Leyla FischerA jornada de Leyla Fischer é feita de contrastes – dualidades que a moldaram e agora definem seu trabalho. Para nossa última Hypeart Visits série, voltamos os holofotes para Fischer, uma criadora cuja arte une vulnerabilidade e força. Sua última série, “Silent Echoes”, é uma exploração profundamente pessoal de resiliência, transformação e autodescoberta, contada através das impressionantes imagens de Dobermans.

Nascida de uma mãe somali e pai alemão, Fischer cresceu no meio de mundos culturais e filosóficos opostos. A fé muçulmana de sua mãe contrastava fortemente com o ateísmo de seu pai, criando uma tensão que fomentou uma busca vitalícia por equilíbrio e identidade. Essa dualidade encontra sua voz em “Silent Echoes”, uma série nascida do luto, solidão e uma confrontação inabalável com o medo.

“Enfrentei tudo de frente,” compartilha Fischer. “Isolei-me por meses, derramando essas emoções nesta série. Tornou-se um salva-vidas.” Ela começou a desenhar Dobermans no apartamento de seu pai na Alemanha, e três meses depois, concluiu a pintura final no dia que marcou seu falecimento. O ato de criar tornou-se seu escudo, uma fonte de força enquanto navegava por uma perda profunda.

Os Dobermans em “Silent Echoes” são mais do que sujeitos; eles são personificações da jornada de Fischer. Retratados em diversos estados emocionais, capturam os contrastes brutos que ela experimentou. “Dobermans são leais, poderosos e intimidadores,” explica Fischer. “Eles refletiram tudo o que eu estava sentindo.” Cada peça é tanto um diário emocional quanto um autorretrato, refletindo as profundezas de sua transformação. “Silent Echoes” convida os espectadores a adentrarem o mundo de Fischer – um espaço onde dor e poder coexistem, e onde a arte se torna um refúgio. Leia a entrevista completa abaixo.

“Cada pintura é uma conversa, minha maneira de expressar a dor e a beleza de estar vivo.”  

Como a história da sua família influenciou os tons emocionais do seu trabalho?

Foi este último ano que moldou esses tons. Posso dizer que enfrentei todos os meus maiores medos nesse período, lidando com perda, luto, solidão – chegou a um ponto em que sinto que me tornei quase destemido. Estava pensando nisso recentemente quando meu amigo me perguntou qual era meu maior medo e não consegui mais responder essa pergunta. E se você já os experimentou? A partir daí, fui levado a um estado de reflexão que me forçou a confrontar tudo o que havia acontecido. Eu queria vivenciar tudo isso completamente e criar algo a partir disso, então escolhi me isolar por alguns meses. E assim surgiu “Silent Echoes”.

Quais ideias centrais ou emoções você está explorando através da sua atual coleção de pinturas?

Para mim, olhar minhas pinturas é como ler meu diário ou olhar no espelho. Explorei sentimentos como amor e tristeza, mas também paz e raiva. Cada pintura é uma conversa, minha maneira de expressar a dor e a beleza de estar vivo.

O que te inspirou a usar Dobermans como um motivo central nesta coleção, e o que eles significam para você pessoalmente?

Quando comecei a desenhar os Dobermans, eu não sabia o porquê. Eu apenas desenhei o que vinha à minha cabeça. Se você olhar para os Dobermans, eles parecem tão majestosos, leais e elegantes, mas também protetores, intimidadores e poderosos. Depois de terminar a primeira pintura a óleo, compreendi o “porquê” e conectei os pontos. Todos aqueles contrastes e características mostraram a transformação pela qual passei. Quando fiquei em frente à pintura, senti que os cães me protegiam, mas fui eu que os pintei, o que significava que estava me protegendo. Esse foi o momento em que senti algo realmente pessoal e especial, especialmente em uma fase enquanto lidava com muitas coisas.

Comecei com os esboços no apartamento do meu pai na Alemanha quando ele ainda estava vivo. Três meses depois, quando terminei a última pintura a óleo, ele faleceu. Eu realmente não sei como meu ano teria sido se eu não tivesse pintado esta série. Salva-vidas, se você quiser chamar assim. Enquanto pintava, me sentia mais forte – mesmo que uma pintura me deixasse frustrada e irritada. Com certeza, é a coleção mais pessoal que eu já criei.

“Queria pintar sem pressa e aproveitar – mas também senti uma forte vontade de colocar tudo para fora e expressar o que estava sentindo imediatamente.”  

Como a dimensão dessas pinturas realça ou muda a narrativa que você está tentando comunicar?

A dimensão das minhas pinturas era importante porque te envolve. Quando algo é grande, exige sua atenção e faz você sentir a intensidade da mensagem. Eu queria que o espectador se sentisse rodeado pelas ideias e emoções que estou expressando. Por exemplo, pequenas pinturas que mostram o Doberman zangado e gritando são impactantes, mesmo que a escala seja pequena.

Como era um dia típico no seu estúdio quando você estava imersa nesta série?

Quando comecei com as pinturas a óleo, estabeleci meu próprio prazo e tratei isso como meu pequeno experimento pessoal. Queria pintar sem pressa e aproveitar – mas também senti uma forte vontade de colocar tudo para fora e expressar o que estava sentindo imediatamente. Então, quando comecei a trabalhar na primeira coleção de Dobermans, levei 2,5 meses, sem dias de folga. Todos os dias preparava comida em casa para todas as refeições, assim não perdia tempo pensando em comida, e usava minhas roupas de estúdio em todo lugar, então não precisava me preocupar com trajes. Isso ajudou e se tornou uma rotina rapidamente naquele tempo. Portanto, meu dia de estúdio não parece tão interessante – café da manhã, pintura, almoço, pintura, jantar, sono

“Quando coloco meus pensamentos e emoções na tela, eu exponho meu eu interior e isso é vulnerável. Mas há força nessa honestidade”  

Como você aborda a fisicalidade e a técnica de pintar em telas tão grandes?

Trabalhar em telas grandes me fez mover e me perder no mundo que criei. É sobre capturar essa energia crua. Cada cão representa uma história diferente, uma emoção diferente. Minhas técnicas são sobre profundidade e intensidade. Quando sobreponho a tinta a óleo, penso em como elas interagem, como criam tensão e harmonia – não é planejado, a espontaneidade é crucial.

Que papel o ambiente do seu estúdio desempenha na formação do seu processo criativo?

Eu chamaria isso de uma boa mistura de caos e organização, como uma extensão da minha mente. Quando entro no meu estúdio, parece mais lar do que meu próprio apartamento. Isso me permite expressar plenamente e é onde minhas visões realmente ganham vida. A música desempenha um grande papel, o ritmo e a energia podem abrir minha mente.

Como você navega na tensão entre vulnerabilidade e poder em seu trabalho?

Acho que vulnerabilidade e poder são dois lados da mesma moeda na minha arte. Quando coloco meus pensamentos e emoções na tela, expresso meu eu interior e isso é vulnerável. Mas há força nessa honestidade.

Fotografia por Julius Ignacio para Hypeart.