A mais recente exposição de Steve Harrison, Last Supper, é uma evolução cativante do seu projeto anterior, The Age of the Beaker. Com influências tiradas tanto da história pessoal quanto da criatividade colaborativa, esta exposição leva seu trabalho a novos e inesperados territórios, mesclando expressão artística, simbolismo e design.

Conhecido por sua preparação meticulosa e técnicas de cerâmica de alto risco, o trabalho de Harrison é profundamente pessoal e funcional. Seu processo é uma mistura de intensa preparação mental e artesanato físico, criando peças que refletem sua abordagem única. Os rituais diários do artista, como sua cuidadosa viagem com um conjunto de chá dedicado, ilustram ainda mais sua profunda conexão com seu ofício, fazendo de cada peça uma parte de sua vida.

Com a orientação de Alex Chan de THE SHOPHOUSE, bem como dos quatro criativos que ele alistou, Last Supper entrelaça perfeitamente elementos de artesanato tradicional e estética moderna, culminando em uma experiência gastronômica que vai além da mera apresentação física para celebrar a comunhão e os momentos compartilhados.

“Tive a ideia de uma exposição usando alguns dos copos que guardei disso e pensei, talvez minha família possa fazer algo com isso no futuro. Era uma ideia”, ele diz, observando que o aspecto final dessa nova ideia inicialmente foi recebido com recepção mista, mesmo entre seus círculos próximos. Enquanto Harrison compara o Last Supper a um spin-off, intrinsecamente, a exposição é uma expressão artística totalmente diferente de The Age of the Beaker. “Usei Last Supper [como o título] porque pensei que poderia fazer duas coisas. Uma, eliminar qualquer fome de fazer algo assim, como expressão com comida ou algo assim; e dois, encerraria essa investigação, pois seria a última refeição”, explica Harrison.

Com uma pequena ajuda de Alex Chan, um galerista, curador e fundador de THE SHOPHOUSE, Harrison foi encorajado a explorar mais esse conceito bíblico ostensivo. Foi-lhe recomendado assistir Rigor Mortis, um filme de terror nichado de Hong Kong, de 2013, de Juno Mak, de onde o ceramista tirou o motivo “2442”. Além da assinatura característica de coroa real de Harrison, esse motivo enigmático se torna um tema discernível em todo o centro das atenções desta exposição: uma série de 24 copos cinza-acinzentados.

“Inicialmente, fiz algumas tigelas estereotipadas. Eu não gostei. Pensei que não tinha pensado o suficiente”, comenta, lembrando o desenvolvimento dos 24 recipientes. Em um ponto, o artista até duvidou se deveria continuar com os copos. “Comecei a pensar que os copos não eram apropriados, pois pertenciam a outra coisa”, diz ele. Justamente quando estava se sentindo sem inspiração, ele lembrou da existência de talheres georgianos. Isso inspirou o artista a reimaginar o “Beaker da Evolução” em uma forma mais parecida com uma tigela – um resultado com o qual ele finalmente está satisfeito “que se adequaria à culinária em Hong Kong”.

“Usei Last Supper [como o título] porque pensei que poderia fazer duas coisas. Uma, eliminar qualquer fome por… expressão com comida… e duas, iria encerrar essa investigação…”

Chan propôs a ideia de transformar o Last Supper em uma verdadeira experiência gastronômica, que ele orquestrará, trazendo quatro outros criativos para completar o conceito, enquanto ainda gira em torno dos beakers de Harrison. No final, o Last Supper foi mais do que apenas uma apresentação física dos mais novos trabalhos em cerâmica do oleiro. Enquanto o componente central da exposição é sua série de beakers, estes também serviram de inspiração para Jun Takahashi, Olivier Cong (compositor), Nana Chan (sommelier de chá) e as respectivas respostas da chef Margeret Xu – todos se reuniram e culminaram em um banquete cerimonial sobre comunhão.

Steve Harrison permaneceu principalmente no escuro sobre os detalhes do jantar, afirmando como ele preferia saborear a experiência como um convidado. “Eu já sei que haverá magia”, brinca ele. Em certo sentido, a refeição também se torna uma experiência encapsulante de seu tempo em Hong Kong.

“​​Eu gosto desse nível de colaboração onde você não está nela sozinho como artista. É uma vez removido e adiciona uma vitalidade diferente.”

À medida que Harrison olha para os estágios iniciais do projeto, ele se lembra que todos os colaboradores foram incentivados a criar livremente com base em seu tema. “​​Eu gosto desse nível de colaboração onde você não está nela sozinho como artista”, diz ele, acrescentando que “É uma vez removido e adiciona uma vitalidade diferente.”

Para o Last Supper, Jun Takahashi respondeu com as “Cadeiras Anarchy” – uma coleção de cadeiras de igreja reinventadas, onde os encostos são fixados com discos acrílicos transparentes e circulares, apresentando uma letra “A” recortada. Espiando através do recorte está um pequeno motivo de girassol que é reiterado dos trabalhos de Harrison. Quando questionado sobre seus pensamentos ao ver as cadeiras pela primeira vez, Harrison responde: “Para ser honesto, eu estava preocupado com o recorte para o detalhe onde as pétalas estão. Isso porque sei que é inerentemente difícil colocar uma ferramenta lá e deixá-la tão precisa. Mas ele [Jun Takahashi] fez um bom trabalho no final.”

Na verdade, as colaborações passadas do artista sempre foram menos ortodoxas. Isso vem principalmente da abordagem de Harrison em criar. “Meu processo é constante – eu não ligo e desligo como uma torneira”, comenta. Seu filho e filha costumavam se perguntar o que ele estava fazendo o tempo todo, especialmente nos momentos antes de ir para o ateliê. “Parecia que eu estava apenas tirando uma soneca ou estava sendo preguiçoso, mas agora entendo mais profundamente que eu estava me preparando. Eu estava passando pelos movimentos”, ele observa em suas revelações. “Parece bastante espiritual, mas eu estava fazendo o trabalho na minha mente”, explica Harrison, “Toda minha energia e inércia estavam sendo armazenadas antes de eu descer as escadas. Eu trabalhava intensamente por uma ou duas horas e então quase ficava exausto novamente.”

“Meu sótão está cheio de potes porque eu os valorizo para a vida. Sempre fui assim com meu próprio trabalho. Não é uma coisa egocêntrica, é apenas algo que eu amo.”

Esse processo de pensamento intensivo, semelhante a uma simulação, é produto do método de arremesso de alto risco de Steve Harrison. “Não conheço outros ceramistas que façam peças tão finas sem que colapsem”, diz ele, elaborando sobre o fato de que ele está sempre “no limite crítico” quando se trata de fazer cerâmica. Ele poderia facilmente fazer 100 xícaras em uma manhã, mas elas seriam apenas aceitáveis. Em vez disso, o ceramista dedicaria toda sua energia a uma fração disso em uma manhã. “Isso requer tudo de quem eu sou, mas cada nuance em mim está na xícara, o que é muito diferente de apenas ser hábil em fazer uma xícara”, diz ele, “É sobre afinar sua mente e seu cérebro”. “Se eu estiver fazendo algum tipo de trabalho ou martelando com um cinzel, eu não posso arremessar no mesmo dia, pois todas as minhas sensibilidades se vão. É tudo para fazer o trabalho”, acrescenta.

Consequentemente, cada peça finalizada no estúdio de Harrison é muito mais do que apenas uma peça de cerâmica. “Meu sótão está cheio de potes porque eu os valorizo para a vida. Sempre fui assim com meu próprio trabalho”, diz ele, acrescentando que “não é uma coisa egocêntrica, é apenas algo que eu amo.” Na verdade, algumas das obras pessoais favoritas e, talvez até melhores, de Harrison estão todas guardadas no sótão de sua casa. “É um pouco louco, na verdade. Há muitas canecas, mas eu diria que há cerca de 500 potes ao longo da minha vida”, ponderou ele.

Embora a demanda por seus trabalhos em cerâmica continue a crescer, ele já ficou desanimado com o fato de que muitas das obras vendidas se tornam colecionáveis que raramente são usadas. “Acho que a maior alegria para mim é ver alguém desfrutando de um momento usando minha caneca”, diz Harrison. “Acho que a maior alegria para mim é ver alguém desfrutando de um momento usando minha caneca”, diz Harrison.

“Acho que a maior alegria para mim é ver alguém desfrutando de um momento usando minha caneca.”

Quando se trata de seu relacionamento com canecas, ele descreve como “interessante.” Em casa, há uma caneca específica que ele sempre usava, a qual sua família apelidou de “Caneca de Pressão.” “Eu simplesmente disse que ficaria muito chateado se algo acontecesse com ela. Eu disse isso de uma forma não para alertá-los, mas meio que escapuliu,” ele recorda, notando como já se passaram bons anos, mas sua fidelidade e carinho por essa caneca permanecem. Os mesmos hábitos e a demanda por rotinas diárias são igualmente importantes para o ceramista britânico. “Tenho um estojo Globe-Trotter que tem um bule de chá, duas xícaras, um coador de chá, caixa de chá, uma bandeja, tudo; e viajamos para todos os lugares com ele,” ele diz, “Esse é meu ritual.”

Um exemplo da juventude que Harrison se lembra foi quando ele descobriu pela primeira vez que seu professor de escola fazia cerâmica do zero. “Cresci com potes industriais e coisas assim, não tínhamos nenhuma peça artesanal em casa,” diz ele, explicando como isso era normal para aquela época. Quando ele finalmente economizou o suficiente para comprar uma das criações de seu professor, ele correu para casa com alegria. “Eu não bebia café naquela época, mas preparei café. Eu nunca entendi por que preparei uma xícara de café, mas acho que é porque era muito robusto,” ele se lembra. A peça veio em um tom marrom e um acabamento esmaltado de aveia e, instintivamente, Harrison sabia que exigia uma forma de uso diferente, que ele compara a rituais. “Acho que até então, eu achava que o chá exigia um tipo diferente de preparo.”

Talvez seja essa sensibilidade e respeito inato pelas cerâmicas que tornam suas obras ainda mais especiais. Aqueles que têm a oportunidade de segurar ou até mesmo beber de uma das canecas de Steve Harrison saberiam. A beleza de suas obras em cerâmica só é percebida quando você tem a experiência dela.

O próximo projeto de Steve Harrison se inspira em seu hábito de viajar com seus utensílios dedicados. “É uma linda caixa com tampa, que você pode pendurar na cozinha ou na sala e colocar uma caneca nela,” ele diz, observando que o recipiente se assemelha a uma casa de pássaros. “Você poderia pegar sua caneca favorita da cozinha, embrulhá-la em um pano de prato e depois colocá-la na caixa, amarrar uma fita ao redor e sair para viajar,” diz o artista com empolgação. “Isso refresca a paleta de todo o caos ao redor e você pode se concentrar na coisa mais importante,” ele acrescenta.

Ao abordar a fragilidade de viajar com cerâmica, Harrison explicou confiante que a caixa tem uma construção sólida que vai manter o conteúdo intacto. A intenção para este próximo projeto é aparente – manter o ritual pessoal ao mesmo tempo em que reinstaura um senso de familiaridade em um ambiente estranho. Isso permite que alguém carregue um pedaço de casa aonde quer que vá. “Frequentemente, quando você viaja, pode se sentir um pouco estranho. Se é um lugar novo, você pode ter uma vulnerabilidade,” diz Harrison, que também elabora sobre como um ritual consistente com itens familiares é o mais eficaz para fazer alguém se sentir mais acomodado em um novo ambiente. Quando questionado se ele poderia dar uma pista de quando este novo e intrigante projeto poderia ser revelado, ele diz, “Eu não sei quando, mas é lindo.”

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O Last Supper de Steve Harrison está atualmente em exibição no otherthings de THE SHOPHOUSE junto com seus outros trabalhos em cerâmica. Isso é exibido ao lado de algumas das peças escultóricas de Jun Takahashi também, tudo permanecerá visível na galeria até 24 de novembro de 2024.

otherthings de THE SHOPHOUSE
31 Sun Chun Street, Tai Hang
Hong Kong