；而由設計師 Simon Huang 創立的 STUDIO SPLASH 則專注於構建「情緒體驗」與「場景互動」，為這些充滿張力的藝術裝置營造出一個極具敘事性的空間載體。

我們借這此機會與 Orange Terry 進行了一次深度訪談，不僅探討了展覽本身，更立體地呈現了這位設計師、藝術家充滿生活溫度與創作原則的一面。

誤闖潮流圈的「拾荒者」

「坦白說，我對潮流的觸覺真的很弱。那對我來說是一種距離感，不是我每天會接觸的圈子。」

坐在展覽現場，Orange Terry 直言不諱。出道十年，作為一名設計師，他的日常是與廢棄物、回收場和街頭勞動者打交道，自嘲是設計界的「拾荒者」。然而，正是這種局外人的冷靜，讓他能以一種近乎人類學家的視角，重新解構這場關於 20 年潮流歷史的展覽。

在他眼中，BELOWGROUND 不僅是一個商場地庫，更像是一塊「白色的畫布」。「這裡有一種高冷與粗獷並存的氣質，像是在安靜地等待著什麼事情發生。」正是這種「留白」，給予了他勇氣，將街頭的喧囂與混亂帶入其中，試圖在這塊畫布上塗加上一層屬於香港的粗糲質感。

遊客之凝視

回望過去十年，Orange Terry 的設計語言始終圍繞著「觀察」。這一切的轉折點，源於 2019 年。那年他剛結束在歐洲的遊歷回到香港，原本熟悉的城市突然變得陌生。

「離開過，回來時受到的視覺衝擊，讓我好像變成了這座城市的遊客。我看到的不再是維港景色或繁華商場，而是那些微細、不顯眼的事物。」Orange Terry 形容這種視角為「遊客的凝視」（Tourist Gaze）。他開始著迷於香港獨有的「勞動美學」：運輸工人在街頭如何利用公共空間暫存貨物、清潔工如何改裝工具、店鋪大叔如何用自己的方式生活。

「這是一種因勞動而產生的痕跡。這往往是一種『沒有作者的設計』。街頭的勞動者為了生存解決問題，他們的發明往往建立在對物件的『誤用』之上——在傳統設計學院裡這是『錯』的，但在生活的語境裡，這種『錯』卻解決了當下的問題，變成了一種絕對的『對』。 他們的生活不是由別人告訴他有什麼價值，而是他自己創造了一套生活風格。這未必是大眾追隨的潮流，但很有生命力。」



這種對「生存痕跡」的迷戀，成為他介入這次展覽的切入點。展場中 20 個享譽全球的潮流品牌，代表著經過包裝的一份「優越感」；而 Orange Terry 帶入的板車與棚架，則代表著底層勞動的真實感。「這兩者沒有高低之分，但我很好奇，當這兩種截然不同的關注點撞在一起時，會發生什麼？」

來自街頭的生活靈感

「為什麼總是選擇板車、膠櫈或衣架？Orange Terry 給出了一個意想不到的答案：『我父母都明白的事，我才會做。』 他坦言不想創作那些需要閱讀說明書才能理解的高深藝術，而是傾向使用大眾擁有共同認知的物件。『板車就是板車，不用解釋它是什麼。當觀眾對物件有了共識，我才能在此基礎上疊加概念。』」

而他的「貨源」，也充滿了人情味。他笑說經常打電話問在學校工作的父母：「學校最近有沒有丟棄什麼？」那些被淘汰的學生椅，往往就成了他下一個作品的骨架。或者，他會在 Carousell 上尋找被廉價拋售的傢俱。

錯置的「搵食工具」

展覽的核心裝置——那輛不鏽鋼板車，正是這種碰撞的具體化身。它並非隨意停放，而是經過精密的計算與重塑。

「如果在置地廣場的中庭放一輛運輸用的板車，那是『錯』到不得了的事。」OT 笑著說，「這些沙包、防撞欄、板車，本來不應該出現在這裡。但當你給它一個好的 Presentation，用鏡面不鏽鋼去重塑它，再把它放在電梯口旁，这种『錯配』就產生了新的意義。」

他刻意保留了板車粗獷的輪廓，卻賦予了它奢華的表皮。當光線打在鏡面上，這輛板車反射著置地廣場昂貴的大理石地板與周圍的名店櫥窗，彷彿穿上了一層保護色，卻又因其原本卑微的身份顯得格格不入。

他將這輛板車視為一種「Contextual Design」。在街頭，它是運送紙皮與廢料的工具；在商場，它是被凝視的藝術品。「大家習慣了忽視它，但當它變得閃亮、甚至可以用來照鏡子時，你不得不注視它。這種『錯』，在某種程度上就是『對』的。」

更具深意的是，板車上不再是綑綁的回收紙皮，而是整齊堆疊的《Hypebeast Magazine》。這種視覺上的置換，將街頭生存的重擔轉化為文化積累的重量。這輛板車不僅是展品，更是一個載體，既粗獷又精緻，既是勞動也是藝術。

有機的混亂：重用的藝術

是次展覽的另一大挑戰，是如何在短時間內構建一個展示 20 件聯乘 T-Shirt 的空間。身為「後工業設計師」，Orange Terry 第一時間想到的不是購買新材料，而是「撿破爛」。

「BELOWGROUND 主理人 Ryan 很信任我。我看到現場之前開幕活動做 Sushi Bar 留下的特製鋼管，我就想，能不能重用這些物料？」這些鋼管原本是為了支撐 Sushi Bar 台而生，曾被死板地垂直排列，象徵著秩序與功能。Orange Terry 決定將其「解放」，徹底解構原有的序列，重新組裝成一種類似香港建築「棚架」的結構。

「棚架看起來是橫橫直直、錯綜複雜的，有一種『有機的混亂』。我希望展架不是死板的陳列，而是像生長的植物般穿插在空間中，有些突出、有些內縮，打破了地下室原本封閉的空間感。」

這種「隨性」並非即興發揮，而是建立在精密的藍圖之上。STUDIO SPLASH 在這過程中扮演了關鍵角色，他們擅長在概念共創與施工落地之間尋找平衡，將 Orange Terry 對「Raw」的追求，轉化為符合 BELOWGROUND 換新後的精緻風格。團隊在佈展前，精確計算每一根橫管與直管的交錯位置，用最有系統的方法，去製造一個看起來完全自然的「有機體」。

二維視窗裡的圖層展示

面對 Hypebeast 與 20 個品牌的聯名 T-Shirt，Orange Terry 選擇了一種極度克制的展示方式，試圖在實體空間中還原「原生」的視覺體驗。

「設計師在電腦裡畫圖時，衣服是一個平面的 Layout，所有的創意都發生在那個二維的視窗裡。我想還原那種狀態。」他特製了透明亞加力膠衣架，將 T-Shirt 像「三文治」般緊緊夾在中間，懸掛於鋼管之上。這種做法抹去了布料的垂墜感與皺褶，讓衣服看起來像是一張張懸浮的畫布，或者是從 Photoshop 裡直接拉出來的「圖層」，在現實與數位之間形成了一種曖昧的介面。

他認為，這 20 件 T-Shirt 各自有其粉絲與歷史，作為展場設計師，他的任務不是去喧賓奪主，而是提供一個最誠實的舞台。透過亞加力膠的封存，這些 T-Shirt 被轉化為一種類似「標本」或「檔案」的存在。「讓它們在粉絲面前展現最原本的樣子，沒有多餘的修飾，這就足夠了。」

Interest Folder vs. Income Folder

談及這十年的設計生涯，Orange Terry 用了一個很工程師思維的比喻：「我的腦中有兩個 Folder：一個是 Interest Folder，一個是 Income Folder。」

「如果是 Income Folder 的工作，我是 Service Provider，我會盡量在框架內滿足客戶。但如果是 Interest Folder，我就會有我的執著與取態。」他更進一步透露，他的 Instagram 帳號其實就是他公開的「Interest Folder」。那裡充滿了他在街頭拍攝的觀察、未完成的實驗與奇怪的裝置，那是他即使沒有客戶買單，也堅持要記錄的世界。

這次的展覽，顯然被他從 Income 區強行拖進了 Interest Folder。他沒有把這裡當作單純的商業陳列，而是當作一次對「潮流文化」與「生活勞動」的社會實驗——試圖在名牌雲集的商場裡，測試大眾對「精緻廢料」的接受底線。

尋找下一個「錯誤」

「我也在不斷尋找自己的定義。有時我是設計師，有時是藝術家，有時甚至是環保倡議者。」Orange Terry 停頓了一下，「身份可以模糊，重點在於『語境設計』（Contextual Design）。當我爬進垃圾房時，我是拾荒者；當我站在畫廊聚光燈下，我是創作者。我改變的不是物件本身，而是它存在的語境。核心始終是對『物』的思考。」

展覽結束後，Orange Terry 的腳步不會停下。今年三月的 Art Central，他將接受對公共空間與大型裝置的全新挑戰。他曾坦言，自己終極的夢想是留下一件永久的公共雕塑，證明自己曾存在於這座城市。

無論是在畫廊、商場還是海濱，那位戴著「遊客眼鏡」的觀察者，依然會在城市的角落，尋找下一個被我們遺忘的「錯誤」美學。他撿起那些被視為「錯」的廢棄物，用設計證明它們在另一個語境下是絕對的「對」。正如他那位設計老師曾用道地廣東話說過的金句：「錯錯地，其實就是對的。」在標準答案之外，或許才是設計最誠實的歸宿。

Hypebeast Twenty T-Shirt Exhibition
日期：2026 年 2 月 6 日 – 2 月 22 日
地點：中環置地廣塲地庫 BELOWGROUND