宮下貴裕の手掛ける〈NUMBER(N)INE by Takahiro Miyashita（ナンバーナイン バイ タカヒロ ミヤシタ）〉が、アイルランド・コーク出身の5人組インディーロックバンド Cardinals（カーディナルズ）とのコラボレーションアイテムを「SUMMER SONIC 2026（サマーソニック 2026）」の東京・大阪会場限定でプレオーダーを受け付ける。

今回登場する限定Tシャツは、BLACKとWHITEの2色をラインアップ。価格は31,900円（税込）で、購入者には限定缶バッジが付属する。本アイテムは、「SUMMER SONIC 2026」開催期間中に各会場の対象エリアからスマートフォンでアクセスしたユーザーのみ購入可能な予約販売アイテム。東京会場では8月14日（金）9:00〜23:59、 大阪会場では8月15日（土）9:00〜23:59の期間に販売受付を行う。購入にはGPS機能を搭載したスマートフォンが必要となり、各会場の対象エリア外からは購入できない仕様となっている（*商品の発送は10月下旬予定）。なお、通常販売は8月19日（水）21:09より開始を予定している。詳細については、公式サイトでご確認を。

【Artist Profile】

Cardinals（カーディナルズ）
アイルランド・コーク出身の5人組インディー・ロック・バンド。ユアン・マニング（ヴォーカル＆ギター）とフィン・マニング（アコーディオン）の兄弟を中心に、従兄弟のダラー（ドラムス）、元同級生のオスカー・グディノヴィック（ギター）、アーロン・ハーレー（ベース）で構成される。家族と旧友による強い結束も、彼らの音楽性を支える大きな特徴となっている。

2022年に初シングルを発表。2023年には『Roseland』で英「So Young Records」との契約を獲得し、フォンテインズD.C.のサポートも務めた。さらに、グリアン・チャッテンから「自分のお気に入りのアイルランドのバンド」と評されたことで注目を集め、アイルランドのインディー・ロック・シーンを担う新鋭として頭角を現す。2026年2月にはデビュー・アルバム『Masquerade』をリリース。アイルランド民謡の伝統と現代的なインディー・ロックをアコーディオンを軸に融合し、シネマティックで大胆なサウンドを展開。『The Burning of Cork』『Anhedonia』『I Like You』など全9曲を通して、故郷コークの美しさとその裏側にある葛藤を文学的かつ物語性豊かに描き出している。『NME』からは「インディー界の次なる偉大なストーリーテラー」と評され、2026年を代表するデビュー・アルバムのひとつとして高い評価を受けている。

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愛媛県出身の気鋭ラッパー GOUU（ゴウ）が、地元の観光名所として知られる“道後（どうご）”をテーマにしたニューシングル『DOGO』を本日8月12日（水）にリリースした。

わずか2週間前にリリースされた話題作『IYO』に続く今作は、前作のトーンから一転、アッパーで疾走感溢れるビートに乗せてGOUUらしいユーモアと鋭さが交差するリリックを吐き出す、ライブ映え必至の仕上りに。トラックプロデュースは、お馴染みのYohji Igarashiが担当した。

ミュージックビデオは前作『IYO』に引き続き、映像作家のKosei Maeda（BULL FILM）が監督を担当。道後温泉の象徴的なスポットである“カラクリ時計”や“道後ハイカラ通り”などを舞台に、地元の熱量を捉えた見応えのある映像世界を構築している。また、ジャケットのアートワークはアーティスト/グラフィックデザイナーのYoshitaka9が手掛けており、道後温泉の伝統的な建築美や和の要素を踏襲しながらも、どこか異質な世界観へと昇華した。

地元への愛と自身のフッドフックを込めた楽曲について、GOUUは次のようにコメントしている。

この楽曲は僕の地元である「道後」をテーマに書いた楽曲になります。
からくり時計や白鷺など道後にまつわるものがリリックに多く出てきます。
中でも「首本と地元の空は銀天 色が変わる頃に俺はBig Name」というラインはとても気に入っています。「メガネに前髪パッツン 地元で流行らす次のトレンド」は実現させたいです。

GOUU

さらに、2026年8月28日（金）には最新EP『ProtoTape2』をリリースすることを発表。先行配信された『IYO』と『DOGO』の2曲がどのように作品全体へと繋がっていくのか、EPの配信に向けて大きな期待が高まる。

GOUU『IYO』
レーベル：GOUU
リリース日：2026年8月12日（水）
フォーマット：デジタル・シングル
配信リンク

【Artist Profile】

GOUU（ゴウ）
2002年生まれ。ナードな風貌から繰り出される低音ボイスと自分を曝け出した等身大のリリックがどこか不気味な存在感を放つ、愛媛県出身のラッパー。2023年12月に『Qs』のリリースを皮切りに活動を開始。2024年9月にはオーディションを勝ち抜き、お台場にて行われた「THE HOPE 2024」にオープニングアクトとして出演し、大きな注目を浴びる。2025年8月1日には初のEP『ProtoTape』を『Hypebeast』の展開する音楽ディストリビューション・レーベルブランド「Hypetrak」からリリース。同年10月には恵比寿『Batica』にてリリースパーティを開催した。

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〈PALACE SKATEBOARDS（パレス スケートボード）〉が、北海道発のブランド〈South2 West8（サウス2 ウエスト8）〉との最新コラボレーションを発表した。ハイキングやテンカラ釣り、スポーツウェアをルーツに持つ〈South2 West8〉の機能的なプロダクトに、〈PALACE SKATEBOARDS〉らしいストリートのエッセンスを融合した全9型のカプセルコレクションが登場する。

本コレクションでは、〈South2 West8〉を象徴するアウトドアの機能美をベースに、存在感のあるカウチンセーターや、渓流釣りを想定してデザインされたRiver Trek Jacketなどがラインアップ。3レイヤーシェルを採用したジャケットには、大型の3Dポケットや両ブランドのロゴを配したシームテープを備え、フィールドでの実用性とデザイン性を両立させている。

また、オリジナルのオリーブカモフラージュ柄をリップストップ素材のオーバーシャツに落とし込んだほか、〈PALACE SKATEBOARDS〉のTri-Fergロゴと〈South2 West8〉の鹿ロゴを組み合わせたグラフィックTシャツも展開。両者のアイデンティティをミックスしたグラフィックにも注目したい。

今回のキャンペーンでは、最新カプセルコレクションを身にまとった〈PALACE SKATEBOARDS〉チームが、カリフォルニア州のスラブ・シティを訪問。「アメリカ最後の自由な場所」とも称される同地は、ソノラ砂漠に位置する独自のコミュニティとして知られており、荒涼とした砂漠の風景を舞台に、本コレクションの世界観を映し出している。

スポーツウェアからは、フットボールジャージーをはじめ、リラックスしたシルエットのトラックジャケット＆パンツ、ヘビーウェイトのダブルジップフーディーなどが登場。ブラックとオリーブを基調としたカラーリングに、コントラストの効いた両ブランドのロゴを配置している。ロゴデザインは、森林などで着用されるハイビジビリティ仕様のハンティングウェアから着想を得たものだとのこと。

〈PALACE SKATEBOARDS〉x〈South2 West8〉最新コラボコレクションは、8月15日（土）11:00より『Palace Skateboards Tokyo』『Palace Skateboards Osaka』『Palace Skateboards Fukuoka』および日本版公式オンラインストア、『DOVER STREET MARKET GINZA』にて販売開始。

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音楽家・細野晴臣が、2026年9月11日（金）にリリースする23作目のスタジオアルバム『Yours Sincerely（ユアーズ・シンシアリー）』からの第2弾先行シングルとなる『Sincerely（シンシアリー）』の配信を本日8月12日（水）よりスタートした。

今作『Sincerely』は、1950年代にThe Moonglows（ザ・ムーングロウズ）が発表したDoo-Wop（ドゥーワップ）の不朽の名曲のカバー。手紙の結び言葉（敬具）であり、アルバムタイトル『Yours Sincerely』の由来ともなった象徴的な楽曲だ。

細野晴臣は今回、この名曲に自ら新たな日本語詞を書き下ろして制作。「Sincerely」という言葉が本来持つ「心から」という意味に着目し、“心からの思いやり”や“愛情”をテーマに、原曲へのリスペクトを捧げながら新たな解釈で再構築。アコースティックなサウンドに寄り添う穏やかな歌声と、愛や優しさに溢れたメロディが心に染み渡る、アルバムのメッセージを象徴する必聴の一曲となっている。なお、ジャケットのアートワークはアルバム同様、堀米春寧が手掛けた。

細野晴臣『Sincerely』
レーベル：Echoes（Sony Music Entertainment（Japan）Inc.
リリース日：2026年8月12日（水）
フォーマット：デジタル・シングル
配信リンク

また、ニューアルバム『Yours Sincerely』の国内パッケージ商品（CD/LP等、*カセットテープを除く）の購入者を対象としたスペシャル特典も発表。アルバム封入のシリアルコードで応募した方の中から抽選で、2027年に東京・大阪の2都市で開催予定のオフライン試聴会イベント「PLAYBACK SESSION」へ招待される。細野晴臣本人が登壇する貴重な機会となるため、ファンは続報をチェックしておきたい。

さらに、8月21日（金）〜23日（日）に開催される大型音楽配信イベント「YouTube Music Weekend 12.0」にて、細野晴臣がヘッドライナーを務めることが決定。最終日となる8月23日（日）21:30より、SNSを中心に絶大な人気を誇るパペットの国〈トゥーホック〉の6歳キャラクター・パペットスンスンとのコラボレーション動画が配信される。ゲストとして水原希子、水原佑果も出演し、異色のコラボレーションが実現する。なお、映像は両者の活動をサポートする「Sony Music（ソニー・ミュージック）」内のレーベル「Echoes（エコーズ）」の公式『YouTube』チャンネルにて公開される予定だ。

【リリース情報】

細野晴臣 『Yours Sincerely』
発売日：2026年9月11日（金）
Pre-add / Pre-saveリンク

■完全生産限定盤 アナログレコード豪華BOX仕様
形態：完全生産限定盤
品番：XSJL-10~11
仕様：ボックス仕様+LP 1枚(アザージャケットver.)＋2つ折りブックレット(セルフライナーノーツ付)＋アートシート＋ポストカード6枚セット＋お手紙＋切手型付箋＋鉛筆セット(鉛筆2本＋鉛筆削り)＋オリジナルマグネット
価格：14,300円（税込）

■完全生産限定盤 アナログレコード通常仕様
形態：完全生産限定盤
品番：XSJL-12
仕様：LP1枚組(通常ジャケットver.)+2つ折りブックレット(セルフライナーノーツ付)
価格：4,400円（税込）

■完全生産限定盤 CD 豪華BOX仕様
形態：完全生産限定盤
品番：XSCL-142~143
仕様：ボックス仕様+CD1枚組(アザージャケットver.)＋48Pスペシャルフォトブック(セルフライナーノーツ付)+アートシート＋ステッカー2種
価格：9,900円（税込）

■初回生産限定盤 CD
形態：初回生産限定盤
品番：XSCL-144~145
仕様：CD1枚組(通常ジャケットver.)+24Pブックレット(セルフライナーノーツ付)+オリジナルハンカチ
価格：6,050円（税込）

■通常盤 CD
形態：通常盤
品番：XSCL-146
仕様：CD1枚組(通常ジャケットver.)+24Pブックレット(セルフライナーノーツ付)
価格：3,850円（税込）

■カセットテープ
形態：完全生産限定盤
品番：XSTL-1
仕様：カセットテープ＋歌詞ブックレット
価格：3,300円（税込）

[CD収録曲] *全10曲 CD/LP/カセットテープ共通
(01) Note of Mothership
(02) Sincerely
(03) Ayurveda
(04) M for Mandala
(05) Rojiura
(06) Happy Holiday
(07) To a Wild Rose
(08) Humming "Dream of Love"
(09) Figlio Perduto
(10) Anemo Wheel

[アナログレコード・カセットテープ収録曲] *全10曲CD/LP/カセットテープ共通
【SIDE A】
(01) Note of Mothership
(02) Sincerely
(03) Ayurveda
(04) M for Mandala
(05) Rojiura

【SIDE B】
(01) Happy Holiday
(02) To a Wild Rose
(03) Humming "Dream of Love"
(04) Figlio Perduto
(05) Anemo Wheel

≪店舗別購入特典≫
■Amazon.co.jp ・・・ メガジャケット（各ジャケット絵柄）
■TOWER RECORDS全店（オンライン含む）・・・ステッカー TYPE A
■HMV全店（HMV&BOOKS Online含む / 一部店舗除く）・・・ステッカー TYPE B
■その他応援店・・・ステッカー TYPE C
予約リンク

【注意事項】
*特典は先着となり、無くなり次第終了。
*特典の有無の詳細は各店舗までお問い合わせください。
*ご予約いただいたお客様は、各商品のお受け渡し時にお渡し予定。

【国内ライブ情報】

LIQUIDROOM 22nd Anniversary -Haruomi Hosono The Yours Sincerely Tour – Prelude
日程：2026年9月2日（水）
会場：LIQUIDROOM
住所：東京都渋谷区東3-16-6
開場／開演：18:30／19:30　
チケット料金：一般 7,500円/U-23 6,500円
（オールスタンディング/ドリンク代別/税込）
*枚数制限：2枚
*未就学児入場不可、小学生以上チケット必要
*U-23チケットは公演当日23歳以下の方が対象。
当日、年齢確認のできる公的身分証明書をご持参ください。
公式サイト

【USツアー 公演概要】

The Yours Sincerely Tour
日程/会場：
2026年9月16日（水）アメリカ・ニューヨーク公演 ＠Radio City Music Hall（ゲスト：Toro y Moi）
2026年9月20日（日）アメリカ・ロサンゼルス公演 ＠The Greek Theatre（ゲスト：Toro y Moi）
*チケット販売、公演詳細はこちら

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国内外で活躍を続ける画家・現代美術家の井田幸昌による個展 “ポイエシスの彼方（Over the Poiesis）”が、東京・天王洲エリアに新たにオープンした『Gallery 地動説』にて開催中。会期は2026年8月4日（火）から9月26日（土）まで。

本展は、現代美術シーンの新たな発信拠点として始動した『Gallery 地動説』の記念すべきこけら落とし展。作家が新たな表現の領域として取り組む、ヌードをモチーフとする最新作シリーズが国内で初めて展示される。これまで家族や著名人を描く《Portrait》シリーズなどを通して、一貫して“人間の実存”と向き合ってきた井田幸昌。近年、拠点をロンドンへと移し、戦争や身近な人の死、差別的経験に直面する中で、国籍や文化背景によって人と人との間に境界線が引かれてしまう現実に着目した。

その結果たどり着いたのが、あらゆる社会的・文化的な属性を取り払い、「人間そのもの」を見つめ直すという視点だ。古典的な“ヌード”というモチーフへ立ち返り、写実からの再出発と脱構築を繰り返すことで、自らの絵画表現の根源を問い直した作品群となっている。展覧会名にある「ポイエシス」とは、古代ギリシャ語で「無から有を生み出す行為」を意味する。

SNSやデジタルデバイスの発達により誰もが画像を生成できる時代において、あえて目の前に存在する「生身の人間」と対峙し、その肉体と呼吸を克明に描き留めること。今回の挑戦にあたり、井田幸昌は次のようにコメントを寄せている。

この数年間、拠点をロンドンへ移し、さまざまな国を巡りながら制作を続ける中で、芸術との向き合い方や作品との距離感は大きく変化しました。その変化は決して良いことでも悪いことでもなく、作家としてごく自然な変化なのだと思います。

けれど、その先で改めて強く感じたことがあります。私は、見たものしか描けないということです。

いま、デバイスやSNSの発達によって、誰もがポートレートを生み出し、誰もがポートレート作家になれる時代が訪れました。80億を超える人々が生きるこの世界で、「人を描く」という行為は、かつてとはまったく違う意味を持ち始めています。

だからこそ私は、身体を克明に写し取ることへと立ち返りました。目の前に存在する一人の人間と向き合い、その時間や呼吸、偶然の出会いを描き留めたいと思ったのです。

この広大な世界で、奇跡的に出会うことのできた人々を描いた作品群。その連作の一部を、母国である日本で発表できることを心からうれしく思います。ご高覧いただけましたら幸いです。

井田幸昌

また、美術評論家の南條史生氏は彼の制作について「『絵画とは何か、彫刻とは何か』という問いに対する回答の連鎖であり、この時代、この場所に彼が生きて存在したことの証（実存）につながっていく」と評している。天王洲の新たなアートスポットで、既存の価値観を揺さぶる井田の作品群と対峙してみてはいかがだろう。なお、9月9日（水）には作家本人によるトークイベントの開催も予定されている。

井田幸昌 “ポイエシスの彼方”
会期：2026年8月4日（火）〜9月26日（土）
開廊時間：12:00-17:00
休廊日：日曜・月曜・祝日、8月9日（日）〜17日（月）（*夏季休廊）
会場：Gallery 地動説
住所：東京都品川区東品川2-6-4 G1ビル101
アクセス：東京モノレール 天王洲アイル駅徒歩7分りんかい線 天王洲アイル駅より徒歩7分
主催：エヌ・アンド・エー株式会社
協力：ソニー・ミュージックエンタテインメント
公式サイト

【井田幸昌トークイベント】
日程：2026年9月9日（水）
*詳細は決定次第、公式サイトやSNS等で告知

【Artist Profile】

井田幸昌（Yukimasa Ida）
画家・現代美術家。1990 年鳥取県生まれ。2019年東京藝術大学大学院油画修了。2018年『Forbes JAPAN』主催「30 UNDER 30 JAPAN」に選出。2021年〈Dior（ディオール）〉によるアートプロジェクト “Lady Dior Art” #6に参加。2022 年鳥取県文化奨励賞を受賞。2022年、スペイン・マラガのピカソ生誕地ミュージアムにて、アジア人アーティストとして初めて招聘を受け、個展を開催。2023 年には米子市美術館および京都市京セラ美術館にて個展を開催するなど、国内外で継続的に作品を発表している。
公式サイト

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BIMとJUMADIBAが、ダブルネームによる新曲『Mainichi』を本日8月12日（水）にリリースした。

BIMは今年5月、これまでの楽曲を新たに再構築した作品集『Be:』を発表。『Kanadevia Hall』を含むワンマンライブを開催するなど、精力的な活動を続けている。一方、JUMADIBAは『Fuck』や『ジョガボニート』などの新作を発表し、複数のミックステープを経て、今夏には自身初となる1stアルバムのリリースを控えている。

そんな両者がタッグを組んだ『Mainichi』では、Gen Yamadaがプロデュースを担当。さらにストリングスにはBadFriendsが参加し、アートワークの写真を安保涼平が手がけている。BIMとJUMADIBAそれぞれのリリックと、Gen Yamadaによるプロダクションが交差する注目のコラボレーションに仕上がった。

BIM, JUMADIBA『Mainichi』
リリース日：8月12日（水）
レーベル：SUMMIT, Inc./CANTEEN
プロデュース：Gen Yamada
Additional Strings：BadFriends
ミックス：The Anticipation Illicit Tsuboi（KHORDLINE inc.）
マスタリング：Nicolas de Porcel（Million Doller Snare）
カバーフォト：Ryohei Ambo

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ロッククライミングギアから着想を得たライフスタイルブランド〈topologie（トポロジー）〉が、2026年8月7日（金）、大阪『心斎橋PARCO』の地下1階に『topologie 心斎橋PARCO店』をオープン。大阪では2店舗目となる新店舗が誕生した。

2018年、フランスと日本のロッククライミング愛好家によって誕生し、クライミングギアにルーツを持つ〈topologie〉は、アウトドア由来の機能性と都市生活に馴染むデザインを融合したバッグやアクセサリーを展開している。なかでも象徴的なのが、バッグとストラップを自由に組み合わせられる「topologie Wares System™」。120種類以上のストラップから好みの組み合わせを選ぶことで、1,000通り以上のカスタマイズが可能となっている。

軽量や撥水性に優れた素材や機能的なポケット構造など、実用性にもこだわりながら、持つ人それぞれのスタイルに合わせた自由な使い方を提案。「冒険心を持って街を旅する」というコンセプトのもと、都市の日常に新たな視点をもたらしている。

今回は、オープン初日となる8月7日（金）の『topologie 心斎橋PARCO店』の様子を、東京・大阪を中心に活動するDJコレクティブ FULLHOUSE（フルハウス）のメンバー YUVIE をホストに迎えレポート。店内を巡りながら、豊富なバッグとストラップの中から好みの組み合わせを選び、自分だけの〈topologie〉バッグをカスタマイズした。

さらにYUVIEは、オープンを記念して3日間限定で開催された、「Custom Patch Workshop」にも参加。自分らしく組み上げたバッグに遊び心のあるアクセントを加え、よりパーソナルなオリジナルの1点に仕上げた。YUVIEは、「これをつけてフェスに行きたいです」など、楽しくコメントしているので、詳細は以下のReelsをチェックしてみよう。

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topologie 心斎橋PARCO店
住所：〒542-0085 大阪府大阪市中央区心斎橋筋1-8-3 心斎橋パルコB1F
営業時間：10:00〜20:00　※休業日は心斎橋パルコに準ずる
Tel: 06-4256-2676

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概要

Jacob Elordiが、Ari Asterの新作映画“Scapegoat”でScarlett Johanssonと共演する方向で現在交渉中だ。本作はA24とSquare Pegが製作を手がけるが、ストーリーの詳細はまだ明かされていない。今回のキャスティング案は、Elordiが“Frankenstein”“Wuthering Heights”、そして“Euphoria”最終シーズンなどへ続けて出演している流れに続くものとなる。

映画配給会社「A24（エー24）」とアリ・アスター（Ari Aster）が手がける新作長編『スケープゴート』に、アカデミー賞ノミネート経験を持つ俳優 ジェイコブ・エロルディ（Jacob Elordi）がスカーレット・ヨハンソン（Scarlett Johansson）と共演するべく出演交渉中だという。本作は、アスターと「A24」による最新のタッグとなる。

本作はアスターが脚本・監督を務め、彼とラース・クヌーセン（Lars Knudsen）が立ち上げたプロダクション「Square Peg（スクエア・ペグ）」が製作を手がける。公式のあらすじは明かされていないが、業界では医師とインターネットパーソナリティを軸にしたスリラーから、SFロマンス、人物ドラマまで、さまざまな内容が予想されている。

エロルディの出演交渉は『Deadline』が最初に報じたもの。ギレルモ・デル・トロ（Guillermo del Toro）監督作『フランケンシュタイン』でアカデミー賞とゴールデン・グローブ賞にノミネートされ、エメラルド・フェネル（Emerald Fennell）監督作『嵐が丘』に出演。さらに「HBO（エイチビーオー）」のドラマ『ユーフォリア』での出演を終えるなど、精力的に活動するなかでの新たな一報となった。

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トレマイン・エモリー（Tremaine Emory）の手がける〈Denim Tears（デニム ティアーズ）〉が、2026年秋冬コレクションのルックブックを公開。今季は、米『Vogue』誌初の黒人クリエイティブ・ディレクターであり、ファッション界の伝説的存在である故 アンドレ・レオン・タリー（André Leon Talley）のエステート（遺産管理団体）との公式コラボレーションを軸に展開される。

エステートとして初のアパレルコラボレーションとなった本コレクションは、全153ピースという圧巻のボリュームで登場。1990年代後半から2000年代初頭にかけて、アンドレ・レオン・タリーがヨーロッパのオートクチュールとブラック・デザイナーによるストリートウェアを軽やかに融合させ、業界の歴史を塗り替えた革新的なスタイルに焦点を当てている。

当時、〈Billionaire Boys Club（ビリオネア・ボーイズ・クラブ）〉や〈Dapper Dan（ダッパー・ダン）〉、〈Phat Farm（ファット・ファーム）〉、〈Rocawear（ロカウェア）〉といった黒人デザイナーたちが立ち上げたブランドを評価し、ランウェイのフロントロウで自ら好んで着用していたアンドレ・レオン・タリー。今季の注目は、彼が着用していた名前入りのビジュー加工の「NAACP（National Association for the Advancement of Colored People：全米黒人地位向上協会）」カスタムTシャツをライセンス取得の上で復刻。さらに、〈STÜSSY（ステューシー）〉との継続コラボ “STÜSSY TEARS”、〈Billionaire Boys Club〉との共作、そしてLAを拠点にエアブラシアートでアフリカン・アメリカン・カルチャーを描くアーティスト Spacebrat（スペースブラット） とのコラボレーションアイテムがラインナップする。

アウター類も充実しており、PrimaLoft®（プリマロフト）を詰め込んだパファージャケットやベスト、ワークウェアジャケット、レザー構造のプロダクト、リバーシブル仕様のヴァーシティジャケットなどを展開。ブランドの象徴である“Cotton Wreath（コットンリース）”グラフィックは、ペイズリー、モノグラム、ピースリース、シングルリースの刺繍へと多様に再解釈されている。

また、ルックブックにはデザイナーのアンドレ・ウォーカー（Andre Walker）やエドワード・ブキャナン（Edward Buchanan）、ジャーナリストのアシャンティ・オースティン（Ashantéa Austin）らがモデルとして起用された。今回のコレクション発表にあたり、トレメイン・エモリーおよびアンドレ・レオン・タリー財団は次のようにコメントしている。

90年代から晩年にかけて、アンドレは常にシックでラグジュアリー、そしてクールでスポーティ、何より『紛れもないブラック（Unmistakably Black）』なスタイルを体現していました。当時誰も着ていなかった時代に、彼はいち早くブラック・デザイナーたちの服をフロントロウで着用した。今季は、アフリカン・ディアスポラの服と伝統的なファッションを軽やかにミックスした彼のスタイルと、その社会的意味を探求しています

トレマイン・エモリー（Denim Tears デザイナー）

アンドレは、ファッションとはカルチャーであり、歴史であり、他者に機会を創出することだと信じていました。彼が黒人デザイナーたちを支持し、アフリカン・ディアスポラの豊かな文化を祝した姿勢を称える本コレクションを通じて、彼の遺志が未来の世代へインスピレーションを与え続けることを誇りに思います

André Leon Talley Estate

〈Denim Tears〉2026年秋冬コレクションは、8月14日（現地時間）よりグローバルローンチ予定。まずは立ち上がりに備えて、ルックブックをチェックしておこう。

ブランド：Denim Tears
シーズン：2026年秋冬

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〈New Balance（ニューバランス）〉の“Made in UK” 991v2より、日本限定モデルの新色 “Brown（ブラウン）”が登場する。

今回のモデルでは、秋冬のスタイリングに馴染む深みのあるブラウンを基調に、プレミアムな素材使いで991v2のクラシックなランニングシルエットを再構築。アッパーにはピッグスキンスエードを採用し、マッドガードやアイステイ、カラー、ヒールといった各所を覆うように配置している。

トゥボックスとサイドパネルには通気性に優れたオープンメッシュを組み合わせ、濃淡の異なるブラウンでレイヤード感を演出。ミッドフットにはダークグレーの“N”ロゴを配し、随所に施されたライトカラーのステッチが全体にコントラストを加えている。さらに、トーナルカラーのシューレースやリフレクティブ素材、タンの“Made in England”ラベル、ヒールの“v2”ロゴなど、細部まで同モデルらしいディテールを踏襲。

ミッドソールにはチャコールカラーのFuelCellとENCAPを組み合わせたユニットを搭載。ヒールと前足部にはスモークカラーのABZORB SBSポッドを配置し、衝撃吸収性を確保。足元をブラックのラバーアウトソールで引き締め、テクニカルな機能性と落ち着いたカラーリングを両立している。

〈New Balance〉Made in UK 991v2 “Brown”は、8月14日（金）より日本国内で発売予定。価格は39,600円（税込）。

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〈Timberland（ティンバーランド）〉が、同ブランドのアーカイブに残る“Concrete”カラーを再解釈したConcreteコレクションを発表した。

1990年代に登場した同ブランドのアイコニックな“Concrete”カラーをベースに、ニュートラルなグレーを〈Timberland〉を代表する複数のシルエットへと落とし込んだ本コレクション。メンズ・ウィメンズの双方からラインアップを揃える。

メンズでは、定番のHeritage 6-Inch Waterproof Bootが登場。90年代を象徴する“Concrete”カラーをプレミアムなアッパーに採用し、〈Timberland〉らしい堅牢な構造と防水性を備えたアイコニックなワークブーツを、落ち着いたグレートーンで仕上げた。

またMen’s Euro Hikerは、アウトドアと都市部の双方に対応するハイブリッドなハイキングシューズとしてラインアップ。EVAフットベッドとミッドソールによるクッション性に加え、スチールシャンクによる安定したアーチサポート、さまざまな路面でのグリップ力を高めるラバーアウトソールを搭載する。

ウィメンズでは、〈Timberland〉のクラシックなデザインを現代的にアップデートしたStone Streetシリーズにフォーカス。Women’s Stone Street Platform Boat Shoeは、トラディショナルなボートシューズのシルエットに厚底のプラットフォームソールを組み合わせ、都会的なルックスへと再構築した。

さらにWomen’s Stone Street Platform 6-Inch Bootでは、ブランドを代表する6インチブーツを大胆なプラットフォーム仕様にアレンジ。ボリュームのあるラバーラグアウトソールに加え、マットなグレーのアッパー、レザーシューレース、パッド入りレザーカラー、メモリーフォームフットベッドを採用し、存在感のあるルックスと快適な履き心地を両立している。

〈Timberland〉Concreteコレクションは、現在海外の〈Timberland〉公式オンラインストアなどにて販売中。なお日本での展開は未定だ。

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『BEAMS（ビームス）』が、〈Converse（コンバース）〉とのスペシャルモデル ALL STAR J HI / BEAMS 50th、ALL STAR J OX / BEAMS 50thを発売する。

今回のコラボレーションでは、『BEAMS』の創業年である1976年当時のALL STARにフォーカス。現行モデルでは見られない当時のディテールを随所に再現し、両者の歴史と関係性を落とし込んだ特別仕様に仕上げている。

アッパーには、洗い加工を施したFADED BLACKのキャンバスを採用し、履き込まれたヴィンテージシューズを思わせる風合いを演出。1976年当時のALL STARに見られたサイドステッチや、HIカットモデルにはノッチ付きアンクルパッチ、コットンシューレースなどを採用している。

さらに、ヒールラベルには“MADE FOR BEAMS”の文字を配し、テープにはヴィンテージライクな生成りカラーを採用。インソールには〈Converse〉のMADE IN JAPANロゴと『BEAMS』ロゴをあしらったダブルネーム仕様とすることで、別注モデルならではのディテールを加えている。

パッケージには、1970年代当時のデザインをモチーフにした専用ボックスを用意。シューズ本体だけでなく、プロダクトを取り巻く背景まで楽しめる仕様となっている。

本モデルは、8月22日（土）より『BEAMS』取扱店舗および『BEAMS』公式オンラインストアにて発売。なお、オンラインでは同日12:30より販売開始予定。価格はハイカットのALL STAR J HI / BEAMS 50thが25,850円、ローカットのALL STAR J OX / BEAMS 50thが25,300円（※共に税込）。サイズはメンズが25〜30cm、ウィメンズが23.5〜24.5cmでの展開だ。

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〈nonnative（ノンネイティブ）〉と〈Gramicci（グラミチ）〉が、2026年夏シーズンを締めくくるスペシャルアイテムとして、リネンコットン素材を用いた新作パンツを発売する。

今回登場するのはWALKER ST EASY PANTS（40,700円）とWALKER EASY SHORTS（35,200円）の2型。〈Gramicci〉が培ってきた機能性に、天然素材ならではの快適性を掛け合わせたコラボレーションアイテムとなっている。

素材には、リネンをベースにコットンを混紡したオックスフォード生地を採用。ざらりとした表情のあるテクスチャーに加え、リネン糸が持つ吸水性と肌への接触面積の少なさによって、汗ばむ夏場にも快適な穿き心地を実現している。さらに、時間をかけた揉み込み洗い加工を施すことで、素材に奥行きのある豊かな風合いをプラス。さらに、生地にはオックスフォード織りとしては珍しい310g/mのしっかりとした厚みを持たせ、夏に限らずオールシーズン着用できる仕上がりに。

WALKER ST EASY PANTSは、今シーズン注目を集めるワイドストレートシルエットを採用。一方のWALKER EASY SHORTSは、ゆったりとしたシルエットのショートパンツに仕上げられている。カラーは両モデルともナチュラル、カーキブラウン、ブラックを展開。リネン特有の柔らかな質感を引き立てる、落ち着いた色合いが揃う。

〈Gramicci〉x〈nonnative〉新作パンツは、8月15日（土）より『the nonnative shop』『the nonnative shop Osaka』『COVERCHORD Fukuoka』『Gramicci Harajuku』および『COVERCHORD』公式オンラインストア、〈Gramicci〉公式オンラインストアにて販売開始。

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UPDATE（2026/8/12）：〈Nike〉から1994年の名作 Tiempoをデイリーユースに対応するモデルとして現代に復活させたCryoshot Tiempo '94 OG（クライオショット ティエンポ '94 OG）のリリース日が決定。オリジナルのDNAを残しつつ、日常のさまざまなシーンに対応するモデルへと進化した1足は、海外では8月22日（現地時間）より『SNKRS』などで販売開始。カラーは“Black and White”を展開し、価格は245ドルとなる。

ORIGINAL（2026/7/2）：〈Nike（ナイキ）〉のサッカースパイクをライフスタイル仕様へと再構築するCryoShot（クライオショット）シリーズから、1994年に登場した初代 Tiempo（ティエンポ）が現代に蘇る。

〈Nike〉はワールドカップイヤーに向けて、Mercurial R9（マーキュリアル R9）やTiempo Legend Ronaldinho（ティエンポ レジェンド ロナウジーニョ）といった歴代の名作スパイクを、オリジナルカラーを踏襲したライフスタイルモデルとしてCryoshotシリーズから展開してきた。そして最新作では、ブランドのフットボールカテゴリーにおける転機となった初代 Tiempoにスポットライトを当てる。

1994年は〈Nike〉のフットボール史における大きな転換期。当時、サッカー市場では〈adidas〉や〈PUMA〉が圧倒的な存在感を放ち、〈Nike〉は後発ブランドという立場にあった。しかし、アメリカで初めて開催された「FIFA ワールドカップ」に合わせ、イタリア・モンテベルーナの職人たちと共同開発したプレミアムスパイク Tiempo Premier（ティエンポ プレミア）を投入。上質なカンガルーレザーを採用したその1足は高く評価され、決勝戦を戦ったブラジル代表とイタリア代表の両チームの選手計9名が着用したことで、一躍〈Nike〉の存在感を世界に示すこととなった。

今回登場するCryoshot Tiempo 94は、そのオリジナルモデルのカラーリングを忠実に再現。ブラックレザーのアッパーにホワイトのスウッシュとヒールロゴを組み合わせ、クリアTPUフレームの内側にはホワイトのスパイクを配置。さらに、インソールとシュータン裏にはゴールドのブランドロゴを配し、クラシックな佇まいに上質なアクセントを添えた仕上がりに。本作の価格は200ドルで、2026年秋頃にリリースされる見込み。現時点でこれ以上の詳細は確認できていないため、今後の続報をお見逃しなく。

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滝沢伸介率いる〈NEIGHBORHOOD（ネイバーフッド）〉が、150年以上の歴史を持つ英国の老舗シューズブランド〈SANDERS（サンダース）〉との3度目となるコラボレーションを発表。両者のアイデンティティを融合したコラボレーションシューズが、8月15日（土）より発売される。

今回のコラボレーションでは、〈SANDERS〉を代表するモデル BRIT CHUKKA（ブリット チャッカ）をベースに採用。アッパーにはワックス加工を施したカウレザーを使用し、泥や水の侵入を防ぐマッドガード製法を組み合わせることで、無骨なルックスと実用性を兼ね備えた仕上がりに。

ディテールには〈NEIGHBORHOOD〉らしいグラフィックを落とし込み、トゥ部分に“FILTH / FURY”の文字を配置。さらに、内側のサイドにはブランドロゴの型押しを施し、ヒールには着脱をサポートするループをあしらっている。カラーは“BLACK”と“BROWN”の2色をラインアップ。英国の伝統的なシューズメイキングと〈NEIGHBORHOOD〉の持つストリートカルチャーが融合したスペシャルモデルが誕生した。

〈NEIGHBORHOOD〉x〈SANDERS〉BRIT CHUKKAは、8月15日（土）より〈NEIGHBORHOOD〉直営店および公式オンラインストア、全国の『HOODS』各店、正規ディーラーにて販売開始。。価格は93,500円（税込）となる。

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世界的なターコイズコレクターとして知られ、長年にわたりネイティブアメリカンのアーティストや現地関係者と交流を重ねてきた〈SKYSTONE TRADING（スカイストーン・トレーディング）〉の小寺康友。そんな彼が、自身の膨大な知識とコレクションを凝縮した新著『Skystone』を発売した。

小寺といえば、2008年に刊行した『完全版ターコイズ・ブック』でも知られる存在。自らアメリカの鉱山へ足を運び、採掘者やネイティブアメリカンのアーティストたちとの関係を築きながら、長年にわたってターコイズを収集・研究してきた人物だ。現在ではディーラーのみならず、自らジュエリー制作も行い、希少なトップグレードのターコイズを用いた作品を発表している。

前著から実に18年を経て完成した『Skystone』では、その間に新たに判明した事実を書き加えるとともに、前著では紹介されなかった鉱山まで網羅。Red Mountain、Bisbee、Lone Mountain、Number Eightなど、ターコイズ好きなら一度は耳にしたことのある名だたる鉱山を、秘蔵のトップグレードストーンの写真とともに解説している。

さらに圧巻なのが、1800年代の“ファーストフェイズ”から現代のトップアーティストまでを辿るネイティブアメリカンジュエリーのアーカイブだ。歴史的なヴィンテージピースから、小寺自身が手掛けたハンドメイドジュエリーまで、150点を超えるコレクションを全160ページにわたって収録。単なるジュエリーカタログではなく、ターコイズという石を軸に、その産地、歴史、ネイティブアメリカンジュエリーの変遷までを横断する資料性の高い1冊に仕上がっている。

そして表紙を飾る、強烈な存在感を放つひとつのターコイズにも注目したい。この石は、世界でも屈指の希少性を誇るLander Blue（ランダーブルー）。同鉱山を偶然発見したリタ・ハップグッドが所有していたもので、鉱山の発見への感謝を込めて採掘者から彼女へ贈られたという、特別な来歴を持つヒストリカルピースだ。

そんな唯一無二の石を新著の“顔”に据えたのは、これからの小寺を象徴する新たなアイコンになってほしいという思いから。ターコイズを単なる装飾石としてではなく、その背景にある土地、人、文化、そして時間まで含めて追い続けてきた小寺だからこそ完成させることのできた『Skystone』。ターコイズ＆ネイティブジュエリー好きにとっては、まさに眼福という言葉がふさわしい永久保存版となりそうだ。

『Skystone / Yasutomo Kodera』
仕様：全160ページ／オールカラー／日本語・英語表記
価格：11,000円（税込）。
プロデューサー：小寺康友
ディレクション＆テキスト：中野光章
エディット＆テキスト：佐藤周平

購入：SKYSTONE TRADINGの公式サイト

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〈Stone Island（ストーンアイランド）〉が、2026-27年秋冬コレクションのテーマ “Soil（土壌）”を掘り下げた新シリーズ MINERAL DYINGを展開する。

同シリーズを象徴するのは、独自のミネラルダイを施したフーデッドジャケット。本作には、〈Stone Island〉の生産工程で生まれるコットン端材を選別・再生し、新たな混紡糸へと生まれ変わらせたリサイクルコットンを60％使用したコットンギャバジンを採用している。

染色には、工業由来の酸化鉄をベースとした無機顔料によるミネラルダイを採用。砂嵐によって粉が積もったような不均一でチョーキーな質感から着想を得た加工によって、パウダリーな表情と奥行きのある質感を引き出している。また、フロントには縦型のスナップポケットを備え、ブランド創成期のデザインを想起させるエルボーパッチを同じ染色レシピによるプリントで表現。高密度に織り上げた重厚な生地と相まって、ヴィンテージライクな風合いに仕上げている。

また、ブランドキャンペーン Community as a Form of Researchでは、ソウルを拠点に活動するフォトグラファーのシムジェ（Simjae）が登場。〈Stone Island〉の熱心なコレクターでありアーカイブ収集家としても知られる彼は、アートブックレーベル兼書店『Hugan Books』のファウンダーも務める。今回のキャンペーンでは、同シリーズを象徴するフーデッドジャケットを着用している。

フーデッドジャケットの価格は、23万1,000円（税込）。現在全国の〈Stone Island〉直営店および公式オンラインストアにて展開中だ。

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近年、古着を取り巻く環境は大きく変化した。市場は拡大を続け、ヴィンテージを扱うショップやディーラーが増加する一方、SNSの普及によって、アイテムの見せ方や届け方もかつてないほど多様化している。より希少なアイテムを、より良いコンディションで、より魅力的に見せる。そんな競争が加速するなかで、セレクトやスタイリング、ビジュアルを含めた“差別化”は、以前にも増して難しくなっている。

もともと日本は、世界的に見てもヴィンテージカルチャーへの造詣が深い国のひとつだ。年代やディテール、ブランドの背景、コンディションといった細かな要素に価値を見出し、時に数十万、数百万という価格で取引されるアイテムも少なくない。“ヴィンテージコレクター”という言葉が定着していることからも、その市場が単なるファッションの領域に留まらず、膨大なアーカイブと歴史の上に成立していることが分かる。

一方で、SNSを通して膨大なアーカイブやリファレンスにアクセスできる現在、消費者の価値基準もまた細分化している。過去の資料を紐解き、年代や背景まで理解した上で1着を選ぶ者がいる一方、理屈よりも先にデザインやシルエット、直感的な魅力に反応してアイテムを手に取る者もいる。情報が開かれ、選択肢が無限に増えたからこそ、「何を売るか」だけでなく、「どのような視点で見せるか」がショップそのものの個性を左右する時代になった。

そんな現在の古着市場において、ひときわ独自の存在感を放っているのが、東京・下北沢に店舗を構える古着ショップ『KAKKO（カッコ）』だ。20代を中心としたメンバーによって運営される同ショップは、いわゆるヴィンテージショップの文脈だけでは捉えきれない。店内の空気感からアイテムのセレクト、ビジュアル、グラフィック、そしてそれらを発信する際のコミュニケーションに至るまで、一見すると異なる要素が並んでいるにもかかわらず、そこには確かな一貫性がある。

特に興味深いのは、彼らが「古着をどう見せるか」という問いに対して、既存のセオリーに寄りかからず、自分たちの感覚を起点に独自の表現を組み立てていることだ。希少性や年代といったヴィンテージ本来の価値だけを前面に押し出すのではなく、アイテムそのものが持つ佇まいや質感、そこから生まれるムードを、写真やグラフィック、空間を通して拡張していく。それは、情報が過剰な現代において、あえて説明しすぎないことでもある。何を選び、何を残し、どこまで見せるのか。その判断の積み重ねが、『KAKKO』にしかない独特のスタイルを形作っている。

では、彼らはなぜそのような表現に辿り着いたのか。そして、古着を扱うショップでありながら、なぜここまでクリエイティブそのものに強いこだわりを持つのか。今回『Hypebeast Japan』では、『KAKKO』の制作背景と、そのクリエイティブが生まれる現場にフォーカス。彼らが日々向き合う古着や、その根底にある思想を手がかりに、『KAKKO』の現在地を紐解いていく。

その思想を言葉だけでなく、ひとつのアウトプットとして提示するため、今回は『KAKKO』の世界観を起点に、本企画のためのオリジナルビジュアルも制作。アイテムのセレクトからスタイリング、構図、余白に至るまで、彼らが普段の制作で大切にしている感覚を撮影というフォーマットへと落とし込んだ。

さらに、ディレクターのKoki MiyoとアートディレクターのEve Lantana（イブ・ランタナ）を迎え、『KAKKO』という場所を形作る思想、古着との向き合い方を紐解く。言葉とビジュアル、その両面から、“古着屋”という枠組みを問い直しながら、『KAKKO』が独自に築き上げてきたスタイルを辿る。

今の世の中で語られている“古着屋”というものに対して、常に疑問を持っているからこそ、KAKKOをやっている部分はある

Hypebeast：KAKKOを一言で説明することは難しいと思います。あえて聞くなら、KAKKOをどういった“場所”として捉えていますか？

Koki（以下K）：僕個人の感覚で言うなら、開かれたアトリエスペースに近いですね。何かができていくまでの過程も含めて、ある程度自分たちの手の内を見せられる。それ自体を一つの表現として外に出していく場所、という捉え方をしています。だから、ファブリックアトリエのような感覚で扱っている部分はあるかもしれないです。

Eve Lantana（以下E）：そうだね。僕は“半屋外”という感覚が近いかもしれない。多様な人が、それぞれの趣味嗜好を持ち込める場所でありながら、僕らのジャンルレスなセレクトも含めて、いろいろなものが自然と混ざり合っている。ラフに楽しむこともできるし、何かについてじっくり考えながら過ごすこともできる。そういうふうに、それぞれの距離感で楽しめる空間ですね。

半屋外？

E：完全に閉じた屋内という感じでもないし、かといって誰でも自由に通り抜けられるようなオープンな場所というほどラフでもない。あくまで空間のあり方というより、ニュアンスとして“半屋外”という感覚です。一度立ち止まって休んだり、遊んだり、話したりできる。そうやって、それぞれが自分の時間を過ごせるような余白のある空間なのかなと思います。

目的を持って訪れる売り手や買い手にとって、KAKKOは単に服を買う場所ではなく、何かを求めて訪れる場所でもあると思います。そうした価値観や空気感を共有することと、リテーラーとして服を届けること。その2つのバランスについては、どのように考えていますか？

K：そもそもバランスという捉え方ではないかもしれないですね。僕もEveも、服である必要が必ずしもなかった中で服を選んでいる人間だと思うので、二項対立として考えているわけではないです。ベースにあるのは、自分たちの価値観や空気感を、服というものを通してどう伝えていくかということだと思います。あとは、もともと興味の範囲が広いからこそ、その中で服というメディアがすごくフィットしたという感覚もあって。だから、割合を決めてバランスを取るというより、すでに近いところでリンクしている2つのものをセットで捉えている感じですね。結果として服を届けること自体が、その価値観を届けることにもなっているので、僕らの中ではその2つは切り離せないものなんです。

E：僕らも店を持つことで、お客さんから得るものはもちろんあります。ファッションや時代感に限らず、いろいろなところからインスピレーションを受ける中で、自分たちが面白いと思ったことや興味を持ったことを、この空間を通してお客さんと共有できることが面白いと思っていて。一方的にこちらから何かを提示するというより、お客さんからのフィードバックも含めて、そこで得たものをまた共有していく。その循環自体が、KAKKOにとって面白いことなのかなと思います。Kokiが言ったように、いろいろな表現の媒体がある中で、服はより馴染みのあるスケール感で表現できるし、実際に日常の中で身にまとうこともできる。そういう意味でも、僕らが感じていることや興味のあるものを伝えていく媒体として、服はすごくフィットしているんだと思います。

お2人の話を聞いていると、いわゆる古着屋という枠だけでは捉えきれない、KAKKOならではの存在感があるように感じます。そうした中で、KAKKOはどのような存在でありたいと考えていますか？

K：僕ら自身は、あくまで古着屋だと思っています。ただ、今世の中で語られている“古着屋”というイメージにはずっと疑問を持っていて、それがKAKKOをやる理由でもあります。僕の中では、本来の古着屋って、物事をもう一度編集し直す仕事なんです。その背景や文脈を踏まえた上で、「なぜ今これを扱うのか」を、空間やビジュアル、言葉を通して提示していく。そこまで含めて古着屋だと思っています。だから、古着屋じゃない何かを目指しているわけではありません。ただ、ステレオタイプな「古着屋」というイメージには縛られたくない。むしろ、過去のものを今の文脈に置き換えることで、新しい見え方や面白さをつくっていきたいんです。そのために、店の空間やスタッフの知識、僕ら自身の感覚も含めて、いろいろな価値観を受け止められる場所でありたい。そういう意味で、自分たちなりの古着屋を実現できていたらいいなと思っています。

E：良い服をセレクトすることはもちろん大前提としてある。でも、それをただ写真に撮って、見たら分かる情報を書いて終わりにしてしまうのは、少しもったいないんじゃないかと思っていて。だからこそ、僕らが実際にその服をどう感じて、どういう理由でセレクトして、どういう見え方で店頭に並べているのか。そこまで含めて、ビジュアルやラインナップを考えるようにしています。多分、そこが他の店との違いの一つなのかなと思います。いろいろな文脈や、人とのコミュニケーションから得たインプットがあって、その上で自分たちがその服にどういう印象を持ったのか。その感覚まで含めて、お客さんと共有していく。そういうところは、KAKKOとして特に意識している部分ですね。

店側が提案したいスタイルと、お客さん自身が求めているものが異なることもあると思います。例えば、パンクを取り入れたいけれど、同時にトラッドにも惹かれているような場合です。そうした異なるスタイルや価値観に対して、KAKKOとしてはどのように向き合っていますか？

K：そもそも、僕らが「こういうスタイルになってほしい」と強制したいものはないんですよね。むしろ、どんなスタイルの人でも受け止められるくらいの広さは、常に意識しています。もちろん、お客さんが求めているものと、僕らが提案したいスタイルが重ならないこともあると思う。でも、KAKKOは扱っているもののレンジが広いからこそ、その間を繋げられると思っていて。例えば、ルックを作るときも言葉としては“トラッド”だったり“パンク”だったり、ある程度のキーワードが出てくることはあるけど、それを一本の柱にしてしまわないようにしています。スタイルを一つの言葉で言い切らないというのは、特に意識しているところですね。今はいろいろなものが飽和していて、選択肢もたくさんある。そんな時代だからこそできることや、扱えるものがあると思います。既存のスタイルに無理に逆らう必要もないし、その間から新しい組み合わせや見え方を見つけることもできる。

E：そもそもスタッフ全員が同じスタイルというわけではないし、むしろ、それぞれの違いを尊重していること自体が僕らのスタイルになっている。そう考えると、お客さんが求めているものと僕らの感覚が異なるのは、むしろ当然のことだと思います。だからといって、こちらから何かを操作しようとは思っていなくて。お客さんが今持っているテンションやスタイルを踏まえた上で、僕らが持っているムードとそれが交差したときに、どういうものが生まれるのか。そこを一緒に楽しんでもらえたら嬉しいし、僕ら自身もそこを見据えながらセレクトしています。

今のファッションって、音楽やカルチャーも含めて本当に多様化していて、ある意味では何でも“トレンド”として括れてしまうような状況もあると思います。そうした中で、お客さんが求めているものを聞き出すとき、例えば音楽のような別の入り口から、その人自身のスタイルを掘っていくこともありますか？

E：そうだね。服だけを見て「こういうスタイルが好きなんだ」と判断するというより、例えば普段どういう音楽を聴いているのかとか、生活とか、そういうところから聞いていくことはあります。結局、今のトレンドだけではなくて、その人がどういうものに惹かれているのかを知ることで、見えてない部分が見えてくることがある。そういうところまで含めて、一緒に遊んでいけたらいいなと思います。

一般的な古着屋と比べたとき、KAKKOはどのような違和感や不足感から生まれたのでしょうか？

E：まず、感覚的な話になってしまうけど、良いものを買い付けてくることは、古着屋である以上当然だと思っていて。それをただ写真に撮って、並べて販売するだけで完結してしまうことに、僕自身は以前から少し疑問があったんです。だからこそ、それを自分たちはどういう見方で集めて、どういう見せ方をしたいのか。さらに、今の時代に対して「こういうアプローチも」と、もともとある価値を押し上げたり、別の角度から捉え直したりすることも、古着屋だからこそできることなんじゃないかと思っています。ただ、そうやってKokiが言っていたような“編集”をする上で、その服が生まれた時代の文脈や、デザイナーが込めた意思に対しては、すごくリスペクトを持っていたい。そこをないがしろにしてしまうのも違うと思うんです。そのバランスをどう取るのかを模索すること自体が、僕にとって古着屋の意義なのかもしれない。過去にあるものを尊重しながら、今の自分たちの視点を通してもう一度提示する。その行為やムードそのものが、KAKKOの存在意義につながっていると思います。だからこそ、元々そこにある文脈や、作り手の意思はすごく尊重したいです。

時代も背景も異なるアイテムが並びながら、KAKKOの中では不思議と一つのムードとして成立しているように感じます。セレクトや見せ方において、意識していることはありますか？

K：そこは意識的にルールを作っているというより、僕とEveの服の見方そのものなんだと思います。時代やブランド、デザイナーが誰かということはもちろん大事なんですけど、僕らが最初に反応するのは、その服自体の佇まいなんですよね。もちろん、それだけで選んでいるわけではありません。その服が生まれた背景や、作り手が込めた意思、どういう文脈の中にあるものなのかということにも、同じくらい強く惹かれています。ただ、その順番としては、まず感覚があって、そのあとに文脈へ入っていく感覚に近いです。僕らの中には、まだ言語化しきれていない感覚があって、「なんか良い」という反応がまずある。その感覚をあとから文脈と照らし合わせながら、自分たちなりに理解していく。だから選ぶ基準も、何か一つのルールがあるというより、その両方を行き来している感じなんです。だから、見せ方を考えるときも、その服がもともと持っている背景や作り手へのリスペクトは絶対に失いたくない。そのうえで、僕らが惹かれた魅力が一番伝わる空間や並び方を考えています。「この年代だから並べる」とか、「このブランドだから並べる」という考え方はあまりありません。それぞれが持っている見た目と文脈、その両方が一番気持ちよく伝わる状態を考えた結果として、一つの空間になっているだけなんです。だから異なる時代やブランドの服を並べても、僕らの中ではそこに大きな違和感はありません。何か特別なルールを設けて統一しているというより、僕ら自身がそういう見方で服を見ているから、その感覚がそのまま店にも表れているんだと思います。

結局、長年の積み重ねによって培われた感覚というか、もはや明確に言語化するものではないのかもしれませんね。

E：そうですね。“美意識”と言ってしまうと少し大げさな気もするけど、個人的には、そこに対してノイズになるような操作をしないことは意識しています。コンセプトのある小さな古着屋の中に、それとまったく異なるものが入っていたら、そこには違和感が生まれると思うんです。でも、僕らはそういうことを極力しないようにしている。というより、そもそも空間やラインアップ自体を、もっと大きくて抽象的な“箱”として提案しているつもりです。いろいろなものを受け入れられる余白を最初から持たせているからこそ、異なる時代や文脈のものが並んでいても、変な違和感が生まれにくい。そういう意味では、何かを無理に馴染ませているというより、最初からそれぞれのものが成立できるくらいの広さをつくっている、という感覚に近いかもしれないですね。

K：服単体で勝負しようとしていない、というのも大きいと思います。服だけではなく、空間も含めて全部で成立させたいという感覚があるので、何か一つだけが目立ったり、特定のものが軸になったりすることもないんですよね。全部が主役でもあり、同時に脇役でもある。そういうイメージに近いと思います。

客観的に見ても、「服が主役ではない」というのは、かなり的を射ているように感じます。

E：全部を均等に見せるという感覚に近いです。古着屋でよくある、例えば天吊りのような見せ方も、今の僕からすると一種の“ノイズ”なんですよね。そういう上下をあえてつけないことが、結果的に違和感をなくすという意味では、かなり意識している部分だと思います。

これまでの話を踏まえると、入店した瞬間に「これを集めています」と明確に打ち出すような店というより、通い続ける中で、さまざまな本や知識、リファレンスを蓄えていくことで、少しずつ見えてくる面白さがあるように感じます。そうした場所として、KAKKOでお客さんにはどのような時間を過ごしてほしいですか？

K：僕らがよく使う言葉でいうと、「うちで遊んで」という感じですね。もちろん、僕らも本気でやっているし、人によっては入ること自体に少しハードルを感じるかもしれない。でも、そういう空気も含めてあまり固定的なものにはしたくないんです。むしろ、その印象を少し裏切るくらいの自由さがあってもいいと思っていて。だから店の中では、何か正解を探すというより、自分なりに自由に服を見たり、手に取ったりしてほしい。それが僕らの言う「遊ぶ」ということなんです。その遊び方をしてくれる人を見ると、すごく嬉しいんですよね。自分なりの解釈を持って店と関わってくれる人を見ると、「ちゃんとこの空間であそんでくれているな」と感じます。そもそも、そのためにあの空間をつくっています。僕らから「これが正解です」と提示したいわけではないし、「今日はこれを買って帰ってほしい」という気持ちもあまりありません。僕らの中では服も本も雑貨も、全部同じ熱量で見ています。どれか一つが主役という感覚ではなくて、全部が誰かの興味や発見につながればいい。だから、目的がなくてもふらっと来て、何かを見つけてくれたら嬉しい。おもちゃ箱を開けるような感覚で店を使ってもらえたら、それが僕らにとって一番うれしい時間の過ごし方ですね。

E：僕ら自身、リファレンスや服を見る時間はもちろん多いし、それに対して勉強する時間もかなりある。でも、あれだけの物量をフラットに見ている以上、その遊び方は本当に無限にあると思うんです。正直、僕ら自身もまだ全部を遊びきれていないと思う。だからこそ、お客さんがお客さんなりの遊び方を純粋にしてくれたとき、それが僕らの想像していたものと違っていても面白いんですよね。その瞬間に、僕らとお客さんの間で何かを共有できる。それこそが、あれだけの物量をフラットに置いている意味でもあると思います。唯一こうしてほしいということがあるとすれば、僕らから教わるというより、その人にはその人なりの遊び方があって当然だと思っているので、それをもって自由に楽しんでほしい。そして、その遊び方を僕らとも共有してもらえたら嬉しいですね。

確かに、人はどうしてもすでにスタイルを確立している人をリファレンスにしがちですよね。

K：そういう意味では、僕らから「こうなって来てほしい」というのは本当にないですね。どんなスタイルの人でも嬉しいというか、自分自身で楽しめている人が来てくれると、すごく嬉しい。

E：本当にそうだと思う。だからこそ、さっきトレンドの話をしたのも、その人自身の意思がないまま、誰かの言動やスタイルだけを自分の軸として持ってきてしまうことに対しては、少し危うさを感じるんですよね。そういう状態だと、KAKKOで本来できるはずの遊び方ができなくなってしまうと思う。

K：それはセレクトの話にもつながってくるんだけど、僕らは遊び道具をめちゃくちゃ用意している、という感覚なんです。だから、その遊び方はどんなものでもいい。服というより、楽しむための道具があれだけの数、あれだけの種類で用意されている。あとは、それをどう遊ぶかは、それぞれで考えてほしいんですよね。その中で、お客さんが僕らの想像していなかった遊び方をしていて、それが面白かったら、今度は僕らも「それやってみたいな」と思える。そういう循環があると面白いと思う。僕ら自身も、あくまで一つの遊び方を提示しているに過ぎないんです。毎回Instagramでやっていることも、結局はその一例でしかなくて。そこから先は、それぞれのやり方で自由に遊んでもらえたらいいなと思っています。

KAKKOにとって大事なのは、完成形をつくることではなく、常にその途中にある余白や可能性を残し続けることなんだと思います

古着屋やセレクトショップでは、一般的にバイヤーという存在に注目が集まりやすいと思います。一方で、KAKKOにはクリエイティブディレクターという役割があります。そもそも、KAKKOにおけるクリエイティブディレクターとは、どのような役割なのでしょうか？

K：僕は、KAKKOのクリエイティブ面を底上げして、全体のクオリティを上げていくために入っています。ただ、ここでいうクリエイティブは、ビジュアルだけを指しているわけではない。KAKKOから漂う空気感そのものを、ちゃんとクリエイティブとして成立させていくことだと思っています。ファッションも一つのクリエイティブのジャンルだけど、その背景には必ず音楽やアート、映画、スポーツなど、いろいろなカルチャーがある。そういった異なる文化や領域が交わることで、ファッション自体も広がっていく。僕自身、そういうカルチャー全体がすごく好きだから、そこまで含めてKAKKOのクオリティを上げていくことが、自分の役割の一つだと思っています。だから、僕らが言うディレクターというのは、すごくシンプルに言えば“ムードを決める人”なんだと思う。KAKKOとしてどんなムードを出したいのか、どういう遊び方をしてほしいのか。それを言葉だけではなく、非言語的な手段を使って、お客さんを含めた外の世界に伝えていく。実際の現場で何かを制作するといったこと以上に、KAKKOとしてどういうムードをつくるのか、どう見せるのか、どう編集するのか。そういう部分が、僕やEveが担っている仕事なんだと思います。

バイイングからビジュアル、SNSの投稿までを一つのムードとして設計していく中で、最初にどこからアイデアを立ち上げるのでしょうか。本や映画など、さまざまなリファレンスがあると思いますが、クリエイティブの出発点はどこにありますか？

K：僕とEveに限って言えば、意外と仕事とは関係のないいち友達としての会話がスタートになることが多いですね。「最近こういうの面白くない？」とか、「これいいんだよね」とか。本当にそういう何気ない会話から始まることが多い。お互いが普段何を見ているのか、最近どんなものに惹かれているのかということは、友達として日常的に共有しているので、そこが自然と起点になっているんだと思います。2人がそれぞれ見ているものの中で、円が重なるように「じゃあ、ここじゃない？」という部分が出てくる。その重なりが、KAKKOとして何かをつくるときのスタートになることが多いですね。だから、二人で改めて「リファレンスを探そう」とか、そういう堅苦しいことをしているわけではなくて。お互いが見たい映画を見て、読みたい本を読んで、好きなものをそれぞれの視点で見ている。もちろん、僕とEveでは見ているものも違うし、そこに対する見方も違うと思う。でも、なぜか重なる部分が結構多いんですよね。その重なった部分を、普段の会話の中でどういうふうにビジュアルに落とし込んでいくか。そこから具体的な表現に変換していく、という感じだと思います。

E：基本的なスタンスとして、世の中が今こうだから、こうあるべきだというところから何かを始めることは、あまりないですね。あくまで僕ら自身が「今こういうのが面白いよね」と自然に感じたものが出てきて、それを今の自分たちのリソースを使ってどう形にしていくか、という流れが多い。もちろん、今であればコレクションを見たりもするし、学生の頃から学術書や本を読んだり、いろいろなリファレンスを蓄積してきた。でも、それを直接的に引用して、そのまま表現し直そうという発想ではなくて。そういうものも含めて、これまで自分たちの中に蓄積されてきたものがあって、それが自然と今の自分たちの感覚として出てくる。それを、その時々のKAKKOの文脈と照らし合わせながら形にしていく、という感覚に近いですね。

そうした会話は、普段から常にしているんですか？

K：そうですね。最近見たもので良かったものの話もするし、逆に、あまり良くなかったものについても「なぜ良くなかったんだろう」という話をすることが多い。友達同士でも、そういう話をする頻度はかなり多い方だと思います。そこから出てきた感覚を、その時々に店にあるものや、最近話していたことと照らし合わせながら、具体的な形にしていくことが多いですね。例えば、「この服だったら、こないだ話していたあのノリとすごく合うんじゃないか」と考えたり、逆に「最近こういうムードをずっと話しているから、こういう服が欲しいよね」となって、それをバイヤーに伝えたり。そうやって、普段の会話の中で生まれた「今、このムードがいいよね」という感覚が、実際のセレクトや見せ方に少しずつ繋がっていく。そういう流れが多いと思います。

Kokiさんは、フォトグラファー、DJ、グラフィックデザイナーという3つの活動を軸にしてきた中で、現在はクリエイティブディレクターとして活動されています。近いようでいて、実際には視点や考え方が大きく異なる仕事だと思いますが、今のポジションに至るまで、どのような選択を積み重ねてきたのでしょうか？

K：「一つひとつの選択をしてきた」ということはあまりないですね。むしろ、日々の意識に近い。毎回を何か大きな決断として捉えるというより、流れるようにではないけど、その時々で考えながら進んできた感じです。その中でも、なるべく思考の抽象度を高く持つことは意識していたと思う。ディレクターとして全体像を把握することはもちろんだけど、それはこれまでもずっと考えてきたことなんですよね。例えばDJをやっているときも、自分のプレイを良くすることは当然。でも、それだけじゃなくて、そのパーティーの中で自分がどういう役割を果たすのか、何をしたらその場全体がもっと良くなるのか、ということまで考えるようにしていた。デザイナーとして仕事をするときも同じで、自分が手を動かしている作業だけを見るのではなくて、その企画全体の中で自分がどこにいるのか、自分の仕事が全体にどう作用するのかを考える。そういうふうに、手元を動かす仕事をしながらも、常に全体のことを考えていたことが、今につながっているんだと思います。今のディレクターという仕事は、どちらかというと全体から考えていくことが多い。もちろん今でも自分で手を動かすことは多いし、それも好きなんだけど、これまでやってきたこととはプロセスが逆。そう考えると、これまでの活動の中で「自分が何をするか」だけじゃなく、「自分の動きが全体にどう作用するのか」を常に考えてきたことが、今ディレクターをやっている理由の一つなのかなと思います。だから、何か特別な選択をしてきたというよりは、何のために自分が動いていて、その動きが全体にどう作用するのか。そこはずっと考えながら行動してきました。

なるほど。

K：あとは、行動という意味では、実際にディレクターとして活躍している人たちと会える場所には、なるべく遊びに行くようにしていました。そういう人たちがいる環境に身を置くことも、自分にとっては一つの選択だったと思います。また、自分の専門領域ではないところも、必要になると思ったものはちゃんと知っておくようにしていた。自分がもともと興味を持っていることだけじゃなくて、ディレクターとしてやっていく上で必要になりそうなものなら、興味があるかどうかに関係なく調べてみる。僕は、一度知るとそこから興味が広がっていくタイプなんですよね。まず知ってみることで、結果的に自分の興味へと近づいてくることも多い。だから、そういう環境に自分から出ていくことや、自分の専門外のことを学んでおくことも含めて、振り返れば一つひとつの選択だったのかもしれないですね。

そうした経験を重ねてきた中で、なぜKAKKOという場所とご自身の感覚がマッチしたのでしょうか？

K：どうしてもニュアンスの話になってしまうけど、お客さんとして通っていた頃から、KAKKOにはもちろん一つのコンセプトのようなものは感じていました。ただ、その「コンセプト」という言葉自体が生まれるよりも前の段階というか。誰かが言葉にして定義する以前の感覚が、KAKKOにはずっとあるように感じていたんです。「こういうコンセプトでやっています」と明確に打ち出す場所は今すごく多いけど、KAKKOはそういうことをあえて言う必要がない。むしろ、そういう言葉になる前のものが、そのままムードとして滲み出ている。それを見たときに、「こういうものが今、東京にはあまりないけど、必要なんじゃないか」と感じたんですよね。自分自身も、これまで制作をしていく中で、既にある言葉や概念に対して「本当にそうなのか？」と一度疑ってみる姿勢をずっと持ってきた。だから、KAKKOが持っている、コンセプトや言葉そのものをまず疑ってみるようなアティチュードに、すごく惹かれたんだと思います。何かを前提として、それをそのまま受け入れて進んでいくのではなくて、その前提自体を一度立ち止まって考えてみる。その姿勢そのものが、自分とKAKKOの間で重なっていた。だから、単純に「コンセプトが好きだった」というより、前提を前提のまま通り抜けない姿勢に惹かれた、という感覚が一番近いのかもしれないですね。

コンセプトや言葉、それらをアウトプットしていくことに対してどのように向き合っていますか？

E：僕はそもそも、コンセプトを体系化していく途中の段階をすごく大事にしています。一度コンセプトとして完成してしまうと、どうしてもその言葉に縛られてしまう。何かが定義された瞬間、その言葉を前提に考えたり、解釈したりするようになる。一つひとつの言葉には含みがあるし、その含みを大切にしながら形にしていくことは重要で、僕自身が惹かれるのは、そこへ至るまでのプロセスなんです。例えば、草案やドラフトをつくって、それをブラッシュアップしながら完成に近づけていく。でも最後に振り返ると、「最初の草案が一番良かった」と感じることがある。その瞬間がすごく面白いんです。最初に生まれたものには、余計な装飾や説明がなくて、一番ミニマルな魅力がある。KAKKOでも、最初に出てきたアイデアが、そのまま一番良い形だったという瞬間がよくあります。だから僕は、完成したコンセプトそのものよりも、プロセスやドラフトのような、まだ体系化される前の状態を大切にしています。KAKKOにとって大事なのは、完成形をつくることではなく、常にその途中にある余白や可能性を残し続けることなんだと思います。

K：僕はそこに関しては、結構真逆かもしれない。僕の場合は、すごく大きな言葉や概念があることを前提に、その大きさをどうやって一度ぐるっと反転させられるか、みたいな感覚がある。音って、小さすぎると聞こえないけど、だからといって大きすぎても何を聞いているのか分からなくなるじゃないですか。そういう、ちょうど「グリッチが効く」瞬間みたいなものが、僕は結構好きなんですよね。だから、何かをゼロからつくっていくというより、既にある言葉や前提に対して少し懐疑的な視点を持つ。そういう言葉や概念に対するアティチュードは、自分の制作の中でもずっとあると思います。もう一つ大きいのが、一つのメディアに頼らないこと。服なら服、音楽なら音楽という、一つの領域だけに依存しないということですね。音楽をやっていたときから、技術だけを磨いてもダメだと思っていた。美大にいたときもそうで、アートだけを知ろうとして、その場所にずっと居続けると、視野が狭くなることがある。もちろん、そこで経験や知識は得られるし、知り合いも増える。でも、それだけだと、ある意味では安易なアングラや、内輪のノリにもなり得ると思っていて。だから僕は、KAKKOに対して「アングラとインディペンデントの違いをちゃんと分かっている」という感覚がすごくあるんですよね。

アングラとインディペンデントは、似ているようでいて、Kokiさんの中では明確に違うものなんですね。

K：そうですね。少なくとも今自分が見ている“アングラ”に対しては、少し懐疑的なところがあります。本当にかっこいいと思っているなら、その面白さをもっと外に伝えようとしてもいいんじゃないかと思うんです。もちろん、すべてがそうではないけれど、閉じていること自体が価値になってしまったり、独りよがりになってしまったりする場面が多いように感じています。その一方で、既存のシステムや社会に対する批判は強い。社会や既存の価値観を批評すること自体はすごく大事だと思っています。でも、本当に何かを変えたいと思うなら、その考えが外に届くことも同じくらい大事なんじゃないかと思うんです。閉じたコミュニティの中だけで共有される批評には、少し物足りなさを感じることがあります。僕にとってインディペンデントというのは、「人目につかない」とか「メジャーじゃない」ということではありません。自分たちなりの判断基準を持っていて、既存の価値観やシステムにそのまま乗るのではなく、「自分たちはどう考えるのか」を、自分たちの意思で決めていく姿勢、その上で外へ開いていくことだと思っています。既存の価値観にただ反発するのではなく、自分たちなりの価値をつくって、それを社会に提示していく。その姿勢が、僕にとってのインディペンデントなんです。KAKKOにも、その二つをちゃんと区別している感覚があるんです。閉じた場所であることや、分かりにくいこと自体を価値にするのではなく、自分たちの視点で選び、その扱い方さえもを、できるだけ開いた形で外へ届けようとしている。その姿勢に、僕はすごく痺れました。僕の中では、アングラとインディペンデントは重なる部分もあるけれど、決定的に違うものなんです。

知識や経験がある人が多いなかで、最終的には「どうアウトプットするか」という部分も重要になってくると思います。

K：そうですね。知識も経験も何かを作る上での土台としてなくてはならないと思いますが、それだけではあまり意味がないとも思っています。知識や経験は、ある程度は努力すれば誰でも身につくものだと思うんです。でも、その知識や経験をどう扱うかは人によって全然違う。僕は、アウトプットって「知っていることを見せる」ためのものじゃなく、自分の視点を提示することだと思っています。自分が何に違和感を持って、何を面白いと思って、それをどう扱って最後に形として出すか。その一連のプロセスに、その人らしさが一番出る。だからいつも僕は、その方法に注目して見ています。同じものを見ていても、人によって全然違うアウトプットになる。その違いがクリエイティブの面白さなんじゃないかなと思っています。

制作における出発点は、今も変わっていないのでしょうか？そこから、どの媒体や手法を選んでアウトプットしていくのか、そのプロセスについても聞かせてください。

K：そこは一つも変わってないですね。日常の中で感じる違和感だったり、そこから拾ってきたものだったり。もちろん、それ自体は多くのクリエイターと大きく変わらないと思うんですけど、僕はどの媒体を使って表現するかは後から選ぶようにしていて。スタート地点は常に同じで、自分が持った興味や疑問に対して、どの手法が一番合うのか、何が一番伝わるのかを考えて、その都度選んでいる感じです。だから、出発点自体はこれからも変わらないと思います。あと僕の制作のベースって、意外と社会と結びついているんですよね。だから僕は、自分のためだけに作品をつくるという感覚があまりないんです。自分の中の違和感を出発点にはしているけど、その違和感って結局は社会と繋がっているものだから。制作はすごく個人的な行為だけど、同時に社会に向けた行為でもあると思っています。

そこから実際にビジュアルや空間、音楽などのアウトプットを完成させていくまでの時間軸は、どのように考えていますか？

K：僕は結構、短期集中型ですね。自分の制作物を作る時は、基本的に月をまたぐことがないです。意識的にそうしているわけではないんですけど、昔から、一日の中で「ここ2時間だけ集中してやる」と決めて、ダメだったらすぐやめる、みたいなことを繰り返していて。それを一週間くらい、その作品のことだけ考えて作り切る。乗っている時は無理に止めたりはしないけど、基本的な作業時間は1つのものに対して1日MAX5時間くらいで、1週間で完成させるというのが自分のベースにあります。グラフィックもディレクションも、DJも基本的にはそうですね。ただ、写真だけは全然違って。写真はフィルムカメラで撮っているんですけど、36枚撮り切るのに2〜3ヶ月くらいかかります。自分の制作で写真を撮る時は、シャッターを切ることへの責任感がすごく強くて。自分の作品として撮る時は、1枚を撮ることに対してすごく慎重になる。だから、36枚のフィルムを撮り終えるだけで3ヶ月かかることも全然あります。現像とか、その後の作業自体は早いんですけどね。自分にとっては、シャッターを切る瞬間そのものに一番時間がかかっているのかもしれないです。

先ほどおっしゃっていた制作期間の違いも含めて、写真と音楽やグラフィックでは、そもそもの捉え方が違うということでしょうか？

K：全然違いますね。そこは意識的に分けています。音楽やグラフィックをやっている時って、まず頭の中にイメージがあって、それを外に出していく感覚なんです。自分の中にあるものを、ビジュアルや音に変換していく。いわば「脳内から外へ」という工程です。でも写真は逆なんです。すでに外側に存在しているものを、一度自分の中に取り込んで、そこからもう一度外へ出していく。「外から脳内を通って、また外へ」という感覚に近い。その過程では、被写体とは関係のない自分のエゴや欲、センスも必ず入り込んでしまいます。だから写真って、一見事実を写しているようでいて、実際には自分を通して再編集されたイメージなんですよね。その自覚があるからこそ、写真に対してはすごく責任を感じます。だから僕は、写真だけは時間がかかるんです。ただ綺麗に撮ることよりも、解釈や視点について何度も考えてしまう。その工程自体が、自分にとっては写真という表現なんだと思っています。

被写体を自分の視点で切り取ること自体に、強い責任を感じているんですね。

そうですね。僕は写真を撮るって、ある意味では「息の根を止める」ような行為に近いと思っているんです。例えば、今そこにある葉っぱを撮ったとします。その写真の中では葉っぱはずっと青々としていて、生き生きしているかもしれない。でも現実の葉っぱは、その瞬間から枯れていく。写真って、本来流れ続けている時間を一瞬で止めてしまうメディアなんです。その瞬間から、その写真だけが独立した時間を生き始める。だから、写っているのは事実そのものというより、一度固定され、自分の解釈を通した時間なんですよね。だから僕は、写真って少し"死化粧"に近いと思っています。もうそこでは息をしていない。でも、その存在を一番美しく見せることはできる。だからこそ、シャッターを切ることには責任があります。その人や物が持っていた時間を、自分がどう固定してしまうのか。その責任は、音楽やグラフィックとは少し種類が違うものだと感じています。

ちなみに、スタイリングを組む時はいかがですか？ これまでお話しいただいた制作プロセスと共通する部分もあるのでしょうか？

E：自分がスタイリングをひとつの制作としてやるのであれば、基本的にはさっきの話と似ていると思います。何かを作る直前に、わざわざインスピレーションを探しにいくということはあまりなくて。普段から何かを見る時に、意識的に覚えていることが結構あるんですよね。例えば、形のバランスだったり、色の比率だったり。「これ、めっちゃいいな」と思ったものは頭の中に残っていて、いざ自分が手を動かすとなった時に、それまで蓄積してきたものが自然と参考として出てくる感覚があります。そこから、それをどの媒体で表現するかを考える。例えば、よりナチュラルな動きが見える立体物が際立つのであれば、自然とスタイリングという形になっていく。そういうプロセスですね。時間軸でいうと、イメージ自体はその場でパッと浮かぶことが多いです。そこから実際に手元にあるリソースを集めて、もう一度組み直していく。でも、その段階で「これが正解」というものを最初から決めているわけではなくて。実際に手を動かしながら、自分の中で正解を見つけていく。そういう作り方が、スタイリングに関しても自分の中では自然なのかなと思います。

お二人が作るビジュアルには、いわゆる“引き算”の美学があるように感じています。見せたい本質を浮かび上がらせるために、何を残して何を削るのか。その判断基準について、答えられる範囲で教えてください。

E：僕の場合は、むしろ「削ぎ落とされているように見える状態」そのものを大事にしているのかもしれない。ちょっとニュアンスの話になっちゃうんですけど、例えばドラフトとかプロセスみたいなものに、僕は「抽象」や「ミニマル」という言葉に近い感覚を持っていて。その段階こそ、自分が本当にやりたいことが一番出ている瞬間だと思うんです。例えば、原稿でも何でもいいんですけど、まずドラフトの段階まで作る。そこにクライアントがいて、「ここをこうしてください」と言われたら、そこからはいくらでも操作できる状態にある。それって、言葉でいうと「抽象」にかなり近いと思っていて。つまり、ドラフトの段階にはまだすごく大きな可能性が残っている。だから、完成物に対して「何を残して、何を削るか」というより、そもそも他の人からすると完成に至る一つ手前の段階を、自分はあえて提示することが多いのかもしれない。質問に対してはちょっと答えづらいんですけど、そこは結構一貫していると思います。

Kokiさん的にはいかがですか？

K：意外と、自分では「引き算をしている」という感覚はないんですよね。そう見えるのもすごく分かるんですけど、僕の表現に対する意識としては、何かを演出するというより、そのもの自体から滲み出たり、香ったりするものがあれば、それで十分だと思っていて。だから、思考のプロセスとしては確かにミニマルだし、ノイズを消していくという意味では“引き算”に近い。でも、最初から一つのもの、一つの質感、一つのオブジェクトみたいに、まずは大きな要素を置いて、それだけでどこまで魅力や伝えたいことを表現できるかを考えるんです。それでもまだ弱いと思ったら、何かを足していく。ただ、その「足すもの」が新しい要素や装飾というより、僕の場合は余白だったりする。

 

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例えば今回のKAKKOの周年のフライヤーも、最初は自分で描いた絵を大きく配置していたんですけど、途中で余白を増やした。自分の中では、それを「絵を削った」というより「余白を足した」という感覚なんですよね。Eveとやり取りしている時も、二人で「余白をデザインしている」みたいな感覚が結構あって。周りから見ればすごく引き算的な行為だと思うけど、自分の意識としては、何かを引くというより、何もない空間を足している。だから、僕にとって余白は「引くことじゃなくて、「足すこと」なんだと思います。

ビジュアルを作る上で、Kokiさんが最も大きな満足感を得るのはどんな瞬間ですか？ 自分自身が納得できた時なのか、それとも、それを見た人から何かしらの反応が返ってきた時なのか。

K：もちろん、自分が「これ、すごくいいな」と思えるものを作れた時の高揚感はあります。でも、それだけでは終わらないんですよね。そこにさらに大きな喜びを与えてくれるのは、言葉を介さずに誰かと繋がれた瞬間です。Eveとも、最初にそういう感覚があったから今も一緒にやっているんだと思います。僕は、作ることと同じくらい、人と繋がりたいという気持ちが強いんです。表現って、そのための手段でもある。自分にとって本当に大事なものって、意外と言葉では説明しきれないじゃないですか。僕自身、言葉だけで伝えるのはあまり得意ではないので、自分の中にある言語化できない部分をビジュアルとして出している感覚なんです。だから、その作品を見た誰かが、言葉で説明していないはずの部分まで受け取ってくれた時は、本当に嬉しい。「ここ、拘ってるんだろうな」とか、「ここだけは譲れなかったんだろうな」っていう、自分のエゴみたいな部分まで感じ取ってもらえた時は、「ちゃんと届いたんだな」と思える。たぶん、そういう瞬間が一番昂るんですよね。

Eveさんはいかがですか？ビジュアルを作る上で、個人的に「これは良かった」と感じる瞬間や、評価する基準はありますか？

E：さっきの話にもあった通り、僕は一度できたものですら、次に何かを作る時の参考になったり、別の媒体として使えたりするような余地が残っているものに、すごく可能性を感じるんですよね。もちろん、その作品単体としてどう評価できるかも大事なんですけど、そこからさらに転用できる可能性が残っているかどうかが、僕にとっては結構大きな評価軸です。例えば、コンセプトやコンテクストを保ったまま、別の作品へ変容させることができる。そうやって元の作品が別の形で花開いた瞬間に、「あの最初の作品って面白かったんだな」と、逆算して評価できることもある。だから、完成されたものそのものというより、その一歩手前にある状態。まだ別の形へ変わっていける余白が残っているものに、一番ワクワクするんだと思います。

KAKKOとして、活動を続けるなかで軸は変わらず、よりクオリティを高めながら変化していくこともあると思います。その一方で、どれだけ変化しても「ここだけは変えたくない」と思う部分はありますか？

K：むしろ、「これだけは絶対に変えない」という何か一つに固執しないことかもしれないですね。僕らは、常に視野を広く持って、新しい価値観や可能性を受け入れ続けたいです。意固地にはなりたくないですね。

E：今できることを、もっと広げていきたいという気持ちはもちろんあるけど、自分たちから無理に広げようとはあまり考えていなくて。自然と広がっていくものでもあると思うので。

K：そう。意識的に広げよう、という感じではないんですよね。モチベーションのベースにあるのは、あくまで「これが好き」「これが面白いと思う」という感覚。それが時代とマッチするかどうかは、その後の話だと思っています。もちろん、時代や社会の変化を完全に無視したいわけではないです。そこをちゃんと見ながら、自分たちが「好き」「いい」と思っているものを、どうやってみんなと共有できるか、どうやって今の時代に持っていけるかを考えていく。僕が言っている「意固地にならない」というのは、そういうことなのかなと思います。

最後に今後の展望について教えて下さい。

E：正直、これからこうしたいという明確なものがあるわけではないんですよね。別に考えていないという意味でもなくて。「ファッションはこうあるべき」とか、「世の中を変えたい」ということを掲げているわけでもない。ただ、自分たちが自然に面白いと思ったものを集めて、それを自分たちなりに表現していく。その延長線上にあるものを、これからも続けていきたいです。

K：僕は、“新しいポップネス”をつくりたいと思っています。ポップって、分かりやすいことでも、消費されやすいことでもない。肩肘張らずに、その価値がちゃんと伝わり、ごく自然に人の生活へ入り込んでいく状態なんだと思うんです。僕らは、ものの新しい扱い方を提示している感覚に近い。服も、本も、音楽も、空間も、それぞれを切り離して考えているわけではありません。一つの視点として提示しているだけなんです。だから、僕らがやっている方法論が、一つの態度として純度高く確立されて残っていけばいい。いつか誰かが同じようなことを当たり前にやっていて、その人自身の表現になっている。そんな楽しみ方を少しでも更新できるなら、それが僕にとって一番面白い未来だと思っています。

Koki Miyo
東京を拠点に活動するディレクター／ビジュアルデザイナー／DJ。写真、グラフィック、映像、音楽など複数の領域を横断しながら、都市や時代に潜む質感や時間の痕跡を手がかりに制作を続ける。現在はKAKKOのクリエイティブをはじめ、ブランドやイベントのビジュアルデザイン、ディレクションを手がけている。

eve lantana
ディレクター／スタイリスト。建築を学んだ後、現在はファッションを主なメディアとして活動する。衣服、身体、空間という異なるスケールのあいだに生じる関係性や、それらが構成される過程、変化や解釈の余地に目を向けながら制作を行う。現在はKAKKOのディレクションを中心に、スタイリング、ビジュアル、空間など、店舗を構成するさまざまな要素に携わっている。

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「TREASUREは、こういうヒップホップもできる」──そんなメッセージを真っすぐに打ち出したのが、4枚目のミニアルバム『NEW WAV』だ。近年はメロディアスなナンバーでも支持を集めてきたグローバルボーイズグループ TREASURE（トレジャー）だが、今作では4曲すべてをヒップホップで構成。ラップラインを担うCHOI HYUN SUK（チェ・ヒョンソク）、YOSHI（ヨシ）、HARUTO（ハルト）にとっても、自分たちのルーツを改めて提示する1枚となった。

今回『Hypebeast』では、3人に『NEW WAV』に込めた思いをはじめ、セルフクリエイトへのこだわり、ヒップホップから受けた影響、そしてファッションとの向き合い方について聞いた。インタビューを通して印象的だったのは、彼らが「ヒップホップ」というジャンルだけではなく、そのカルチャーや価値観まで自分たちの表現に落とし込もうとしていることだ。ラップを書くことは、自分自身を表現すること。ライブは、音源では伝えきれなかったものを完成させる場所。そしてファッションもまた、自分たちのスタイルを語るための言語のひとつ。

『NEW WAV』というタイトルには、新しい流行を作るという意味だけではなく、「TREASUREらしい表現」をもう一度定義し直すという意思も込められていた。

『NEW WAV』で示した新たな一面

Hypebeast：今回の『NEW WAV』は、これまで以上にヒップホップ色の強い作品になっています。このアルバムで皆さんが1番表現したかった”NEW WAV（新しい波）”とは何でしょうか？

CHOI HYUN SUK（以下C）：2023年に発売した2nd FULL ALBUM『REBOOT』は、ゼロから再出発するアルバムでした。一方、『NEW WAV』は、一歩踏み出して、「本当にTREASUREらしい音楽をやろう」という思いから生まれた作品です。僕たちらしい新しい色を見せたかったんです。

YOSHI（以下Y）：久しぶりに4曲すべてがヒップホップで構成されたアルバムでカムバックしました。“NEW WAV”というタイトルの通り、新しい流れを作るには、これまでとは違う結果も残したいという思いがありました。『M COUNTDOWN』でファンの皆さんの前で1位を取ることができて、アンコールで「We number one」という歌詞を一緒に歌えた瞬間、「新しい流れが来たな」と感じました。

HARUTO（以下、H）：以前は柔らかくて優しい曲も多かったんですが、今回はヒップホップという、自分たちが練習生の頃からやってきたスタイルを前面に出しました。「TREASUREはこういうヒップホップも表現できるグループなんだ」ということを見せたかったんです。それが僕にとっての”NEW WAV”ですね。

セルフクリエイトが変えた表現

制作を通じて、TREASUREの音楽表現やパフォーマンスにはどんな変化が生まれましたか？

C：僕たちはレコーディングやディレクションにも関わっています。音源では入れられなかったアドリブや表現もあるんですが、それをライブでさらに膨らませることができます。ライブだからこそ見せられる違いがあるので、制作に参加することはパフォーマンスにも大きく影響しています。

Y：ラッパーとして、自分の歌詞はできるだけ自分で書きたいという思いがあります。それは自分にとってラッパーとしてのアイデンティティでもありますし、これからもずっと大切にしていきたい部分ですね。

H：自分たちで歌詞を書くと、その曲への理解度が全然違います。歌詞の意味も、どう表現するかも、自分が書いたからこそ一番理解できる。誰かが書いた歌詞を歌うより、自分が思っていることを自分の言葉で表現する方が、自分たちのスタイルに1番合っていると思っています。

3人が共感するヒップホップの価値観

セルフメイドやオリジナリティなど、ヒップホップにはさまざまな価値観があります。皆さんが最も共感しているものは何ですか？

C：ヒップホップでは、自分の考えや意見を歌詞に落とし込むことがすごく大切だと思っています。僕たちもテーマが決まったら、それぞれが自由に「こういうことを伝えたい」と意見を出し合うんです。その考えを尊重しながら一つの曲を作っていくところに、一番共感しています。

Y：僕は”共感”ですね。普段は言えないことをビートに乗せて表現して、それを聴いた人が勇気をもらったり、共感したりする。その流れ自体がすごくかっこいいと思っています。ケンドリック・ラマー（Kendrick Lamar）も”弱者の代弁者になりたい”というようなことを話していますが、自分もいつか、音楽で誰かの気持ちを動かせる人になりたいと思っています。

H：もちろん音楽そのものにもエネルギーをもらっていますが、それ以上にラッパーたちのヒップホップに対する姿勢に惹かれます。好きなラッパーをディグればディグるほど、その魅力を感じます。

ファッションも自分を表現する言語

最近よく着ているブランドや、お気に入りのアイテムを教えてください。また、ステージ衣装と私服ではどんなところを意識して切り替えていますか？

C：ブランドというより、デザイナーを見ることが多いです。エディ・スリマン（Hedi Slimane）、ヴァージル・アブロー（Virgil Abloh）……その人がどこのブランドへ行くかによって、自分が好きなブランドも変わります。最近は90年代の〈Raf Simons（ラフ・シモンズ）〉もよく見ていますし、ストリートならNIGO®さんがいた頃の〈BAPE®（ベイプ）〉のアーカイブも集めています。ステージ衣装では、自分では買えないようなものを着られることも魅力ですが、トレンドだけではなく、「自分がかっこいいと思うもの」を必ず取り入れるようにしています。

Y：僕も最近は〈Chrome Hearts（クロムハーツ）〉が好きですね。あとは裏原宿カルチャーがすごく好きで、NIGO®さんやVERBALさんのように、ヒップホップだけじゃなくパンクやストリートが混ざり合っているカルチャーに惹かれます。最近は当時の〈NUMBER (N)INE（ナンバーナイン）〉をヴィンテージショップで探して集めています。当時の雑誌で見たファッションと、今のヒップホップファッションをミックスして着ることが多いですね。

H：最近は〈Chrome Hearts（クロムハーツ）〉をよく身に着けています。今日着けている小指のリングも、この前東京で買ったものです。あと最近ハマっているのは〈Vans（バンズ）〉ですね。チェック柄のハイカットを買ったんですけど、珍しい柄で、履いている人をあまり見たことがなかったので、「じゃあ自分が先に履こうかな」って（笑）。

TREASUREが起こしたい”NEW WAV”

TREASUREとして、音楽やファッション、カルチャーにどんな”NEW WAV”を起こしたいですか？

C：以前、ファンの方に「オンリーワンとナンバーワン、どちらになりたいですか？」と聞かれたことがあります。その時に考えたのは、TREASUREとしてはオンリーワンになりたいということでした。価値のあることを積み重ねていけば、結果としてナンバーワンにもなれると思っています。個人的には、音楽とデザインを横断しながら表現できる、マルチなクリエイターになりたいですね。

Y：先輩のBIGBANGさんのように、音楽だけじゃなくファッションやカルチャーにも影響を与えられる存在になりたいです。「この人が着たから流行る」「この人が履いたから欲しくなる」。そんな影響力を持つグループになりたいですね。個人的にもヒップホップだけじゃなく、パンクロックやドラムンベースなど、ジャンルに縛られない音楽を作っていきたいと思っています。

H：TREASUREで見せているラップと、僕が個人的に作る音楽は結構違うんです。「こんなこともできるんだ」と思ってもらえるような、新しい一面をこれからもっと見せていきたいですね。

4th MINI ALBUM [NEW WAV]は現在各種配信サイトにて配信中。また、“NALLY-NA（HYUNHAYO）”のMVはTREASURE 公式『Youtube』チャンネルからチェックして。

TREASURE

2020年8月7日に「YG ENTERTAINMENT」からデビューしたグローバルボーイズグループ TREASUREは、2021年に新人賞を総なめし、「怪物新人」の称号を獲得。
2024年には、自身2度目となるJAPAN TOUR “2024 TREASURE TOUR [REBOOT] IN JAPAN”を全7都市8会場16公演で開催・総動員30万人を記録し、自身初のジャパンツアーを上回る動員数を達成。さらに同年7月からは、ファンミーティング「2024 TREASURE FAN MEETING～WONDERLAND～」を全6都市23公演・総動員17万人という韓国ボーイズグループとしては異例の規模で開催。日本単独公演の累計動員数は100万人を突破し、“ライブ型”グローバルボーイズグループとして高い支持を集めた。
2025年には、自身3度目となるJAPAN TOUR “TREASURE TOUR [PULSE ON] IN JAPAN”の開催を発表。各公演が続々とソールドアウトとなり追加公演も決定し、全国5都市15公演を開催。ツアーファイナルは京セラドーム大阪で迎えた。
2026年7月からは“TREASURE THE STAGE 2026 NEW WAV : IN JAPAN”を全国7都市17公演で開催中。6月1日にリリースした4th MINI ALBUM [NEW WAV]は、「2026/6/15付オリコン週間アルバムランキング」「2026/6/15付オリコン週間合算アルバムランキング」で1位を獲得したほか、Billboard JAPAN「Top Albums Sales」「Hot Albums」でも1位を獲得し、発売週の主要音楽ランキング4冠を達成した。
さらに、タイトル曲「IF I」のミュージックビデオは公開からわずか6日9時間で5,000万回再生を突破し、TREASURE史上最速記録を更新。現在は1.2億回再生を突破するなど国内外で大きな話題を呼んでおり、“ライブ型アーティスト”として注目を集めている。

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「サントリー（Suntory）」は2026年7月24日（金）、「TRADMAN’S BONSAI（トラッドマンズ ボンサイ）」が10周年を記念して開催したイベント「大調和」に協賛。「ザ・プレミアム・モルツ マスターズドリーム」を来場者に提供した。

今回の取り組みは、盆栽を通じて日本文化の魅力を現代のカルチャーとして世界へ発信する「TRADMAN’S BONSAI」と、素材や製法を徹底的に追求し、“JAPAN MONOZUKURI BEER”を掲げる「マスターズドリーム」が、ものづくりへの姿勢に共鳴したことで実現したものだ。

イベント会場では、盆栽展示をはじめ、音楽やフードなど、多彩なカルチャーコンテンツを展開。会場内には「マスターズドリーム」の特設ブースが設けられ、来場者へ注ぎたての1杯を提供したほか、商品紹介パネルやバナーを通じて、素材や製法へのこだわりを紹介した。

「大調和」は、「TRADMAN’S BONSAI」の10周年を機に、これまで築いてきた文化や人とのつながりを未来へつないでいくという思いを込めて企画されたイベント。時間帯ごとに表情を変えるライブパフォーマンスや空間インスタレーションを通じて、ブランドの世界観を体感できる内容となっており、ファッションやアート、音楽など、さまざまなカルチャーシーンの関係者が集う1日となった。

「TRADMAN'S BONSAI」が築いてきた10年の歩みを祝うとともに、日本のものづくり文化がジャンルを越えて交差した今回の「大調和」。盆栽、アート、音楽、そして「ザ・プレミアム・モルツ マスターズドリーム」が共鳴し合い、それぞれが大切にしてきたクラフツマンシップを来場者へ伝える、日本ならではのカルチャーとものづくりの魅力を体感できる一夜となった。

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