ビヨンセ（Beyoncé）が、フィジカル音源のコレクションを飾りながら収納できる限定ボックス「ベイ・キーパー・コレクターズ・ボックス」の予約販売を開始した。これはビヨンセの45歳の誕生日と、アルバム『B’Day』のリリース20周年を記念したアイテム。しかし、音源が一切付属しないにもかかわらず948.01ドルという価格に、オンラインでは「ぼったくりだ」とするファンの声も上がっている。

価格の948.01ドルは、1981年9月4日という彼女の生年月日にちなんだもの。ハンドメイドの無垢パイン材を用いたボックスには蜜蝋オイルを施し、内側には深いグリーンのベルベットを張っている。伝統的な養蜂箱から着想を得たこの収納ボックスには、カスタム刻印のディテール、ゴールドの金具、クロコダイル調レザーのストラップをあしらった。

シリアルナンバー入りの全500点限定で、送料や税金を加えると最終的な支払額は1,100ドルを超える可能性もある。ラグジュアリーな価格帯ながら、あくまで収納用のボックスであり、レコードは1枚も付属しない。空の木箱にこれほどの価格を設定したことをめぐり、SNSでは多くのファンが疑問を投げかけている。

「ベイ・キーパー・コレクターズ・ボックス」は現在、ビヨンセの公式オンラインストアで948.01ドルにて予約受付中。発送は2026年11月1日（日）を予定している。

Beyoncé is charging $950 for an empty wooden crate 😭 pic.twitter.com/AtTtoYbPi5

— ⭐️AMANI (@amanialexandor) September 4, 2026

$1K for a wooden box , no vinyls included is insane robbery!

— _Khillz (@Damn_KhillzBadd) September 4, 2026

I don’t support animal leather but the fact the strap ain’t even real gator for the price is crazier 😭😭

— ✍🏾 (@cray0nbox_g0th) September 4, 2026

$948 is fucking insane. I actually hate the rich

— Ashanti Bailey (@AshantiB1738) September 4, 2026

this person spent OVER a thousand dollars on a box..a wooden box. i am flabbergasted even more so at beyoncé for even having the audacity to sell this but also at her stans for actually buying it ?????? https://t.co/QImu0qYpcu

— ki 𓍢ִ໋❀ (@hrryrem) September 4, 2026

Idk, Beyoncé… $948 for a wooden box. An EMPTY one at that?? https://t.co/q0qVj6GGMZ

— Chadeau (@Rapper_Chadeau) September 4, 2026

Me playing in my $900 Beyoncé box pic.twitter.com/0OapLOvIOA

— Taylor Gray (@offtaylorgray) September 4, 2026

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デザイナー 松藤勉の手がける〈MATSUFUJI（マツフジ）〉が、『阪急メンズ大阪』5階 ガラージュ D.エディットにてポップアップストアを開催する。

会場では、〈MATSUFUJI〉の新作アイテムに加え、ランウェイショーで登場した別注アイテムも展開。さらに、9月19日（土）にはデザイナーが在廊する予定となっている。

〈MATSUFUJI〉の『阪急メンズ大阪』ポップアップは、『阪急メンズ大阪』5階 ガラージュ D.エディットにて開催。営業時間は平日が11:00〜20:00、土日祝が10:00〜20:00。大阪・梅田エリアを訪れる際は、ぜひ足を運んでみてはいかがだろうか。

MATSUFUJI 阪急メンズ大阪 ポップアップ
会場：阪急メンズ大阪 5階 ガラージュ D.エディット
住所：大阪府大阪市北区角田町7-10
会期：9月16日（水）〜22日（火）
時間：11:00〜20:00（平日）／10:00〜20:00（土日祝）

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米西海岸発のトータルライフスタイルブランド〈GUESS JEANS（ゲス ジーンズ）〉が、イングランドを代表する大御所ロックバンド ローリング・ストーンズ（The Rolling Stones）とのカプセルコレクションを発表した。

今回のコレクションは、ローリング・ストーンズが1978年に行った全米ツアーから着想を得ている。当時のヴィンテージツアーグラフィックやツアーメモラビリアをベースに、〈GUESS JEANS〉が培ってきたデニムのヘリテージと、ウエストコーストを背景とするブランドのスタイルを掛け合わせている。

ラインアップには、ツアーグラフィックを落とし込んだオーバーサイズTシャツ（8,690円）をはじめ、ヴィンテージウォッシュを施したフーディー（16,390円）、デニムパンツ（27,390円）、トラッカージャケット（39,490円）、デニムトートバッグ（15,290円）などが登場。アイテムには、ディストレス加工を施したプリントやチェーンステッチ刺繍、ラインストーン、刺繍パッチといったディテールを随所に採用し、アーカイブに着想を得たグラフィックを現代的なシルエットへと落とし込んでいる。

本コレクションは、イタリア・フィレンツェで開催されたメンズファッションの国際見本市「Pitti Uomo（ピッティ・ウオモ）」にて、没入型インスタレーションを通して初披露された。ローリング・ストーンズが築いてきたロックンロールのレガシーと、〈GUESS JEANS〉が持つカリフォルニアのスタイルを融合させた本コレクションは、音楽とファッションのカルチャーを横断する仕上がりとなっている。

〈GUESS JEANS〉とローリング・ストーンズによるカプセルコレクションは、9月10日（木）より国内で順次展開される。

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〈Nike（ナイキ）〉が、定番モデル Air Force 1 Lowを冬仕様にアップデートしたGORE-TEXモデルの新色 “Baroque Brown（バロックブラウン）”を2026年に発売する模様だ。

本モデルは、ブラウンのレザーアッパーにGORE-TEXを組み合わせることで、防水性を高めた仕様にアップデート。さらに、通常のAir Force 1とは異なるVibram製アウトソールを採用し、雨や雪などの悪天候下でも高いグリップ力を発揮する1足に仕上げられている。

アッパーにはブラウンのレザーをベースに、ブラックのスウッシュやヒールタブ、ライニング、ミッドソールを組み合わせた落ち着いたカラーリングを採用。GORE-TEXを内蔵したレザーは水を弾く仕様となっており、ブラウンのロープシューレースや厚みのあるタンが冬仕様らしいルックスを演出する。さらに、履き口付近にはイエローのGORE-TEXタグを配置し、ミニマルな配色のアクセントに。

メタル製のレースデュブレにもGORE-TEXのロゴをあしらい、ブラックのヒールタブにはNike Airのブランディングをエンボス加工で施している。派手なグラフィックを用いることなく、素材感やディテールによってテクニカルな仕様を表現した。

最大の特徴となるのがアウトソールだ。通常のAir Force 1に搭載されるソールユニットに代わり、よりアグレッシブなトラクションパターンを備えたVibram製アウトソールを採用。ブラックのラバーを外周に配し、中央部分にはユニバーシティレッドを配置することで、機能性とともに足元へアクセントを加えている。ミッドフットとヒールサイドにはイエローのVibramロゴをあしらい、アッパーのGORE-TEXタグともカラーをリンクさせた。

〈Nike〉Air Force 1 Low GORE-TEX “Baroque Brown”は、2026年内の発売が予定されている。なお現時点で具体的な発売日は明らかになっていない。今後の続報に注目したい。

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東京・新宿を拠点とするインディペンデント・セレクトショップ『jackpot（ジャックポット）』と、コペンハーゲン発のブランド〈ANOTHER ASPECT（アナザー アスペクト）〉が、2026年秋冬コレクションのスペシャルビジュアルを公開した。

今回のプロジェクトでは、新宿という街を舞台に、〈ANOTHER ASPECT〉が提案する時代やトレンドに左右されないワードローブを、1990年代から新宿の変化とともに歩んできた『jackpot』独自の視点を通して表現。ネオンサインや路地裏、雑多な街並みなど、新宿の日常に存在するさまざまな風景を背景に、コペンハーゲンと東京、それぞれ異なるカルチャーを持つ両者の視点を交差させている。

本プロジェクトのきっかけとなったのは、〈ANOTHER ASPECT〉のファウンダー ダニエル・ブロント（Daniel Brøndt）が2025年に初めて日本を訪れた際に目にした、新宿特有の街並みや喧騒、そこに混在するさまざまなカルチャーだった。新宿のビルの7階に位置する『jackpot』を訪れ、バイヤー兼ストアマネージャーの奥山達也から温かく迎えられたことをきっかけに交流が生まれ、今回のビジュアル制作へとつながったという。

映像制作はRyoji Kamiyamaが担当し、音楽にはtillyawuhを起用。出演する2人のモデルとスタイリングは、『jackpot』のスタッフが務めている。16mmフィルムによるノスタルジックな質感に、シンセサウンドや新宿の街の音を重ねることで、ひとつのジャンルには収まらない独自の映像作品に仕上げている。

〈ANOTHER ASPECT〉のファウンダー ダニエル・ブロント（Daniel Brøndt）は、今回のプロジェクトの背景についてコメント。2025年に初めて訪れた新宿について、「ネオンサイン、そして街全体を包むカオス」や、ゲームや漫画、電化製品、路地に並ぶ居酒屋など、さまざまなカルチャーが混在する独特の魅力に惹かれたという。また「新宿という街が私たちに与えてくれる、あの独特の感覚を映像として表現するために、一緒に作品をつくることは、とても自然な流れでした」と、『jackpot』とともに新宿を表現することになった経緯を語っている。

一方、『jackpot』の奥山達也は、普段から同店に関わる仲間たちとともに制作したことに触れながら、「16mmフィルムのノスタルジックな質感に、近未来的なシンセサウンドと街の音が重なり合う、ひとつのジャンルには括れないjackpotらしい作品に仕上がった」とコメント。

新宿という東京を代表する街のリアルな風景を通して、コペンハーゲン発の〈ANOTHER ASPECT〉が持つ普遍的なワードローブと、長年この街に根を張ってきた『jackpot』の視点を掛け合わせた今回のスペシャルビジュアル。両者が捉える新宿の姿に注目したい。

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『BEAMS（ビームス）』と〈BIRKENSTOCK（ビルケンシュトック）〉のアイコンモデル BOSTON（ボストン）、双方の50周年を記念したスペシャルな別注モデルが登場する。

今回ベースとなるのは、〈BIRKENSTOCK〉を代表するクロッグ BOSTON。1976年に誕生して以来、時代やスタイルを超えて支持されてきた同モデルは、今年で発売50周年を迎える。『BEAMS』も同じく創業50周年を迎えることから、双方のアニバーサリーを祝う特別な1足が製作された。

アニバーサリーモデルでは、トープ、ミンク、モカという〈BIRKENSTOCK〉を象徴する3色のスエードレザーを採用。それぞれ異なる表情を持つレザーをアシンメトリーに組み合わせ、クレイジーパターンのパッチワーク仕様に仕上げている。クラフト感のある素材使いに、『BEAMS』らしい遊び心を加えることで、オーセンティックなBOSTONに新たな表情を与えた1足だ。

さらに、インソールには〈BIRKENSTOCK〉と『BEAMS』双方のロゴを刻印。パッケージには、『BEAMS』を象徴するオレンジカラーのスペシャルボックスを採用するなど、別注ならではのディテールも随所に取り入れられている。

『BEAMS』x〈BIRKENSTOCK〉別注モデルは、9月12日（土）より全国の『BEAMS』、〈BEAMS BOY〉取扱店舗（一部店舗を除く）および『BEAMS』公式オンラインストアにて販売開始。サイズは35〜46を展開し、35〜38は〈BEAMS BOY〉レーベルで取り扱う。価格は36,300円（税込）

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世界的ゲームクリエイター 小島秀夫の率いる「KOJIMA PRODUCTIONS（コジマプロダクション）」が、設立10周年を記念した展覧会「BEYOND THE STRAND：創造と挑戦の航路」の詳細を発表した。会場は東京・麻布台ヒルズ ギャラリーで、2026年10月31日（土）から12月20日（日）まで開催される。

ゲーム、映画、ビジュアルアートなど多岐にわたるクリエイティブ活動を続けてきた同スタジオの10年間を振り返る本展は、4つのテーマに分かれた展示エリアで、これまでの歩みや制作の舞台裏を紹介する。

「Retracing the Steps」では、2015年の設立から『DEATH STRANDING』『DEATH STRANDING 2: ON THE BEACH』『OD』『PHYSINT』、さらに「A24」との映画プロジェクトに至るまで、「KOJIMA PRODUCTIONS」の10年間の軌跡を辿る。

「Behind the Scenes」では、これまで一般公開されていなかった貴重な資料を初披露。初期コンセプトアートやデザイン案、開発資料、開発者インタビューなどを通して、作品が完成するまでの試行錯誤を紐解く。

さらに、実際の制作環境を体感できるスタジオ再現スペースも登場。初公開となるキャラクタースタチューをはじめ、10周年仕様のスタジオマスコット「LUDENS」も展示される。

展覧会の最後には、巨大な360度スクリーンを使用したオーディオビジュアルインスタレーションを展開。ダイナミックな映像によって、「KOJIMA PRODUCTIONS」の世界観を没入感のある形で体験できる内容となっている。

チケットは9月11日（日）より「ローソンチケット」にて販売開始。前売券は2,600円、当日券は2,800円。さらに、サイン入りドローイング複製品または本展限定コラボレーションウォッチが付属する限定300個のプレミアムパッケージも57,600円で用意される。

詳細はこちらの公式サイトからチェックしてほしい。（*文中の価格は全て税込）

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指数算出会社「S&P Dow Jones Indices（S&Pダウ・ジョーンズ・インデックス）が9月4日（現地時間）に発表した四半期ごとのインデックス構成変更により、〈Nike（ナイキ）〉が米国時間2026年9月21日の市場取引開始前をもって米国主要100社で構成される株価指数「S&P 100」の構成銘柄から除外されることが決定した。

今回の入れ替えにより、〈Nike〉のほか「Honeywell Aerospace（ハネウェル・エアロスペース）」「Simon Property Group（サイモン・プロパティ・グループ）」「Colgate-Palmolive（コルゲート・パーモリーブ）」の計4社が「S&P 100」から除外。一方で、「Dell Technologies（デル・テクノロジーズ）」「Palo Alto Networks（パロアルトネットワークス）」「Arista Networks（アリスタネットワークス）」「Sandisk（サンディスク）」のテクノロジー企業4社が新たに採用された。

「S&P 100」は、米国の大手500社で構成される「S&P 500」の中から、時価総額が大きく多様な産業を代表する主要100社を抽出した株価指数。同社は、今回のリバランスについて「各指数がそれぞれの時価総額規模を正確に反映し続けるようにするため」と説明。なお、〈Nike〉は「S&P 500」からの除外リストには含まれておらず、株式の取引が停止・上場廃止となるわけではない。あくまで時価総額の変化や産業構造のシフトに伴う指数内のカテゴリー変更を意味している。「S&P 100」からの除外はより広範な「S&P 500」に留まるため直接的な市場への機械的影響は限定的とされるが、今回の決定はかつての株式市場の寵児が直面する苦境を象徴する出来事として大きな波紋を呼んでいる。

実際、〈Nike〉の株価は最高値を記録した2021年のピーク時から約78%も暴落しており、今年夏には12年ぶりの低水準まで落ち込んだ。市場アナリストや投資家が指摘する迷走の背景には、近年のブランド戦略におけるいくつかの悪手が挙げられる。直営店や自社ECを優先するD2C（Direct-to-Consumer）シフトを急進させた結果、これまで強固だった卸売りパートナー（セレクトショップやスニーカーショップ）との関係を弱体化。さらに定番フランチャイズモデルに依存しすぎたことでプロダクトの新鮮味が薄れ、その隙を突く形で〈HOKA（ホカ）〉や〈On（オン）〉といった新興ランニングブランドにシェアを奪われる事態へと発展した。

CEOのエリオット・ヒル（Elliott Hill）のもと、現在は卸売り関係の修復やスポーツへの再フォーカス、流通の適正化が進められているものの、中国市場の減速も重なり、かつて誇っていた競争優位性への懸念は拭えていない。〈Nike〉の「S&P 100」からの除外は、単なる数値上の入れ替えではなく、マーケットや消費者の関心が移り変わった結果を反映したものと言える。

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去る8月26日（水）、東京・両国国技館にて「Fami-FEST.2026（ファミフェス2026）」が開催された。「コンビニではたらく」をテーマに掲げた同イベントでは、「ファミリーマート（FamilyMart）」が10年ぶりに刷新する新ユニフォームを初披露。アンバサダーを務める吉田鋼太郎と八木莉可子をはじめ、総勢100名以上の出演者がランウェイに登場し、ファッション、音楽、映像が融合したエンターテインメントショーを繰り広げた。

なかでも会場を大いに沸かせたのが、千葉雄喜によるスペシャルライブだ。2026年2月に放映された「コンビニエンスウェア」のテレビCMで歌唱を担当した坂本九の名曲『上を向いて歩こう』を、この日限りの演出とともに披露。来場者を巻き込みながら、両国国技館を一体感に包み込んだ。

今回『Hypebeast』では、日本のファッションシーンを長年にわたって切り取ってきたフォトグラファー 荒井俊哉が撮影した、千葉雄喜のバックステージフォトを独占公開。ステージ上とは異なる自然体の表情や、本番に臨む直前の姿など、その場に居合わせた者だけが目にすることのできた貴重な瞬間が収められている。まずは、荒井俊哉のレンズが捉えた千葉雄喜の姿を、上のフォトギャラリーからチェックしてみよう。

なお、「ファミフェス2026」の全貌とライブ直後の千葉雄喜のコメントは、『Hypebeast Japan』の公式『Instagram』で公開中。以下の投稿もあわせてチェックしてみよう。

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米ニューヨークを拠点とするファッションレーベル〈Melitta Baumeister（メリッタ・バウマイスター）〉が、〈Nike（ナイキ）〉との最新コラボレーション Rift Rocker（リフト ロッカー）を韓国・ソウルで行われたイベントにて正式に発表した。今回登場するのは2つのカラーウェイで、2026年ホリデーシーズンのリリースが予定されている。

2026年春に実現した〈Nike〉との初のコラボレーションでは、Vomero Premium（ヴォメロ プレミアム）とPegasus Premium（ペガサス プレミアム）をベースに、ディストレス加工や彼女のシグネチャーであるシュルレアリスティックなグラフィックを融合したモデルを発表。これらは現在もなお、リセール市場で注目を集めるモデルとなっている。さらに、コンセプチュアルなAir Max Muse（エア マックス ミューズ）の存在からもコラボレーションの継続が示唆されていたが、今回のRift Rockerがその流れを決定づける1足となる。

ティーザー時点では、その名の通りボリュームのあるロッカーソールを備えることが予想されていたが、正式に公開されたモデルは従来のAir Rift（エア リフト）とは大きく異なる姿へと変貌を遂げている。最大の特徴となるのが、ワッフルトラクションを備えたオーバーサイズのソールユニット。かつてRiftをウィメンズウェアのラインアップにおけるトレンドモデルへと押し上げた、スリムなソールとは対照的なシルエットに。

アッパーには、〈Melitta Baumeister〉のブランディングをあしらった厚みのあるストラップを採用。足元には、スウッシュのスタンプを刻印した立体的なモールディングによる新設計のクッショニングを搭載。さらにインソールとストラップ下には、ドットマトリックス調のテクスチャーを用いたオプティカルグラフィックを配置。そしてヒールには、バウマイスターのシュルレアリスティックな世界観を象徴する一対の「目」をセット。シューズの後方からこちらを見つめるようなグラフィックが、アイコニックなRiftのフォルムに独特のユーモアと違和感を加えている。

なお、今回のキャンペーンビジュアルにはフィッシュアイレンズを用いたイメージが採用されており、実際のシューズのディテールをストレートに捉えたものではない。しかし、こうした意図的に歪んだビジュアル表現も、〈Melitta Baumeister〉のクリエーションにおいてはお馴染みのアプローチと言えるだろう。

〈Melitta Baumeister〉x〈Nike〉Rift Rockerは、“Black/Black/White”と“Yukon Brown/Light Iron Ore”の2カラーで展開予定。いずれも2026年末までのリリースが見込まれており、価格は220ドル。今後さらなる詳細が明らかになり次第、随時アップデートしていく予定だ。

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スポーツとサブカルチャーをルーツに持つ英国発のファッションブランド〈Fred Perry（フレッド ペリー）〉が、東京・神宮前の旗艦店『FRED PERRY SHOP TOKYO』のオープン10周年を記念したアニバーサリーパーティを本日9月4日（金）に開催する。

2016年にオープンした『FRED PERRY SHOP TOKYO』は、イギリスのサブカルチャーを象徴する工場建築から着想を得た空間が特徴だ。約45,000個のレンガを使用した外観をはじめ、音楽カルチャーとの結びつきを感じさせる店内では、これまで数々のアーティストによるインストアライブも開催されてきた。ファッションにとどまらず、音楽やコミュニティが交差する場として、ブランドのカルチャーを東京から発信している。

そんな同店の節目となる10周年を記念し、今回はこれまでブランドとショップを支えてきたコミュニティへの感謝を込めた一夜限りのパーティを実施。当日はオリジナルフォトブースに加え、『BIG BABY ICECREAM（ビッグ ベイビー アイスクリーム）』によるフード＆ドリンクを用意するほか、BOMIとMOTOKIがDJとして会場を盛り上げる。

さらに、〈Fred Perry〉がこれまで共に歩んできたカルチャーやコミュニティと制作したスペシャルZINEを先着順で配布。会場では、10,000円以上の購入で1,000円オフとなる来場者限定クーポンも用意される。入場は無料で、誰でも参加可能。FRED PERRYが東京で築いてきた10年間の軌跡を体感できる機会となりそうだ。

FRED PERRY SHOP TOKYO 10TH ANNIVERSARY PARTY

日時：2026年9月4日（金）18:00〜20:00
会場：FRED PERRY SHOP TOKYO
住所：東京都渋谷区神宮前5-9-6
FOOD & DRINK：BIG BABY ICECREAM
DJ：BOMI、MOTOKI
入場：無料

※スペシャルZINEは先着順、なくなり次第終了
※来場者限定クーポンは9月4日（金）〜9月23日（水・祝）の期間、全国のFRED PERRY直営店（京都伊勢丹を除く）、アウトレット、ONLINE SHOPで利用可能

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ミュージック、アート、ファッションなど、大小関わらず何かしらのHYPEなイベントやポップアップが、東京や大阪を中心に日本各地で同時多発的に開催されている昨今。SNSでの発信が主流になり、情報が点在することで「遊びに行きたいけど、何がやっているのかわからない」「え〜これ行きたかったのに予定入れてしまった or もう終わってる」的な経験のある方も決して少なくないだろう。『Hypebeast』編集部では、そんなイベント難民の潜在的な要望を（勝手に）汲み取り、今週来週の必見イベントを集めたリストを作成。もちろん全てが網羅されているわけではないが、行かなきゃ損するであろう濃密なライブ、パーティ、ポップアップを厳選してお届け！

アート

Viviane Sassen Solo Exhibition: “Myriads”

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場所：The Mass（東京都渋谷区神宮前5-11-1）
日程：9月5日（土）〜11月8日（日）
時間：12:00-19:00

ミュージック

I Don't Like Mondays.『FRIDAY』Release Party

場所：TRUNK(HOTEL) CAT STREET（東京都渋谷区神宮前5-31）
日程：9月4日（金）
時間：19:00-23:00

MID SUMMER presented by pickyou

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会場：不眠遊戯ライオン（東京都渋谷区神宮前6丁目19-17 GEMS神宮前 7階）
会期：9月5日（土）
時間：22:00-

amapinight x TYO GQOM presents “UTLWA!”

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TYO GQOM(@tyogqom)がシェアした投稿

会場：CIRCUS TOKYO（東京都渋谷区渋谷3丁目26−16 1F/B1F）
会期：9月5日（土）
時間：22:00-

Love Saves The Day

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場所：Hi-Fi Disco Bar Chaos（東京都渋谷区円山町9−3 NEXUS MARUYAMA 2F）
日程：9月8日（水）
時間：19:00-2:00

TTT MSW × BEAMS Presents BEAMS 50th Anniversary Collaboration Party

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会場：不眠遊戯ライオン（東京都渋谷区神宮前6丁目19-17 GEMS神宮前 7階）
会期：9月10日（木）
時間：22:00-

ファッション

SHARED RHYTHM SPACE

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会場：STANDBY Gallery（東京都渋谷区神宮前1丁目11-1）
会期：9月5日（土）、6日（日）
時間：11:00-19:00

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大阪府出身のラッパー/シンガーソングライター Kvi Baba（クヴィ・ババ）が、去る8月27日（木）に『横浜アリーナ』で「Shout Out to Jesus in YOKOHAMA ARENA」を開催した。本公演が告知されたのは、昨年8月28日（木）に『日本武道館』で行われたワンマンライブ。2026年はさまざまなフェスでシンガロングを巻き起こした後、8月19日（水）の『大阪城ホール』公演を経て、ここ『横浜アリーナ』にたどり着いた。開演前のフロアにはグルーヴィでピースなソウルファンクのミックス音源が流れていた。リラックスした雰囲気の中、観客はこれから始まるショーへの期待を胸に秘めつつステージをバックに記念撮影していた。

会場が暗転すると背景のスクリーンにレーザーで十字架が描かれ、「ここにいるひとりひとりの人生を僕は知らないけど、あなたが知っていて抱きしめてくれること感謝します。Jesus Loves You. Are You Ready Guys? Shout Out to Jesus」とモノローグが流れた。メインステージの濃いスモークの中からKvi Babaが現れて、バンドが“愛槌”のイントロを演奏すると歓声が鳴り響いた。もちろんフックは大合唱。いい雰囲気。Kvi Babaは満面の笑顔を見せる。その勢いのまま“Bye Bye”を歌って、「とうとう来たあ。みんな、ひとりひとりにとって特別な夜になることを宣言するよ」と話し、“To Man Nai”へ。キャッチーなメロディとポジティブなメッセージが際立つKvi Babaの代表曲のひとつだ。続く“City Love City Love City Love”は、リリックの中で武道館公演を予告した楽曲。今回は「駅は九段下で」という歌詞を「駅は新横浜で」に変えて歌った。Kvi Babaは見切れのエリアにもしっかり会いにいく。“Ms. U”には盟友 SALUが登場。さまざまな観客がスクリーンに抜かれ、その中に「Shout Out to Jesus in YOKOHAMA ARENA」のメインビジュアルにもなった指ハートを真似たファンがいた。Kvi Babaがキャリアを通じて表現しようとしている“LOVE”が具現化された瞬間だと感じられた。

Kvi Babaは「SALUくんやAKLOくんはずっと背中を見てきた憧れのスター。今こうして同じステージに立てていることに感謝します」と語った。そして19歳の時に発表した“A Bright”を2人で歌う。この曲には「いつかの未来」というワードがある。当時はライブハウスをソールドアウトできなかったという。不在や孤独が滲ませたこの曲を歌っているKvi Babaを観ていると、リリースから数年を経て、「いつかの未来」は満員の『日本武道館』であり、『大阪城ホール』であり、『横浜アリーナ』であったことを実感しているようだった。次の“ヴァンパイアみたいな気分”と“Tear Wave”も、ともに繊細で不安定だった頃の自分を歌っている。Kvi Babaは、幾重にも折り重なるレーザー、映像、ライティング、そしてバンドのダイナミックなアンサンブルと一体となって、自身の複雑な内面をドラマティックに表現。過去の自分を肯定しているかのようなセットリストだった。

Kvi Babaは「ステージを変えようと思います」と、客席通路を歩いてアリーナの中央に用意されたセンターステージに移動する。ステージ中央の付近から後方の観客から大きな声が上がる。さらに「最近大きいところでライブさせてもらえることが多くて本当に感謝なんですけど、ちょっと前にInstagramやTikTokで自分の昔のライブを見たんですよ。10人くらいのお客さんの目の前でやってたりしたんですね。あの距離感、楽しかったなと思ったりして。今日は特別な日だから、誰かをステージに上げてその頃みたいに歌いたいと思います」と言うと客席のボルテージが急上昇。Kvi Babaが男性1人と女性2人のグループを選んで、“Fuck U & Love U”を一緒に歌った。今回はフックの「Fuck」を「Love」に変える演出も。アコースティックギターに合わせてみんなで合唱した。3人に感謝を伝えたのち、Kvi Babaのメロディセンスが光る“二つ目の家族”もアコギバージョンで歌った。

ここからはAKLOとKEIJUをゲストに迎えてKviBabaのキャリアを飛躍させる1曲となった“Too Bad Day But...”へ。まだネガティブなKviBaba、ユーモアに満ちたAKLO、ストイックに努力するKEIJU。三者三様の「イケてない1日」がBachlogicのグルーヴに乗せて描かれる。そして“Luv Myself”に続いてくのがライブではおなじみの流れ。今回のセットリストで改めて聴くと、KviBabaの感情がグラデーションのように少しずつ前に向かっているように感じられた。AKLOヴァースから3人は熱狂する客席通路を通ってメインステージに戻り、KEIJUのタフなラップで楽曲を締め括った。

2人がステージを後にしてからKvi Babaは語り始める。「8月7日で27歳になりました。誕生日当日はこのライブのための撮影をしていたんですけど、その時、会社のメンバーが祝ってくれて。その時に正直に、“生きてて良かった”と思ったんです。少し前は誕生日を迎えるのが辛かった。これから先も苦しいことが続いていく、更新日みたいな日だったというか。その意味でも本当に（自分は）変わったなと思います。その頃に、昔の曲を聴く機会があったんです。18〜20歳くらいの曲かな。自分で聴いても、その頃の自分が可哀想に思えるくらい暗く悲しい曲でした。その時代の曲の多くをほっぽりだして無視していて、もう歌うのをやめようと思っていました。けど、暗かった頃があるから今がある。（自分が辿ってきた）経路がみんなを勇気づけたり、何かをチェンジするきっかけになれるかもしれないと思いました。だから7年ぶりに歌います」と涙目で話した。その曲は「Just Wanna Die」というリリックが象徴的な“Life is Short”。高層ビルの屋上で撮影された当時のMVをバックに披露した。「次は今の自分の心を歌います」と“1234”を届ける。この流れで聴くと、「1、2、3、4　時に不安で弱くても　右、左 下より上を見て」という歌詞に強烈なリアリティとKvi Babaの成熟を感じ取ることができた。

バンドのソロを挟んで、Kvi Babaは衣装チェンジ。“Life Interlude”を歌ったのち、ここから始まる後半に向けて「喉を枯らす準備できてますか？」と煽りを入れる。心地よいレゲエのリディムで演奏されたのは、変態紳士クラブのWILYWNKAとVIGORMANをフィーチャーした“How Many Girls”。夏にぴったりのメロウチューンで横浜アリーナを踊らせた。VIGORMANは残って、Kvi Babaの楽曲に心境の変化が表れはじめた“Fight Song”をともに歌った。ラストヴァースにスペシャルゲストとしてNORIKIYOがサプライズ登場。失敗をエネルギーに変える応援歌を3人でリミックスバージョンを熱唱した。そこから色気あるラブソング“Last, First, Forever”を挟んで、場内が暗転する。

そして特徴的なキーボードのフレーズとともに“backseat”がスタート。ステージが照らされてKEIJUが再登場。2人の相性の良さが存分に発揮されたクールな楽曲に横浜アリーナが酔いしれる。KEIJUは「1年前に（開催を）発表して今日まで準備して、ここ（横浜アリーナ）に立つってことがどれだけすごいことか、少しわかっているつもりなので」と語る。KEIJUも昨年自身のツアーファイナルで横浜アリーナ公演を経験し、Kvi Babaを客演に迎えていた。それを踏まえて、「本当に今日までよく来ましたね」と讃えた。あたたかく熱のこもった拍手に包まれたKvi Babaは「もうこの曲をやらなきゃ気が済まないや」と“Friends, Family & God”へ。KEIJUは「おい、横浜。思いっきしいかせてくれよ。そしてもうひとり友達もくるからさ！」と焚き付けた。「もうひとり友達」はもちろんG-k.i.d。それぞれ異なるソウルをぶつけ合って観客を絶叫させた。最後は3人がステージ中央でがっちりと抱き合った。

オールドスクールなエレクトロヒップホップをアップデートした“BPM”では火柱が上がる。客演はKREVA。尋常じゃないスキルのラップをブチかましていく。圧巻のパフォーマンスに騒然とする横浜アリーナから自然と「もう1回」コールが。すると、ステージには『YouTube（ユーチューブ）』チャンネル「モハブログ」のMCを務めるMOHAとMAZENがKREVAとともに戻ってくる。KviBaba、KREVA、MOHA、MAZENの4人は、MV “BPM”のセルオマージュを寸劇で再現して、再び“BPM”のをパフォーマンスした。KREVAは「歌えるもんなら歌ってみろよ」とさっき以上にキレのあるラップを聞かせ、銀テープがも発射されると観客のBPMも最高値に引き上げられた。

「今日、みんなは僕に会いに来てくれたのかもしれないけど、僕は心からみんなに会いに来たつもりなので、今から僕がみんなのほうに行きます」とメインステージを降りて、客席通路を歩きながら“Stay With Me”を歌った。さまざまな観客とハイタッチをしたり、セルフィーを撮ったり、握手をしたり。アリーナをぐるっと一周した。その後、「次がラストの曲になります。アンコールはありません」というと「ええ……」という声が。Kvi Babaは「……なぜなら、11月3日に『Kアリーナ横浜』で追加公演やります。アンコールはそこでやりましょう」と発表した。「その次のライブも決まっているから、みんな一緒にいてね。一緒に行こうね。次もその次も来てください」と語りかけた。

KviBabaは今日のライブを支えたバンドメンバー、ギターのNozomi Yamaguchi、キーボードの石田まり、ドラムのYoshiya Matsuuraを紹介して、笑顔で“I Like It”を歌った。そして最後に赤と白の風船が天井から降ってくる演出で、愛と友情に溢れた横浜アリーナでのワンマンライブを締め括った。この日の模様は10月18日（日）に『U-NEXT（ユーネクスト）』で配信される。

Shout Out to Jesus ENCORE K-Arena YOKOHAMA
場所：Kアリーナ横浜
住所：神奈川県横浜市西区みなとみらい6-2-14
日程：11月3日（火）
時間：OPEN 15:30～/START 17:00～
チケットはこちらで先行予約受付中（抽選）

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クリエイティブディレクター シモーネ・ベロッティ（Simone Bellotti）手掛けるイタリアのファッションブランド〈Jil Sander（ジル サンダー）〉が、2026年秋冬のキャンペーンを公開した。

フォトグラファー／ディレクターのモニ・ホーワース（Moni Haworth）が撮影した今回のキャンペーンでは、自家用飛行場の滑走路を舞台に、屋外に家具を配置した一風変わった空間を構築。ラテックスで覆われたテーブルやアルミ箔に包まれたソファなど、“住まい”を想起させる要素を滑走路上に並べることで、室内と屋外の境界を曖昧にしたシュールな情景を作り上げている。

モデルには、エディ・キャンベル（Edie Campbell）と上田太輔を起用。ざらついた質感と色褪せたVHSを思わせる色調で切り取られたビジュアルは、ヒッチコックやファスビンダーの映画作品を彷彿とさせる緊張感を漂わせながら、滑走路で暮らしているのか、これから旅立つのか、それとも今まさに到着したのか。見る者の解釈に委ねる抽象的な物語を描き出している。

さらに、キャンペーンムービーのBGMには、イギリス・マンチェスターを拠点に活動するサウンドアーティスト／音楽デュオ スペース・アフリカ（Space Afrika）が、新進気鋭のミュージシャン／アーティスト Deuénをフィーチャーした楽曲『If This Is Hell』を採用。ディープ・ミニマルやアンビエント、ダブテクノを軸とするスペース・アフリカのサウンドと、息つく間もないほどの速さで展開するリリックが映像と呼応し、キャンペーンに不穏さと高揚感をもたらしている。

ベロッティは今回の表現について、「最小限の手法で、緊張感と驚きを表現したかった」とコメント。〈Jil Sander〉の本質ともいえる“強いシンプルさ”を軸にしながら、そこへ影のある表現と官能的な緊張感を加えることで、相反する要素が共存する世界を構築したという。

また、2026年秋冬ではブランドが掲げる抑制された美学をさらに推し進め、「余剰」や「不可欠なもの」、「加えること」と「取り除くこと」といった矛盾をひとつの視覚的な物語として提示。すべてを説明し切らない余白を残すことで、見る者それぞれの解釈を引き出すキャンペーンに仕上げている。

 

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〈THE NORTH FACE（ザ・ノース・フェイス）〉が、ニューヨークを拠点にミリタリーやワークウェアを独自の視点で再構築する〈ENGINEERED GARMENTS（エンジニアド ガーメンツ）〉との初となるコラボレーションを発表。2026年9月11日（金）より『THE NORTH FACE FOOTWEAR 心斎橋』および『ENGINEERED GARMENTS TOKYO』にて先行発売後、翌12日（土）よりオンラインおよび全国展開される。

ベースモデルとして選ばれたのは、独自のロッカー構造が生み出す滑らかな推進力と軽快な走行性能を誇るロードランニングシューズ VECTIV Forward（ベクティブ フォーワード）。〈THE NORTH FACE〉が培ってきた本格派のテクニカルスペックはそのままに、〈ENGINEERED GARMENTS〉のデザイナー 鈴木大器の独創的なアイデアを落とし込むことで、都市生活と本格アクティビティを自在に行き来する新たなスタイルへと昇華させた。

最大の特徴は、シューレースホールを活用して付属のタンカバーを連結させることで、イージーなスリッポンスタイルとして着用できる特別仕様。さらに付属のシューレースへと付け替えることで、本格的なランニングシューズとしても機能する2WAY設計に。ソールユニットには、足運びと安定性を両立するVECTIV 3D Pebax&カーボンプレートと、軽量で高いクッション性と反発力を誇るDREAMフォームミッドソールを採用。前方向へのスムーズな推進力を生み出すロッカー構造と、10%の天然ゴムを配合した高グリップなSurfaceCTRL™ラバーアウトソールが、日常の街歩きから過酷なランニングまで快適な足取りをサポートする。カラーリングは重厚感と上品さを兼ね備えた「イージーネイビー/TNFブラック」を纏い、まさに都市と自然の境界を越える1足に仕上がっている。サイズはUS5.0〜11.0（ユニセックス）を展開し、価格は38,500円（税込）。

また、コラボシューズのローンチを記念し、大阪『THE NORTH FACE FOOTWEAR 心斎橋』では9月11日（金）から9月27日（日）までスペシャルインスタレーションを開催。会場では、今作のためにニューヨークで撮影を担当した写真家/アーティストのピーター・サザランド（Peter Sutherland）による作品群が展示されるほか、商品の先行販売、さらには数量限定のスペシャルZINEの配布も実施する（無くなり次第終了）。

PETER SUTHERLAND Installation
会期：2026年9月11日（金）〜9月27日（日）
会場：THE NORTH FACE FOOTWEAR 心斎橋
住所：大阪府大阪市中央区心斎橋筋1-8-3
特典：会場限定ZINE配布（*数量限定・先着順）

販売店舗一覧
THE NORTH FACE
・THE NORTH FACE+ サッポロファクトリー
・THE NORTH FACE FOOTWEAR 心斎橋
・THE NORTH FACE 丸の内
・THE NORTH FACE / HELLY HANSEN 神戸
・THE NORTH FACE STANDARD 二子玉川
・THE NORTH FACE STANDARD
・THE NORTH FACE STANDARD 京都
・THE NORTH FACE STANDARD 広島
・THE NORTH FACE 福岡
・Goldwin Online Store

ENGINEERED GARMENTS
・ENGINEERED GARMENTS TOKYO
・NEPENTHES WOMAN TOKYO
・NEPENTHES OSAKA
・NEPENTHES WOMAN OSAKA
・NEPENTHES HAKATA
・NEPENTHES WOMAN HAKATA
・SOUTH2 WEST8 SAPPORO
・NEPENTHES Online Store

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ロンドン発祥の折りたたみ自転車ブランド〈Brompton（ブロンプトン）〉と、池内啓太と森美穂子が手掛ける東京発の人気アウトドアブランド〈and wander（アンドワンダー）〉による初のコラボレーションが実現した。

今回のコレクションでは、スペシャルエディションのG Lineを中心に、バイクに装着できるラゲッジやウェアを展開。〈Brompton〉を象徴するコンパクトなフォールディング機構と、〈and wander〉が培ってきたアウトドアデザインの視点を掛け合わせ、都市から自然へとシームレスに移動するためのプロダクトを提案する。

まず注目のG Lineは、質感のあるメタリックグレーのフレームに鮮やかなイエローのアルマイト加工を施したアクセントを組み合わせたスペシャルエディション。専用コンポーネントやリフレクティブディテールを随所に取り入れ、20インチホイール、8速ギア、ラックとマッドガードを備える。さらに、コラボレーション仕様の“Brompton x and wander Backpack”が付属する。価格は64万0,970円（税込）。

バッグ類には、フロントキャリアブロックに装着できるバックパック（34,100円）と、容量3Lのロールトップポーチ（22,000円）がラインアップ。いずれも耐水性・耐久性に優れたECOPAK™素材を採用し、ライド中から目的地に到着した後までシームレスに使用できる仕様となっている。

また、都市と自然の双方に対応する限定アパレルも展開。軽量かつパッカブル仕様のフーディー（46,200円）、リフレクティブ仕様のリップストップ素材を用いたパンツ（41,800円）、リフレクティブポケットとコラボレーションプリントをあしらったTシャツ（18,700円）などを揃える。

なお両ブランドは、優れたプロダクトはひとつの用途にとどまらず、環境や目的に応じて柔軟に姿を変えるという共通の価値観を持つ。今回のコラボレーションでは、都市と自然、オンバイクとオフバイク、機能とデザインといった境界を越えるプロダクトを、プロトタイプの製作やテスト、改良を重ねながら完成させたという。

〈Brompton〉x〈and wander〉コラボコレクションは、9月10日（木）より発売。G Lineは、『Brompton Tokyo』および一部〈Brompton〉取扱店舗、アパレルは、〈and wander〉の一部店舗・取扱店にて展開される。なお、G Lineのプレオーダーは現在対象店舗の店頭で受付中で、入荷・引き渡しは9月下旬より順次開始予定。（* 本文中の商品価格は全て税込）

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〈A.P.C.（アー・ペー・セー）〉と、〈MIZUNO（ミズノ）〉によるコラボレーション第5弾が登場する。

今回のコラボレーションでは、両ブランドが得意とする“日常に自然に馴染むアイテム”にフォーカス。テクノロジーに裏打ちされた機能性を備えながら、それを過度に主張しないデイリーウェアとして、トラックジャケット BLOUSON CONDORがラインアップする。

〈A.P.C.〉が持つ控えめで自然体なスタイルに、〈MIZUNO〉が創業以来培ってきたテクノロジーとクラフツマンシップを融合。1990年代のシルエットをベースに現代的な解釈を加え、現在のワードローブに取り入れやすいデザインへと再構築している。

〈A.P.C.〉x 〈MIZUNO〉BLOUSON CONDORは、9月4日（金）より〈A.P.C.〉公式オンラインストアにてプレオーダーを開始。9月11日（金）より、〈A.P.C.〉ストア、〈MIZUNO〉公式オンラインストアなどにて発売される。カラーはブルーグレー、ブラック、ブルーグレーxブラックの3色をラインアップ。XSからLまでのユニセックスサイズで展開され、価格は47,300円（税込）。

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2026年をもって音楽活動を終了することを発表しているTohjiが、11月17日（火）に開催される東京ドーム公演 “TOKYO MALL”に向けたファン参加型企画「#MallTapeRemixZone」をスタートした。

今回の企画では、Tohjiの作品『Mall Tape 3』のボーカルデータを無料で公開。参加者は同データを素材として自由にリミックスを制作し、YouTubeまたはSoundCloudにアップロードしたうえで、Xにハッシュタグ「#MallTapeRemixZone」と楽曲リンクを投稿することで応募できる。応募作品はTohjiとMall Boyzのメンバーが選考し、採用された楽曲は後日リリース予定のリミックスアルバムに収録される。

ボーカルデータは、Tohjiのスタッフアカウント ぶんぶんモール車太郎のSNS投稿に記載されたリンクからダウンロード可能。応募締切は9月24日（木）18:00までとなっている。

 

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なお、採用楽曲のマスタリングはTohji側が指定するエンジニアが担当。採用者には、リリースに向けた契約などについて個別に案内されるという。

Tohjiにとって活動の集大成となる東京ドーム公演 “TOKYO MALL”は、11月17日（火）に開催。今回のリミックス公募では、選出楽曲が同公演のBGMとして使用される予定だ。

#MallTapeRemixZone
応募締切：9月24日（木）18:00

Tohji Last Live “TOKYO MALL”
日程：2026年11月17日（火）
開場：16:00／開演：18:00／終演：20:30
会場：東京ドーム
チケット：Tシャツ付き指定席 19,800円（税込）／指定席 14,800円（税込）
最速抽選受付：8月9日（日）21:00〜8月23日（日）23:59
当選確認・入金期間：8月26日（水）18:00〜9月6日（日）23:59
※未就学児入場不可
※1人につき4枚まで申し込み可能
※開場・開演時間、出演者の一部が変更となる可能性あり

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見覚えがあるのに、どこかがおかしい。

誰もが1度は目にしたことがあるような黄色い壁、無機質な蛍光灯、そして果てしなく続く部屋。2019年に『4chan（英語圏の匿名掲示板）』へ投稿された1枚の画像から生まれ、やがてインターネット上で巨大なミームへと発展した『バックルームズ』。そこに潜む不気味な違和感を、独自の3DCGと映像表現によって形にしたのが21歳の若きクリエイター ケイン・パーソンズ（Kane Parsons）だ。

『YouTube』上で公開された短編映像から始まったパーソンズの『バックルームズ』は、やがて「A24」とのタッグによる長編映画へとたどり着く。一方で、本人は映画化という可能性に対して決して楽観的ではなかった。新しい媒体、新しい制作環境によって、自分が作ってきた世界が変わってしまうことを危惧していたという。

それでも彼は、これまでデジタル上にしか存在しなかった世界を現実のセットとして“存在”させ、長編映画という新たなスケールへと『バックルームズ』を拡張した。

今回『Hypebeast Japan』では、来日したパーソンズにインタビューを敢行。ネット上のミームから始まった『バックルームズ』は、なぜこれほどまでに人を惹きつけ、そして恐怖させるのか。映画化によって何が変わり、何を変えなかったのか。パーソンズ自身の言葉から、その世界の成り立ちとクリエイティブの裏側を紐解いていく。

Hypebeast：長編映画化のアイデアが最初に出たとき、どう思いましたか？

ケイン・パーソンズ：今回の映画化は、ある瞬間に突然決まったというより、何カ月も『YouTube』シリーズを作り続ける中で徐々に色々な人から声をかけてもらって進んでいった結果でした。最初は「グラフィックノベルにしないか」という話だったり、「映画化できるかも」という漠然としたアイデアだったりしたんです。でもその間も、僕自身はずっと『YouTube』シリーズを作っていて、映画化というアイデアに完全に飛び込むことはしませんでした。というのも、新しい媒体に移して、新しいパートナーやスタジオを後ろ盾につけることで、プロジェクトに何が起こるのかかなり懐疑的だったからです。色々なことが関わってきますし、たいていの場合うまくいかなくなります。だから、僕は慎重でした。

2022年は1年間ずっと『YouTube』版を作っていましたが、年末には気持ちの整理がつき、翌年の初めには「A24」との契約に向けて動いていると発表できました。つまり、「徐々に受け入れていった」というのが答えですね。

そもそも一連の『バックルームズ』のコンセプトはどこから着想を得たのですか？

大元のコンセプト自体は僕が考えたものではなく、2019年5月に『4chan』に投稿されたアイデアが発端です。僕の周りにいた同世代のクリエイターたちの間でも話題でしたし、その時期にネット上でかなり大きなミームになっていました。

それがきっかけの1つとなって、「リミナルスペース（境界空間）」の写真がオンラインでかなり多く見られるようになったと思います。「リミナルスペース」の写真を不気味な音楽と一緒にまとめた動画もたくさんありました。つまり、そこには『バックルームズ』というアイデアはあったけれど、ストーリーはありませんでした。ある種のトーンや、視覚的な神話性はあったけれど、方向性もなければ明確な内容もなかった。

そこで僕が始めたのは、何年かかけて身につけていた3Dのスキルを使って単なる画像ではなく映像というフォーマットでその雰囲気やビジュアル言語を表現できないか、ただ楽しみながら試してみることでした。

それが結果的にかなりうまくいって、そこに僕が持っていたSFのコンセプトを組み合わせることで、物語の軸を与えました。そこから先は、自然といろいろなものが広がっていった感じです。

『YouTube』の動画制作と長編映画制作ではプロセスが全く異なると思います。実際に制作してみて最大の違いは何でしたか？また、難しかった部分も教えてください。

1番大きかったのは、間違いなく「人」の部分です。

僕はプロジェクトとしての『バックルームズ』について、知り得ることはすべて知っています。でも、ミーティングに行って、そのすべてをいきなり相手に投げつけるわけにはいきません。自分と同じ背景を持っていない人たちにも、どうすればきちんと理解してもらえるのか。そこが本当に難しかったです。

僕は、ARG（代替現実ゲーム）やウェブシリーズのようなインターネット上で展開されるストーリーテリングに大きな影響を受けています。でも、僕と一緒に仕事をする人たちの多くはそうしたバックグラウンドを持っていませんでした。だからこそ、「このプロジェクトは、本気で向き合う価値のある作品なんだ」ということを、彼らに証明したり、実際に示したりする必要があったんです。

すでに1億人以上の人がこのシリーズを追ってくれていたので、元からあったアイデアをすべて無視してゼロから別の脚本を作るようなことはできませんでした。だから、シリーズを知っている人たちが見ても映画が『YouTube』シリーズと直接つながっていると感じられるように、制作の計画段階からかなり細かく考える必要がありました。

長編映画にするにあたって、最も大切にしたかった「バックルームズらしさ」は何でしたか？

「観客がどう体験するか」です。

コンセプト自体はいろいろな伝え方ができるものですが、『YouTube』シリーズは「ファウンド・フッテージ（発見されたビデオ映像）」形式で、そこから離れたときに何が失われてしまうのか、僕はずっと気にかけていました。映画の中でも「ファウンド・フッテージ」のパートは特に効果的だと感じていて、もしかしたら「バックルームズはファウンドフッテージという形式でこそ最も力を発揮する」という考え方も成り立つのかもしれません。ただ、そこはまだ自分の中でも確信が持てていません。

それでも、僕たちが目指していたのは、誰かがその場所を歩いて探索していくような、一人称視点のビデオゲームに近い体験の質感を保つことでした。だから長編映画では「ファウンド・フッテージ」そのものにはできないけれど、できる限りそれに近づけようとしています。POVショットを多用し、編集のテンポもゆっくりにして映像に「呼吸」をさせることで、まるで一緒にその空間を歩いているかのように感じられるようにしています。速いジャンプカットを重ねて瞬間移動しているように見せるのではなく、本当にゆっくりとその人と一緒に空間を這うように進んでいくような映像にしたかったんです。

そこにいることを受け入れて心の平穏を見つけるまで、ひたすら瞑想すると思います。だって、もう出られないだろうと思うから

映画制作にあたり、実際に物理的な“バックルーム”のセットを作られたそうですが、それによって新たな発見やアプローチの変化はありましたか？

制作面では、間違いなくありました。実際のセットがあることは、俳優たちがその空間の雰囲気を作り上げるうえで非常に重要だったと思います。実際にその空間にあるものすべてに触れることができるというのは演技に大きく影響しますし、演じるうえで特別な何かを与えてくれるんです。

一部の空間を広げるためにCGIも使いましたが、誰かが“バックルーム”に触れるシーンはすべて、実際に作り込んだセットの中で撮影しています。

このような環境に身を置くことで、俳優やスタッフの意識そのものが変わるんです。どこか奇妙な、循環していくような感覚があって、明らかにフィクションであるにもかかわらず、まるでそこにはノンフィクション的な何かがあるように感じられる。実際にそこで制作していると、そうした「本物らしさ」を感じるんです。

一見見慣れているようで根本的にどこかおかしい、あの空間の不安感をどう作り出していますか？個人的には、あの部屋の「黄色」が気になっています。

あの黄色は、元になったオリジナルの画像から生まれたものです。あの画像が実際にどこで撮影されたのかは2024年になってようやく特定されたのですが、それは改装中で解体されている最中の家具店だったんです。壁も実は黄色ではなくて、カメラのホワイトバランスによって、あのように見えていただけなんですよ。

でも、『バックルームズ』が何年にもわたって黄色い空間として知られてきた以上、もうこの空間と黄色を切り離すことはできません。だから僕なりの『バックルームズ』では、実際に温かみのある黄色を採用しています。ただし、それは心地よい温かさではなく、かび臭くて古びた感じ、黄ばんだ感じというか、何かが腐っていくような感じというか。建築的には、1970年代のアメリカのインテリアデザインを意識していました。吊り天井や、特定の種類のカーペットなどを使って、あの独特のムードを作り上げようとしました。

そして不安感を作り出すことについてですが……それはやっぱり、キャラクターをどう空間の中で導いていくか、という部分だと思います。キャラクターが角を曲がる前に、観客にその先の空間を見せないようにしているんです。サウンドデザインも空間を感じさせる上で大きな役割を果たしていて、床のかすかな軋みとか、そういう細かい要素の積み重ねが、もし自分が本当にひとりでその場に立っていたら聞こえるだろう音、見えるだろうもの、感じるだろうことに、観客を近づけていくんです。あのブーンという音があるにもかかわらず、実はすごく静かで、その静けさの中で空間の小さな変化に気づいてしまう、という感じですね。そういった小さい工夫や要素が不安感を作り出していると思います。

先ほどおっしゃられたように、『バックルームズ』では音も重要な要素だと思います。サウンド面でこだわった部分についてもう少しお聞かせいただけますか？

まずサウンドデザイナーのエウジェニオ（Eugenio Battaglia）と僕で、蛍光灯のブーンという音や、床が軋む音、部屋そのものの環境音といった、本当にシンプルなアンビエンス音だけに数週間にわたって取り組みました。

劇伴に関しても、エド（Edo Van Breemen）と共同で制作していたのですが、サウンドデザインの中でほとんど形を変えていきました。音楽を削除したり、大量にリバーブをかけたり、ルームトーンに変換したり……ある意味、音楽がサウンドデザインの中に溶け込んでいったというか、サウンドデザインこそが1番重要なレイヤーだったんです。

僕らは音楽をバラバラに解体して、あらゆる奇妙なことを施しました。それは、聞いている人の耳が「今聞こえているのはその空間そのものの音なのか、それともスコアの一部なのか、あるいはその両方なのか」と迷うような、微妙な境界線上を歩くためです。僕らが本当に求めていたのは、自然で、作り込みすぎていない、いわば「音響的に嘘のない」感覚だったと思います。もし隣の部屋で何かが起きていたら、その床材の安っぽさそのものも、振動を通して感じられるような、そんな感じの。

『バックルームズ』の恐怖は、中にいる「何か」よりも、「なぜそこにいるのか分からない」という文脈の欠如から来ているように思えます。恐怖の核心は何だと思いますか？

まさにおっしゃる通り、「文脈の破壊」です。明らかに人間が作った空間なのに、その大きさからして誰にも作れたはずがなく、あまりに支離滅裂だから誰も作ろうとも思わなかったはずの空間。だからほとんど瞬時に、脳は「これは一体何なんだ？」ということを説明するために、理論や疑問をひねり出そうとし始めるんです。でも、脳がどうしても辻褄を合わせられない。それによって、今多くの人が感じているものと非常に近い精神状態に脳が置かれることになるんだと思います。

今多くの人が感じている精神状態、とはどのようなものなのでしょうか？

それは、私たちの技術・産業システム全体が過剰に最適化されていくことから来る不安や苦痛です。これは新しい現象ではなく、ある意味ずっと昔から起きていたことだとも言えますが、今、世界で文化的にも共通の話題になりつつあると思います。あらゆることにかかる時間を減らし、あらゆることに必要な人間同士の関わりを減らし、あらゆることに必要な肉体的・精神的な労力を減らしていく……そうした結果、本来あった文脈が失われ、人間の神経系に負荷をかけているんです。

そこには何か壮大な目的があるように感じられる一方で、恐ろしいのは、もしかしたらそんな大層な目的などなくて、ただ集団的な心理的グリッチのようなものが起きているだけかもしれない、ということです。私たちは地球規模でフィードバックループを作り出しつつあるのかもしれなくて、『バックルームズ』はそれの、もっとパーソナルで親密なバージョンなのかもしれません。要するに、これはノイズの中に意味を探し求めることなんだと思います。

『Youtube』シリーズと比べて映画版ではより明確な物語が語られてると思いますが、観客の想像に委ねる部分と、明確に描く部分のバランスはどのようにとりましたか？

実は『バックルームズ』には、あえて語られていないアイデアがものすごくたくさんあります。そして、仕組みとしてはそれが正しいあり方だと考えています。

映画の中では、この空間がどう機能しているのかを理解するために十分な情報を見せていると思います。ただ、それが一体何なのかまでは説明されていないので正確には分からない。でも、その余白が「もしかしたら、どこかに自分の子供時代の寝室とまったく同じようなバックルームズの空間があるんじゃないか」という想像を掻き立てます。

見つけることは一生ないかもしれないけれど、自分だけのパーソナルなつながりがこの部屋のどこかで待っているかもしれない、という感覚や、あれほど無個性な場所なのに、実はそこに自分の人生のすべてが、まだ見つけていないだけでどこかに含まれているかもしれない、という感覚が生まれるんです。

もしあなた自身が“バックルーム”に迷い込んだら、まず何をしますか？

何ができるんでしょうね（笑）。もし落ちてきたとしたら、すぐに壁を登ろうとすると思います。自分が落ちてきた場所から抜け出せないかと考えるだろうから。

それが無理だったら、たぶん……そこにいることを受け入れて、心の平穏を見つけるまでひたすら瞑想すると思います。

だって、もう出られないだろうと思うから。

最後に、あなた個人にとって『バックルームズ』とはどのような意味を持ちますか？

僕にとってこの作品は、僕が育ってきた環境にある産業やテクノロジーのシステムについて、自分なりに理解するための媒介のようなものです。

特定のシステムを批判したいわけではありません。もっと抽象的に、「システムそのもの」について考えたいんです。たとえば、ある集団が何かの仕組みを作ったとします。それが世代を超えて受け継がれ、どんどん大きくなっていくうちに、いつしか誰にもその全体像が見えなくなってしまう。誰も1人ではコントロールできないほど巨大になってしまう。そのときに起きる「考えることを手放してしまう感覚」、つまり一種の「思考の丸投げ」を描きたいんです。

これ自体は、実はそんなに珍しいテーマではありません。ただ、それが具体的にどう物語に関わってくるかについては、今は詳しく話さないでおきます。今後シリーズで掘り下げていく核心部分なので、ネタバレになってしまうからです。

もう少し個人的な話をすると、この作品は好奇心が強い僕にとって人物や業界、考え方について調べるきっかけを与えてくれる装置のようなものです。でも時々、どうしても解決できないまま残ってしまうこともあります。答えの出ないまま、ずっと続いていく。いわば「開いたままのループ」なんです。

『バックルームズ』は9月4日（金）より全国の映画館で公開中。

ケイン・パーソンズ（Kane Parsons）

2005年6月18日カリフォルニア州ペタルーマ生まれの21歳。2015年に『YouTube』チャンネル「Kane Pixels」を開設し、2022年に3DCGソフト「Blender」を駆使し独自のファウンド・フッテージ作品『The Backrooms （Found Footage）』を制作し話題となる。「A24」とタッグを組み、2026年に長編映画『バックルームズ』で映画監督デビューも果たした気鋭の映像クリエイター。

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今年6月、英国を代表するデザイナー ナイジェル・ケーボン（Nigel Cabourn）が逝去したという訃報は、ファッション業界で言葉にできないほど大きな喪失感をもたらせた。ただナイジェル・ケーボンの美学や意思は、優秀なデザインチームへ引き継がれ、より結束感を高めている。

そんなことを強く感じられたのが、9月12日（土）に世界同時発売される〈Lee（リー）〉と、〈Nigel Cabourn（ナイジェル・ケーボン）〉のワークウェア・スーチングレーベル〈Nigel Cabourn OX’ed Silver（ナイジェル・ケーボン オックスドシルバー）〉によるコラボレーションだ。〈Lee〉を代表する“101”の誕生101周年を記念した本プロジェクトでは、アメリカンワークウェアの歴史を築いてきた〈Lee〉と、ヴィンテージクロージングを独自の視点で再解釈してきた〈Nigel Cabourn〉、そして日本の職人技術を生かす〈Nigel Cabourn OX’ed Silver〉の知見を融合。両者のアーカイブとクラフトマンシップを反映したデニムコレクションが完成した。

本コレクションは、「101が誕生した1925年にヨーロッパで生産されていたなら」という仮定の元、〈Lee〉のアーカイブに独自のディテールや素材を落とし込み再構築。その象徴となるのが、28カ月もの時間を掛けて開発されたメイドインジャパンの生地“BRURRY DENIM（ブラーリー デニム）”だ。なかでもLot.2600は、1920年代にフランスで生産されたアンダーウェアを着想源に、“偶発”“不均一”“不安定”な糸の表情を意図的に再現。太さと撚りがそれぞれ異なる3種類の経糸を設計し、旧式の力織機で織り上げたセルビッジデニムに仕上げている。

コレクションでは、染色方法や綾目の異なるLot.2600、Lot.2601、Lot.2602という3種類の“BRURRY DENIM”を採用。1925〜1939年の鉄道員をイメージした“Railwayman”にはLot.2600を、1940〜1944年の牧場労働者に着想した“Ranch Worker”と、1943〜1946年のロデオクラウンをモチーフとする“Clown”にはLot.2601およびLot.2602を使用している。ここからは、3つのシリーズの背景と特徴をそれぞれ見ていこう。

Railwayman 1925〜1939

1920〜30年代、鉄道は産業の発展を支える重要なインフラとして欠かせない存在だった。“Railwayman”では、〈Lee〉がアメリカの鉄道員に向けて展開していたワークウェアをベースに、同時代のヨーロッパのワークウェアに見られるディテールを融合。ロコジャケットやオーバーオール、デニムパンツには、ハンク染めにタンニンと鉄媒染を重ねた“BRURRY DENIM”のLot.2600を採用し、奥行きのある色合いと荒々しい凹凸感を引き出している。

「RAILWAY MAN LOCO JK」ジャケット 90,200円、「RAILWAY MAN OVERALLS」オーバーオール 99,000円、「RAILWAY MAN 101」パンツ 63,800円＜すべてLee x Nigel Cabourn OX’ed Silver／OUTER LIMITS press@outerlimits.co.jp＞

Ranch Worker 1940〜1944

ワークウェアメーカーとして成長した〈Lee〉は、1925年にロットナンバー“101”を発表し、カウボーイ市場へと進出した。“Ranch Worker”では、1940年代に牧場で働いていたランチワーカーをテーマに、第二次世界大戦下の物資不足から着想。メイン素材には、右綾のLot.2601と左綾のLot.2602という2種類の“BRURRY DENIM”を採用している。インディゴにはロープ染色、グリーンには英国軍のデニムを着想源としたチーズ染色を施し、英国の物資統制規格“CC41”や英軍のバトルジャケットに見られるディテールも取り入れた。

「Ranch Worker 101-J」ジャケット 79,200円、「Ranch Worker 101」パンツ 49,500円＜ともにLee x Nigel Cabourn OX’ed Silver／OUTER LIMITS＞

Clown 1943〜1946

ロデオ会場で観客を楽しませながら、競技者の安全も守る道化役“ロデオクラウン”。ロデオが競技として発展するなか、ロデオクラウンは観客を楽しませる一方、危険な場面では倒れたライダーを雄牛から守る重要な役割を担っていた。“Clown”では、〈Lee〉のプロモーションウェアと“COWBOY 101”、ヨーロッパのワークパンツを融合。ロデオクラウンが着用していたジーンズを、“BRURRY DENIM”のLot.2601とLot.2602によって現代的に再構築している。

「Clown 101」パンツ 52,800円＜Lee x Nigel Cabourn OX’ed Silver／OUTER LIMITS＞

こうした3つのシリーズと、その核となる“BRURRY DENIM”を形にしたキーパーソンが、〈Nigel Cabourn〉の企画チーフを務めるZUKI氏だ。ナイジェル・ケーボンの右腕として知られ、20年以上にわたって本人と二人三脚でブランドのものづくりを支えてきた同氏に、“BRURRY DENIM”の開発背景と本コラボレーションの制作秘話を聞いた。

Hypebeast：まずZUKIさんのこれまでの経歴と、ブランドでの役割について教えていただけますか？

ZUKI： 90年代後半まではパリコレなどを展開するコレクションブランドで服作りをしていました。そこから魅せるための服作りよりも、素材そのものを突き詰めたいと思うようになって。それから10年ほど素材作りに没頭し、自分の立ち位置を模索していた30代半ばの時、偶然ナイジェルと出会ったんです。2006年シーズンから正式に加わり、それ以来20年間、彼と二人三脚でプロダクトを作ってきました。ナイジェルの右腕であり、“影武者”のようなポジションですね。

今回の「BLURRY DENIM」は、一般的なデニムの作り方とは根本的に異なると伺いました。具体的にどのようなアプローチをとったのでしょうか？

特に異なるのがLot.2600なので、その話をしましょう。今回のプロジェクトは、ロットナンバー101が生まれた1925年に、ヨーロッパで作られていたらという仮定の元に始まりました。そこでヒントになったのが、1920年代に生産されたフランスのアンダーウエア。不均一なストライプの出方に興味を持ち、その切れ端を調査に出したところ、１メートル間で約50％もの撚糸係数のズレがあることが判明したんですよ。そこでアメリカとヨーロッパでは、糸の紡績に大きな差があったと気付いたんです。当時の欧州は第一次世界大戦の影響もあって疲弊していました。電気の供給量が安定せず、水力や蒸気力などの不安定な動力を使っていたことが、当時の機械の技術不足も手伝い、このような不均等なムラ糸ができたのだろうと推測したんです。この不安定な紡績を取り入れたデニムを作ったら、“存在し得なかったヴィンテージ”を生み出すことができるのではないかと思ったんです。

なるほど、今回のデニムのコンセプトになった「偶発」、「不均一」、「不安定」というワードに繋がるわけですね。

例えばデニムでもよく使われる7番手の糸なら撚糸係数は、インチ間11〜12が一般的です。技術の発展した今の日本では、安定させる方が簡単なんですよ。ですが今回は、太さも撚りも異なる3種類の糸を新たに開発し、それをランダムに縦糸に組み合わせて織り上げました。工場からは「物理的に可能か分からない」と言われ、試作だけでとんでもない長さになりました（笑）。だから開発には実に28ヶ月もかかり、これは前代未聞でしたね。ただ不完全なもの、少し足りないものの中にこそ美が宿るという日本人の持つ『侘び寂び』の美学を、デニムに落とし込めたと思います。

デニムの染めにおいても特殊な手法を用いたそうですね。

Lot.2600においては、これまでに誰もやっていないアプローチをしました。ヨーロッパでも、当時は使い古したデニムなどを家屋の断熱材として使われるケースがありました。一緒に入り込んだ釘や金具、枯葉とともに長い年月を経て、壁の中でエイジングしたという仮定を立てました。それを逆説的に作るために、白く精錬していない生成りの糸にピュアインディゴのハンクダイイングを施し、枯葉起因のタンニンオーバーダイイングを重ね、最後に釘・金具起因の鉄媒染を行う流れで染色し、「偶発」、「不均一」、「不安定」を表現した壁中デッドストックのようなデニムを実現させました。この時代はアメリカと違ってヨーロッパではロープ染色が一般的ではなかったため、日本では綛染めと呼ばれるハンクダイイングを採用しました。ロープ染色とは違い、芯まで染める上にタンニンや鉄分も入るので、エイジングに関しては未知数ですね（笑）。

デザインにおいてもLeeのアーカイブに敬意を払いながらも独自のディテールを取り入れていますね。

Leeの偉大なデザインやディテールをオフィシャルで使えるというのは、作り手としてはなんとも贅沢でした。100年前にヨーロッパ企画があれば、当時のワーカーに求められたディテールを駆使すると思ったんです。例えば、カバーオールの襟をヨーロッパのフィッシャーマンウェアに見られる「ホリゾンタルカラー」にしたり、補強の仕様をドイツやイギリスのミリタリーワークウェアに見られる独特のステッチワークに変えています。アメリカ的なワークウェアの骨格に、ヨーロッパの伝統的なディテールがブレンドされている。これがナイジェル・ケーボンだからこそ表現できたハイブリッドな「違和感と美しさ」です。

今回、お披露目されたBRURRY DENIMはどれも個性的です。Leeとのコラボ以外でも使われるんでしょうか？

はい、Nigel Cabournでも展開していきます。実は納期がギリギリ間に合ったという事情もあって、BRURRY DENIMの穿き込みサンプルを作る時間がなかったんです。特にLot.2600は未知数。穿き込むことでインディゴが落ちていく一方で、タンニンと鉄分はより濃く変化していく。そこに紫外線や摩擦、湿気が加わることで、従来のロープ染色デニムとは全く異なるエイジングになるはずです。また今回作ったデニムは、5年、10年と着込んで、自分だけの味を出していけるプロダクトです。また「偶発」、「不均一」、「不安定」をテーマにしているので、生産時期でも表情が変わると思います。だから5年、10年後に「2025年ロット」「2026年ロット」というように、年式ごとの表情の違いを楽しんでもらえるような存在になれば嬉しいですね。

ありがとうございました！

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