'Vignettes', de Marty Schnapf, canaliza o subconsciente em pinturas caleidoscópicas

Resumo

• de Marty Schnapf Vignettes exposição estreia na Perrotin Hong Kong
• A mostra apresenta pinturas caleidoscópicas que mesclam figuração e abstração, inspiradas em sonhos e motivos aquáticos
• A exposição fica em cartaz até 16 de agosto de 2025

A exposição individual de Marty Schnapf Vignettes, em cartaz na Perrotin Hong Kong, reúne uma série de pinturas caleidoscópicas que borram as fronteiras entre figuração e abstração. Inspiradas em sonhos, memórias e arquétipos simbólicos, as composições de Schnapf funcionam como portais para domínios extrasensoriais onde corpos se dissolvem, se refratam e se fundem ao entorno. A água surge como motivo central — tema e metáfora ao mesmo tempo — aparecendo em trabalhos como “Memory Pool” e “The Pull of the Moon, the Draw of the Shore”, nos quais figuras translúcidas dialogam com peixes luminosos ou enfrentam mares turbulentos, evocando a fluidez do subconsciente.

Ao longo da mostra, os gestos pictóricos de Schnapf criam um diálogo rítmico entre matéria e ilusão. Em “River Crossing”, uma figura masculina se retorce num emaranhado de membros, sobreposta a pinceladas azul-meia-noite que imitam o movimento da água. Quadros menores, como “Forager” e “Pensione 3 a.m.”, investigam paisagens interiores e psicológicas, recorrendo a topografias distorcidas e falhas visuais para sugerir passagens metafísicas. Essas vinhetas são repletas de emblemas alegóricos — um falcão, uma máscara, uma piazza inundada — formando uma linguagem visual críptica que convida o público a decifrar suas próprias leituras.

Suas pinturas começam com camadas abstratas que continuam visíveis mesmo depois de as figuras serem construídas sobre elas. Como você enxerga esse caos ou espontaneidade inicial no resultado final, e o que o público deveria saber sobre o que está sob a superfície?

Vejo a abstração como uma forma de semear a obra com uma espécie de vitalidade primordial. As camadas iniciais oferecem um campo de expressão gestual e experimentação do qual forma e narrativa lutam para emergir.

Em obras como “Forager”, como você utiliza “glitches” visuais para intensificar essa sensação de tensão?

“Forager” é um exemplo de pintura que atravessa vários ciclos de vida — da abstração à representação, que é reabstraída e redefinida muitas vezes. A cada iteração surgem glitches que despertam novas formas de ver. Neste caso, a figura parece existir no tempo em múltiplas manifestações simultâneas.

“Nunca uso um símbolo apenas por simbolismo… Cada um de nós incorpora dentro de si um pouco das vidas à nossa volta.”

Você pode explicar seu uso da água como tema e metáfora nesta série? O que ela representa para você, pessoal ou simbolicamente?

Enquanto tema, a água é o sonho de qualquer pintor. Ela pode ser opaca, transparente, translúcida, reflexiva, refrativa, calma, explosiva e por aí vai. Ao representá-la, nossa mente aceita uma abundância quase absurda de formas expressivas. Talvez seja por isso que seja um símbolo tão potente do inconsciente. Nós a vivenciamos, mas nunca conseguimos capturá-la por completo. Esse lugar entre saber e não saber me intriga profundamente. Há algo de muito honesto nesses estados ambíguos de percepção.

Você já afirmou que “a distorção pode ser mais bela do que a clareza”. Pode aprofundar o que isso significa na sua arte — e na vida?

Eu disse isso ao refletir sobre a relação entre minhas pinturas e a música. Pensava em como e por que a distorção se tornou um elemento sonoro tão impactante na música contemporânea e percebi que, em ambientes altamente mediados, surge um desejo pelo não intencional. Nesse contexto, a distorção surge como um substrato de verdade sem amarras, espiando pelas frestas. É possível rejeitar esse surgimento e agarrar-se à composição inicial, mas eu prefiro acolher e integrar o inesperado.

Obras como “The Pull of the Moon, The Draw of the Shore” e “The Grateful Swimmer” evocam momentos intensamente oníricos. Algumas se enraízam em memórias pessoais, enquanto outras pairam em um espaço mais mítico ou simbólico. Como você navega entre o autobiográfico e o arquetípico em sua obra?

Não acho que haja necessidade de separar o arquetípico do autobiográfico. Nunca uso um símbolo apenas por usar. Os arquétipos surgem naturalmente quando se presta atenção à experiência vivida — e nem sempre precisa ser a minha. Todos nós incorporamos, dentro de nós, partes das vidas ao redor. Ouvir esse eu coletivo pode convocar imagens que seriam inacessíveis a uma reflexão mais estreita.

“Percebi que respondia a algo muito mais temático do que estético — é o poder do acaso de mudar o rumo de uma vida e o poder de uma vida de escrever poesia dentro dessa mudança.”

Seu trabalho costuma evocar um forte senso de movimento e gesto, quase como uma coreografia. Considerando que você também já trabalhou com performance e dança contemporânea, como essas influências moldam a forma como constrói uma imagem?

Cada linguagem artística tem algo a ensinar que não pode ser facilmente extraído das demais, mas essas lições podem ser incorporadas com potência entre disciplinas. A pintura é uma das formas mais elásticas porque opera quase inteiramente por implicação, permanecendo muito menos limitada pelas leis da física. Por exemplo, embora uma pintura não atravesse o espaço, seus elementos podem ser suspensos na fronteira entre um lugar e outro; se isso for bem resolvido, o espectador inferirá naturalmente o tempo anterior e o posterior. Mas o movimento é apenas o atributo mais evidente da dança.

Muito mais importante, a meu ver, é a corporeidade. Um dançarino virtuoso irradia uma força de presença indescritível, e é justamente isso — mais do que qualquer outro aspecto da dança — que procuro absorver. O gesto pode abrir caminho para conteúdos emocionais complexos, seja no traço em que sentimos o movimento do pulso do pintor, seja no pulso pintado através do qual inferimos toda a figura. Um drama belíssimo pode se desenrolar apenas nas expressões opostas de dois gestos executados pela mesma figura.

Esta é sua primeira exposição solo em Hong Kong. O contexto cultural ou o ambiente físico daqui influenciaram a maneira como você pensa este corpo de trabalho?

Esta mostra me deu a primeira oportunidade de visitar Hong Kong. Até então, eu conhecia a região sobretudo pelos filmes de Wong Kar-wai — especialmente Chung King Express. Este projeto me deu o pretexto de revisitar essas obras, pois queria manter algo de Hong Kong em mente enquanto pintava. Esperava que a influência fosse sobretudo atmosférica, talvez aproximando o retrato noir de Hong Kong ao de Los Angeles. Mas acabei respondendo a algo muito mais temático do que estético — o poder do acaso de alterar o rumo de uma vida e o poder dessa vida de inscrever poesia nessa mudança.

de Marty Schnapf Vignettes exposição abre hoje na Perrotin Hong Kong e fica em cartaz até 16 de agosto de 2025.

Perrotin Hong Kong
807, K11 ATELIER Victoria Dockside,
18 Salisbury Road, Tsim Sha Tsui, Hong Kong