坂本龍一が米国のクリエイティブ・スタジオ Tin Drum（ティン・ドラム）と共に、人生最後の4年間をかけて制作したMR（複合現実）作品『KAGAMI（カガミ）』。2023年、ニューヨーク『The Shed』での世界初演以降、ロンドン、マンチェスター、台北、シンガポール、メルボルン、イタリア、香港など世界各地で上演され、大きな反響を呼んだ本作が、ついに日本初上陸。2026年6月27日（土）より、大阪・うめきたの文化装置『VS.（ヴイエス）』にて日本公演が開幕した。

『KAGAMI』は坂本龍一のピアノ演奏を三次元的に捉え、MRの空間に再び立ち上げる作品。観客は特殊な透過型ヘッドセットを装着することで、独自の三次元映像技術によって精緻に再現された“教授”に再び出合う。真摯にグランドピアノに対峙するその姿は、音楽と呼応する幻想的な3Dビジュアルを伴い、すぐ目の前で演奏しているかのような存在感を放つ。現実のコンサートでは決して叶うことのない至近距離で演奏と向き合う「史上最も自由な坂本龍一のソロライブ」を、私たちは体験することになる。

日本公演では、今回のために拡張された特別版の『KAGAMI+（カガミ プラス）』を初披露。本編に加え、坂本龍一＋高谷史郎による《TIME, TIME》や新たなサウンドインスタレーションなども会場内に展示され、その音楽世界を多角的に体感できる構成となっている。

本稿では、『KAGAMI』のプロデューサーであり、Tin Drumの創設者でもあるトッド・エッカート（Todd Eckert）へのインタビューを敢行。取材は、坂本が3歳の頃から所有していたというピアノが敷地内に佇む白金『坂本ヤエカ』にて行われた。坂本龍一の遺志の宿る空間で、プロジェクトの背景から、本作に込めたメッセージまで語ってくれた。

---

『KAGAMI』の核心は、坂本龍一とリスナーとの関係性が「永遠に続くこと」

まずは『KAGAMI』のプロジェクトが始まった経緯を教えてください。

トッド・エッカート（以下、T）： 私が従来の映画の制作から、MRという全く新しいメディアへと活動の場を移したとき、このメディアを真に不可欠で重要な体験にするための中心にあるのは「音楽」だと感じたのです。龍一は私の人生において最も重要な音楽家でしたから、彼にアプローチするのはごく自然なことだったのです。私にとっての最初のMRプロジェクトというわけではありませんでしたが、私が初めて自らアプローチしたミュージシャンは龍一でした。

プロジェクトを立ち上げた時点で、これが坂本さんの最期のプロジェクトになると知っていたのですか？ それとも、純粋に彼とのコラボレーションとして始まったのでしょうか？

T：2019年の秋に龍一にこの話をしました。当時、私はパフォーマンスアーティストである妻のマリーナ・アブラモヴィッチ（Marina Abramović）と一緒に作ったMR作品（『The Life』）を発表したばかりで、彼に自分のやりたいことを話しました。その後、ニューヨークの私の自宅アパートで会い、マリーナとの作品を彼に見せることにしたのです。その頃の龍一は健康を回復していて、ガンの再発の心配もなく寛解状態にありました。彼はただ、自分自身が最もエキサイティングだと感じるプロジェクトとしてこれを選んでくれたのです。

その日、私たちはこのプロジェクトが持つ意味について語り合いました。プロジェクトの核心にあるのは、龍一とファン、そして広く一般のリスナーとの関係性が「永遠に続くこと」です。それこそが、彼に「このプロジェクトをやりたい」と思わせた最大の理由だったと思います。

このプロジェクトは、元々は『Assembly』というタイトルだったそうですね。当初は真鍋大度（Rhizomatiks）さんも関わっていて、2020年に撮影が始まったと。その『Assembly』から『KAGAMI』へと至るプロセスの中で、プロジェクトにはどのような変化があったのでしょうか？

T：最初に話し合ってから、2020年末にプロジェクトの形が固まるまでの間に、2つの大きな変化が起きました。新型コロナウイルス（COVID-19）のパンデミックと、龍一の新たなガンへの罹患です。

当初この作品は、彼の作品を発表する「新しい方法」として構想されていました。その時点では、龍一はこれからもツアーを続ける予定でした。ですから私の最初のコンセプトは、「真鍋大度によるビジュアル・アイデンティティを伴った坂本龍一のライブ」というイメージだったのです。しかし、コロナ禍になり、龍一の健康状態が悪化し、大度も別のプロジェクトを抱えていたため、最初に思い描いていた形からは完全に変化することになりました。

撮影が始まったのは、真鍋さんも参加された2020年12月のピアノソロの配信ライブ（『Ryuichi Sakamoto: Playing the Piano 12122020』）の後ですか？

T：はい。あの配信プロジェクトは、龍一に「観客のために演奏している」という感覚を、久しぶりに取り戻してもらうために龍一のマネジメントによって構想されたものでした。その時点で、彼が公の観客の前で演奏したのは、2020年1月の沖縄でのチャリティコンサートが最後でしたから。配信ライブは、その2日後に始まる『KAGAMI』本番の撮影に向けた、いわばウォーミングアップ（前哨戦）として作られたものだったのです。

坂本さんの自伝（『ぼくはあと何回、満月を見るだろう』新潮社）には、12月初頭にガンの転移が発覚し、撮影の前日に医師から余命宣告を受けたと書かれていました。そして彼はそのまま撮影に臨んだわけですが、あなたや他のスタッフはその事実を知っていたのですか？

T：新たなガンへの罹患と転移が公式に発表されるまで知りませんでした。龍一は極めてプロフェッショナルな人でした。彼は自らやると決断したことは、必ずやり遂げる。それがまさに坂本龍一という人物です。しかし、時折、彼が自分の限界を超えて無理に自分を追い込んでいることは目に見えて分かりました。

撮影の2日目、私は彼があまりにもハードに働きすぎて、自身の身体を痛めつけているのではないかと感じました。そこで私は龍一のパートナーに相談し、「龍一の様子をよく見ておいてほしい。もし限界だと感じたら、今日の撮影は早めに切り上げる」と伝えました。その後、彼の演奏を2曲見守ったところで私は撮影をカットし、「今日は家に帰って休んでください」と伝えました。当時は（ガンの転移という）舞台裏で何が起きているかを知らないまま、そう判断したのです。

今回の日本公演の演目は公表されていませんが、選曲はどのように行ったのでしょうか？ お互いにリクエストを出し合ったのですか？

T：龍一と共同で決めました。彼は最初、これは「永遠に残る作品」になると想定し、自身の代表曲を並べた、いわば「グレイテスト・ヒッツ」のようなリストを作ってきました。しかし私としては、あまり知られていない、よりエソテリック（深遠）な楽曲も入れたかったのです。

例えば、私は“Before Long”をリクエストしたのですが、長いバージョンではなく、アルバム『NEO GEO』（1987年）に収録されているバージョンを指定しました。また、映画『トニー滝谷』（2004年）のテーマ曲（“Solitude”）も提案しました。そうやって意見を交わし合ううちにリストは多様になり、実はまだ発表していない（撮影済みの）ストック曲がたくさんあります。今回の日本公演で何曲を上演するかは、まだ完全には決まっていません。このインタビューが公開される頃にはフィックスしていると思いますが（笑）。

かなりのストックがあるということですね。開催する都市（ロケーション）によって曲を入れ替えたりする予定はありますか？

T：日本公演ではセットリストを変更する予定です。私たちにとっても、これは初めての試みです。少し昔のフィルムカメラに似ています。何かを撮影したら、その後に現像しなければならなかったでしょう。私たちは複数の曲を撮影しましたが、すべてを現像するわけにはいきませんでした。

例えば“The Sheltering Sky”のような非常に長い楽曲は、制作するのに莫大なコストがかかりますが、データとしては存在しているので技術的には可能です。ただ、公開するのはおそらく皆さんからの要望が強ければ、ということになるでしょう。しかし、ショー全体にはいくつかの変更があり、ほぼ間違いなく日本公演で世界初公開（ワールド プレミア）となる新曲が用意されています。

MR はより人間的で、よりオーセンティックな体験

MRについてあまり詳しくない方のために、VRやARとの違いを分かりやすく説明していただけますか？ また、映画界出身のあなたが、なぜ映画からこのMRというメディアに惹かれ、転向することになったのでしょうか。

T：まず定義から始めましょう。VR（Virtual Reality / 仮想現実）は「隔離」のプロセスです。観る人の目の前にはスクリーンが置かれます。カメラがある場合もあれば、ない場合もありますが、視聴者は現実世界を一切見ることができません。ジャイロスコープによって方向感覚が制御される世界です。

AR（Augmented Reality / 拡張現実）は、一般的にタブレットやスマートフォンを介したものです。デバイスのカメラが現実世界の要素（テーブル、床、壁など）を認識して配置しますが、それを見るのはあくまで「デバイスの画面越し」です。

MR（Mixed Reality / 複合現実）は、画面（スクリーン）の存在しない、装着型のデバイスを使います。これは「光を加算するプロセス」です。今回の坂本龍一のパフォーマンスをキャプチャしたデータは「光」の中に埋め込まれており、あなたの目に普段通り入ってくる自然な光の中に、その情報がそのまま注ぎ込まれます。そしてプログラミングによって、その光の情報が現実空間の特定の場所に「固定」されるのです。

T：なぜ私がこの分野に関わるようになったかというと、私にとって「音楽」とは世界を理解するための手段であり、音楽と誠実な関係を持つことが私の人生の根底にあるからです。Joy Division（ジョイ・ディヴィジョン）のイアン・カーティス（Ian Curtis）の映画（『Control（コントロール）』2007年）を作ったとき、劇中に登場するものはすべて本物でした。撮影のロケーションはイアンが生前住んでいた家でしたし、アニック・オノレ（Annik Honoré）に送った手紙は彼女が実際にイアンから受け取った手紙を使いました。そうした「本物であること（オーセンティシティ）」は、今のメディアでは軽視されがちですが、もっと重要視されるべきだと私は考えています。

そして、映画とは「監督のメディア」です。監督が視聴者に対して「これを見なさい」と指示します。監督がすべての選択肢を考慮した上で、「次はこちら、次にあちらを見なさい」と観客の視線を支配するのです。

しかし、私たちが生きる現実世界、特に「ライブパフォーマンスを観る」体験は、その真逆です。何が重要かを決定するのは、私たち観客自身の意志であり決断です。例えば、今夜あるバンドのライブに行くとします。私がドラムに興味があればドラマーを見続けますし、あなたがキーボードに興味があればキーボーディストを注視するでしょう。私たちは同じステージを見ていますが、それぞれが自分にとって最も意味のある場所にフォーカスしていますよね？

MRもそれと全く同じなのです。何が最も意味を持つかを決めるのは、スクリーンではなく観客自身です。だからこそ、私にとってMRはより人間的で、よりオーセンティックな体験であり、私が今、このメディアだけで仕事をしている理由なのです。

撮影を終えて、作品の完成を見届けることなく坂本さんは亡くなってしまいました。それまでの間、定期的にZoomなどでアイデアや意見を交換されていたのでしょうか？

T：龍一とは何度か話しました。闘病中でもニューヨークに戻っていた時には会って話しもしましたし、『KAGAMI』のメインビジュアルとして使用している写真（Luigi & Iango 撮影）は、彼の最晩年に行ったであろう数少ないフォトセッションのひとつだったはずです。

『KAGAMI』では、ヘッドセットを装着すると幻想的な視覚演出とともに、演奏する坂本さんの姿が立ち現れます。このビジュアル演出は楽曲ごとに異なっていていますが、何かリファレンス（参照元） ── 例えばインスピレーションを得た過去の映画などはあったのでしょうか？

T：面白い質問ですね。ビジュアル演出について、これまで誰にも聞かれたことはありませんでした（笑）。演出は、結果的に私が1曲を除くすべての楽曲のアートデザインを手がけることになりました。大度が手がけた“MUJI2020”という曲は、モーションキャプチャしたダンスの動きを「木の葉」に転送して木の葉が踊るという、非常に美しく素晴らしい演出になっています。

それ以外の楽曲について言えば、例えば“Andata”はピート・モンドリアン（Piet Mondrian）の幾何学的なラインを三次元化することからインスピレーションを得ています。また、アメリカのフォトグラファーであるソール・ライター（Saul Leiter）の「抑制された構図の中に鮮やかな色彩を配置する」という手法は、2つの異なる楽曲の光と色の表現に影響を与えています。

他にも、一見意外なものから影響を受けています。ある曲のアートデザインは、タイの湾に浮かぶ波と、そこに反射する月光からインスピレーションを得ました。あの流動的な自然の性質を捉えることで、水が持つ美しさと感覚を表現したのです。インスピレーションは本当にあらゆる場所から湧いてきました。

デジタルアートを三次元の空間に落とし込む作業は、一筋縄ではいかなかったのでは？

T：私たちが世界を理解する手段の多くは、スクリーン（画面）を介しています。この三次元の立体メディアでは、頭の中でアイデアを思い描いても、それをエンジニアやデジタルアーティストと形にして、デバイス（ヘッドセット）で体験してみるまで分かりません。“MUJI2020”のように想像通りに美しくなることもあれば、大半の場合はまったく想像と違うものになります。「ワオ、これはとんでもなくダサいアイデアだったな」と気づいて、また別のアイデアをゼロから考え直す、その繰り返しでした。

『KAGAMI』は「本物の表現」を求める、すべての人々へ向けたもの

最終的なタイトルを『KAGAMI』に決めた理由は何だったのでしょう。

T：これは、龍一と私のアカデミックな内輪ネタ（インサイド・ジョーク）のようなものです（笑）。「鏡」を意味するタイトルですが、私たちは実質的に、坂本龍一という人間の「鏡像（ミラーイメージ）」を作り上げたわけです。それと同時に、彼も私も映画監督のアンドレイ・タルコフスキー（Andrei Tarkovsky）の大ファンだったので、彼の映画『鏡（英題：The Mirror）』へのオマージュでもあります。完全にオタク（シネフィル）同士のノリですね。

日本で開催される今回のショーは『KAGAMI+（カガミ プラス）』というタイトルですが、これには何か特別な意味が込められているのですか？

T：海外の都市では何万人という人々に向けてこのショーを披露してきましたが、龍一の母国である日本には、さらに多くの人々に届けられるポテンシャルがあります。そのため、今回は2つのバージョンを用意しました。あまり時間が取れないけれど体験したいという人のためのショートバージョン（BLUE）と、約60分間のフルバージョン（RED）のショーです。

さらに、今回は他にも見逃せない体験が用意されています。東京都現代美術館（MOT）の坂本龍一展（『坂本龍一 | 音を視る 時を聴く』）でも公開されたインスタレーション 坂本龍一＋高谷史郎《TIME TIME》や、龍一の生前の演奏データをグランドピアノで再生するプログラム《Ryuichi Sakamoto:Playing the Piano 2026 – D》、そして龍一のアルバムをマスタークオリティでオープンリールで再生する《Ryuichi Sakamoto Musics – open reel listening room》です。

最後に、『KAGAMI』というプロジェクトを通じて、あなたが最も伝えたいメッセージとは何でしょうか。

T：私はアートこそが、これほどまでに矛盾や俗悪さに満ちた世界を理解するための唯一の方法だと考えています。それは美しいアートであると同時に、力強くもあり、人間が何を成し遂げることができるのかを意味するものです。私たちは自らの価値をお金で規定できませんし、するべきではありません。しかし、パフォーマンスなどのアート、人間という存在の本質そのものを通して、人生の意味を理解することは間違いなくできるのです。

そして『KAGAMI』は、私たちのように、坂本龍一を愛し、敬愛している人々のためだけに作られたものではありません。「本物の表現」に少しでも関心を持つ、世界中のすべての人々に向けて作られました。私たちがこの世を去った後も残り続けるであろうこの作品のメッセージとは、何かを創り出そうとする意志さえあれば、そこには美しさと真に人間的な意味が存在する、ということなのです。

（インタビュー終了後、トッドが思い出したように話し始める）

T：そういえば、龍一が初めてブライアン・イーノ（Brian Eno）に出会ったときのエピソードを知っていますか？

いいえ。

T：彼はイーノにこう言ったそうです。「あなたの『学校で音楽教育を受けていない』という点が素晴らしいと思う。いや、羨ましいと言うべきか。自分自身の声を見つける前に、学校で教えられたことを乗り越える必要がなかったのだから」と。

アカデミックな音楽教育を受けなかったことで、イーノは独自の声（スタイル）を確立した ── 非常に興味深い見解で、とても龍一らしいエピソードですよね。

---

【Event Info】

RYUICHI SAKAMOTO & TIN DRUM
KAGAMI+
会期：2026年6月27日（土）～10月12日（月・祝）
会場：VS.（ヴイエス）
住所：大阪府大阪市北区大深町6-86
グラングリーン大阪うめきた公園ノースパークVS.
開館時間：10:00-20:00（日時指定制）
休館日：月曜日（祝日、連休の場合は祝日明け平日）

チケット料金（税込）：
・RED TICKET（日時指定券・来場者限定特典付き）15,000円
「KAGAMI（MRコンテンツ）」（約60分）
*待機・準備時間を含む
*来場者限定特典7インチ・アナログレコード付き
*複数の展示作品を自由に鑑賞可能

・BLUE TICKET（日時指定券）　一般 4,500円　学生 2,500円
「KAGAMI（MRコンテンツ）」体験版（約30分）
*待機・準備時間を含む
*複数の展示作品を自由に鑑賞可能

チケット販売スケジュール：
・6月27日（土）から8月31日（月）までのチケットは販売中。
・9月1日（火）から10月12日（月・祝）までのチケットは、8月1日（土）正午より販売開始。

公式サイト

---

【Profile】

トッド・エッカート（Todd Eckert）
アメリカを拠点に活動するディレクター、プロデューサー。クリエイティブ・スタジオ Tin Drum（ティン・ドラム）創設者。14歳で音楽ジャーナリストとしてキャリアをスタートし、17歳で全米誌『OnlyMusic Magazine』の編集者に就任。のちにJoy Division のフロントマンであるイアン・カーティスの生涯を描いた長編映画『Control（コントロール）』（2007年）をプロデュースし、同作はカンヌ国際映画祭でプレミア上映され高い評価を獲得した。2012年には、革新的な複合現実（MR）テクノロジー企業である「Magic Leap（マジック・リープ）」に参画し、コンテンツ開発ディレクターを務める。2016年に同社を離れ、Tin Drum を設立。2019年には、世界初の大規模な MR パフォーマンス作品として話題を呼んだマリーナ・アブラモヴィッチ主演の『The Life』を監督。近作には、同スタジオによるMR演劇作品『An Ark』などがある。

View this post on Instagram

A post shared by Tin Drum (@tindrumio)