James Jarvis 專訪：探討 AMOS 的過去、對於滑板文化的定義與玩具設計

由英國知名藝術家 James Jarvis 與好友 Russell Waterman 共同成立的創意單位 AMOS，在 2012 年迎來第十周年之際宣布結業，隨即便引起了衆多街頭愛好者們的一陣惋惜。其中 James Jarvis 最早出名是在 1998 年，當時他便創造出了名爲「Martin」的標志性玩偶，之後又陸續創造出了 100 多種人偶設計，被譽爲玩偶界的一代大師。除了一系列限量版玩偶之外，AMOS 還曾出版過書籍和漫畫，設計過一個迷你高爾夫球場，並策劃了一場名爲「In Between Days」的音樂節。此外，James 還層以個人的名義與 Stussy, Converse, Coca-Cola, MTV 和 Nike 進行過合作，涉獵範圍十分廣闊。最近的一次則是在 Kiehl’s 的贊助下，在香港爲 Green Power 所舉辦的「Art Marathon」慈善活動。

我們便在這次活動上有幸借鑒了 James，共同探討他的 Spherica Dialogues 等最新企劃，1990 年代在 Slam City Skates 帶領下倫敦滑板文化發展，以及從建築學汲取靈感打造的「Objects in Space」最新展覽等等。盡管擁有一個極爲輝煌的職業生涯，不過 James 卻一直保留了謙遜的美學理念。廢話不多說，下面便帶來此次訪談的完整內容。

AMOS 結束之後的生活

幾年以前，你似乎參與了很多的企劃和項目，不過現在卻放慢了自己的腳步，那麽你最近一直在忙些什麽？

說句實話，我們正在進行重組。我們之所以停止了 AMOS 這個品牌，是因爲我們設計了太多玩偶，並且所有目標都是以 AMOS 的名義完成的。AMOS 在 Russell 和我的眼中是一個藝術企劃，即使它在表面上是一個商業公司。我們曾經組織了一次音樂界，打造了一個高爾夫球場，發行了幾本書籍，並且設計了許許多多的玩偶。如果繼續以 AMOS 的名義進行設計，這或許在無形之中限制了我們的發展，而這並不是我所希望見到的。我們所創造的一切都必須具有創造性，當然也必須是有理由的。這並不只是爲了賺錢，所以我們在 AMOS 仍處于一個很好的發展勢頭時選擇了結業。

在結束 AMOS 之後的生活是怎樣的？

AMOS 是在 2012 年結束的。在 2013 年，我接了幾次臨時的工作，並且根據自己的意願進行圖形和玩偶的設計。我現在已經 43 歲了，雖然已經不再是一個具有活力的年紀，但我卻依然和年輕的街頭文化聯系在一起。我有兩個孩子，我們天都會送他們去學校，然後再去工作，僅此而已。盡管我十分熱愛街頭文化，但我已經不再是它的一部分，因此我希望現在的創作可以很好地反映出自己當前的想法。

在我們 2012 年選擇結束 AMOS 之後，我便發起了名爲 Spheric Dialogues 的全新企劃，並且每天堅持創作一些有關哲學的漫畫。我將這些漫畫發布在自己的博客上與大衆分享，從而展現自己對于生命中各種各樣哲學問題的探討，而非抱著盈利的目的。

在 Spheric Dialogues 中有什麽是 AMOS 所不具備的？

因爲 AMOS 的玩偶創作大多被視爲消費品，因此在進行 Spheric Dialogues 企劃的時候，我便希望可以創作一些更加具有智力的作品。我認爲普通大衆並沒有意識到 AMOS 玩偶背後所蘊含的深層含義，但是在閱讀連環畫的時候，你就必須進行更多的思考。我最近剛與 Nieves 合作發行了上色版本的 Coloring Book，並且于 1 月份在 colette 舉辦了小型的展覽。Spheric Dialogue 確實反映了我在後 AMOS 時代所不想去做的事情。

Spheric Dialogue 對于你來說是否是 AMOS 的延續？

不，一點也不。AMOS 是一個一合作企劃爲主的平台，而 Spheric Dialogue 並不符合這樣的身份，而是一個全新的企劃，從而讓我能夠隨心所欲的畫出自己的內心想法。

現在越來越多的創意人士利用社交網絡表達自己的看法，並且發布自己的新作品，你是如何看待這項變化的？

去年我開通了自己的 Instagram 賬號。我把它視爲分享自己創意和繪畫的平台，而非兜售自己的創作。這不僅允許我分享自己的創意，也可以與觀衆之間建立起一種直觀的交流形式。

早期的靈感和設計:

除了 Richard Scarry, Hergé 和 Judge Dredd 之外，你能分享一下自己以前對于諷刺漫畫的看法嗎？

這種漫畫的精髓在與可以引起人們産生共鳴。每個人在 9 -21 歲期間所接觸到的東西，會在無形之中影響他們一輩子，這些都是最爲直接的影響。我十分喜歡《Judge Dredd》這部作品，也十分欣賞漫畫背後所蘊含的各種願景。在我的作品中你也可以找到這樣的影響，比如擁有《Judge Dredd》特征的警察等等。

但在大多數情況下，這些前輩都會帶給我很多靈感。簡單地說，好多人物形象都深深地吸引著我。我最早也是從這些作品中汲取靈感，然後才開始探索  Gary Panter 和 Philip Gusten 這一類的藝術家。

當你在 1998 年爲 Silas 設計了「Martin」這款玩偶時，是否有預料到它會引領起收集玩偶的熱潮？

我當時並沒有帶著某種動機去設計玩偶。當我們開始著手于設計的時候，並沒有人在做同類型的玩偶設計。BOUNTY HUNTER 當時有一個玩偶計劃，然後他們邀請我參與其中，于是我就同意了。

你認爲是什麽原因讓它具有如此之大的影響力？

我也不知道，我想可能是因爲我當時擁有與衆不同的眼光與風格吧。雖然我早期便已設計過大量的玩偶，但是都沒有一個固定的模式或者風格。于是我慢慢開始創新，將繪畫風格融入到玩偶的設計之中。再到後來創立 AMOS 的時候，我便已經樹立起一套獨立的創作風格。比如我的第一只 Silas 玩偶，它便擁有一個笨拙的身軀和一個幾何形的頭部，再到後來的「Tattoo Me Keith」玩偶等等，無一不延續了這個特點。說實話，我當時並不知道自己正在經曆著什麽，正是這種不確定性給我的工作帶來更多魅力。如果你知道自己正在做什麽的話，那麽就會失去生活中的未知性。

我一直都只是喜歡「繪畫」而已。但是你並不能只是靠著畫東西來謀生，所以你需要去尋找可以發揮自己手藝的商業性企劃。當我在大學裏教書的時候我便告訴自己的學生，一定要學會去適應這個社會。只是做你自己喜歡的事情是很難養家糊口的，所以一旦抓到機會就要充分利用它。舉個例子，我從來沒有過設計高爾夫場地的經曆，但是當這個機會將臨時我便帶著現有知識，毫不猶豫的投身于這項企劃之中。舉辦音樂會的經曆也是如此。你必須學會從自己的角度去解決問題。

在與衆多品牌的合作過程中，你是否曾經感覺到迷失了自己的藝術方向？

在我心目中，我所受到的那些委托作品，都是自己藝術組合中的拓展。比如說，這次與 Kiehl’s 在香港舉辦的活動，便是從我的自畫像中汲取靈感，所以我依舊是在建立自己的作品，盡管是通過另一種稍許不同的方式。同樣的，在我爲 MTV 制作動畫影片的時候，無論有沒有 MTV 的 Logo，都具有我很強的個人特色。

關於 Slam City Skates

你早前曾經提到過，Slam City Skates 是最早爲你提供工作機會的單位。那麽你的第一份工作是怎樣的？

當我第一次走出校園的時候，我主要是爲 Slam City Skates 設計廣告和産品目錄，之後又爲 Silas 設計産品目錄，後來變主要從事塑膠玩偶的設計。之後你便會開始意識到，自己的繪畫其實可以運用于 T-Shirt 設計和動畫廣告等衆多領域，我不得不嘗試去找到新的方式來掙錢。Slam City Skates 並不能稱做我的雇主，因爲他們從來沒有付過我工資（笑）。直到我與 DC Shoes 合作設計出一雙紫色的 Stereo Jams 時，他們才開始付錢給我。這些都是 90 年代的事情了，當時 DC Shoes 才剛開始起步，而不是現在的大型企業。

雖然深受滑板運動的啓發，但是你的作品卻並未被稱作是「Stake Art」，你如何看待這個詞的用法？

我一直無法定義「Skate Art」和自我意識的街頭藝術之間的區別，並且對于它是好還是壞表示質疑。舉個例子，如果說是 Barry McGee 創造了街頭藝術，那麽將會十分掉價，因爲他只是進行藝術創作而已。我也很不喜歡被稱爲一名「插畫師」。我認爲自己是一名藝術家，或者圖形藝術家，而正是滑板精神鑄就了我獨特的美學理念。

滑板精神是怎樣在你的作品中體現出來的？

有時候我會參考滑板單品中的設計，不過是以一種很微妙的方式。有一次我繪畫了一個拿著鉛筆被嚇壞的人，而他的表情便是參考了 Jason Dill 在 Supreme 滑板視頻中的形象，只不過我把滑板換成了鉛筆。乍一看這只是一個被嚇壞的人，但是如果你癡迷于滑板文化，那麽你就會明白我的創作原型是 Jason Dill。

你爲什麽喜歡在創作中運用微妙的和不起眼的圖案設計？

我喜歡看到觀衆爲了作品的深層含義而不斷探索，這樣一來你便會更加珍惜自己的作品。這很大程度上建立在我成長過程中所接受到的滑板文化。當我 12 歲翻閱《Thrasher Magazine》的時候，我感覺雜志裏所介紹的這個世界好像是世上最爲奇妙的地方。當時真的需要花點心思才能看到這本雜志，因爲他並不是在英國出版的。那時候，你真的需要鼓起勇氣才敢走進 Slam City Skates 這樣的滑板聖地。它賦予了整個文化真正的價值，因爲你不得不把它融入工作。那時候的滑板文化與現在相比大有不同，也更加具有持久性。我承認，當我說出「現在的孩子可以輕易獲取這些裝備和文化。」的時候，證明我已經老了。

滑板的精神

是什麽樣的滑板文化一直在你的創意生涯裏不斷帶給你啓發？

首先，我並不把滑板看成一項運動，而是一種哲學，作爲一種方式來看待整個世界。我也十分欣賞滑板愛好者們看待街頭建築的方式。相比于他們所做出的花哨動作，我更加喜歡看他們如何處理空間。

所以當我在倫敦舉辦「Objects in Space」的展覽時，我希望能夠在沒有任何滑板選手的同時，展示出滑板這項運動的獨特魅力。因此我通過繪畫的方式創造了許多虛擬的滑板選手，從而達到形象比喻的效果。又或者 1993 年我在布萊頓大學所創作的畢業設計，便從倫敦皇家學院汲取靈感，創作了不少手繪的停車場，以及很多適合滑板的空間。作爲一個漫畫家，我不可能進入倫敦皇家學院攻讀碩士，所以我便把它畫進了自己的作品中，後來甚至發表在了雜志中。現在回過去看當時的雜志，依然覺得自己很了不起，因爲我創作了很多詭異的空間結構。

在 AMOS 結業之後，我又回顧了自己的「Objects in Space」主題展覽，並重新審視了自己在開始賺錢之前那段時間的藝術思維。

對于 AMOS 的結束，你爲什麽選擇通過 Generic Character 企劃來延續前者的傳奇？

當我最初開始發布 Generic Character 的時候，我是真的被 Sol Lewitt 的作品所吸引。他是一位來自 70 年代的極簡主義概念藝術家，並且他的很多作品都指引著我向新的方向發展。因此 AMOS 的創作被慢慢地還原和簡化。從朋克文化到流行文化，它不再象征著某一種固定的角色，而只是一個有頭有臉的玩偶罷了。這種簡化說明了 AMOS 已經畫下了一個巨大的圓圈，並回到最開始的起點。

我認爲每個人都可以創造屬于自己的 Generic Character 連環畫。我創造出它並不是因爲說明什麽，而只是希望它可以讓你集中精神思考人物角色的所作所爲，並從中獲得啓發。